Psicodelia Colectiva

I Met the Walrus

2008-07-07T16:36:00.001-06:00

En 1969, un joven fan de 14 años de los Beatles llamado Jerry Levitan, armado con una grabadora de cinta, se coló en la habitación del hotel donde John Lennon se hospedaba en Toronto y le convenció para hacer una entrevista. 38 años después, Levitan, el director Josh Raskin y el ilustrador James Braithwaite se han unido para crear un cortometraje animado que tiene como banda sonora la grabación original de Lennon. Un recipiente cautivador para el ingenio ilimitado de Lennon y un mensaje intemporal

35 años...

2008-07-03T09:21:00.001-06:00

8 - 12 - 1943, Melbourne, Florida,† 3 - 7 - 1971, Paris, Francia

This is the end, beautiful friend. This is the end, my only friend...

2008-05-31T19:06:00.000-06:00

ESTE UN RARO LIVE...DE TOSH Y JAGGER CON LAS PIEZAS...
1.SOON COME
2.DONT LOOK BACK
LINK...http://www.gigasize.com/get.php?d=jrpo8xoxklf

&lt;a href="http://www.youtube.com/v/3o4Fgh0KW_4" target="_blank"&gt;http://www.youtube.com/v/3o4Fgh0KW_4&lt;/a&gt;

3 GRANDES...

2008-05-31T19:04:00.000-06:00

ACA LES DEJO UN POCO DE REGUESITO CON EL PRIMER DISCO COMO SOLISTA DE PETER TOSH...MIEMBRO FUNDADOR DE LOS WAILER JUNTO CON BOB MARLEY...LEGALIZE IT!!!

PIEZAS...
1. Legalize It (Album Version) 4:41
2. Burial (Album Version) 3:55
3. Whatcha Gonna Do (Album Version) 2:27
4. No Sympathy (Album Version) 4:35
5. Why Must I Cry (Album Version) 3:06
6. Igziabeher (Let Jah Be Praised) (Album Version) 4:36
7. Ketchy Shuby (Album Version) 4:57
8. Till Your Well Runs Dry (Album Version) 6:08
9. Brand New Second Hand (Album Version) 4:04
10. Ketchy Shuby (Album Version) 3:16
LINK...http://www.gigasize.com/get.php?d=7bj9nt2v8dc

2008-05-31T18:58:00.000-06:00

OJALA ESTE SI GUSTE...ACA LES DEJO EL ULTIMO CONCIERTO DE LOS BITLES...THE ROOFTOP CONCERT QUE DIERON EL 30 DE ENERO DEL 69 EN EL TECHO DE LOS ESTUDIO APPLE...ES SU PEULTIMO DIA DE GRABACION PARA LA MALOGRAA PELICULA / ALBUM "GET BACK" QUE AL FINAL SERIA "LET IT BE"
LAS PRIMERAS NUEVE CANCIONES SON EL CONCIERTO COMPLETO...LAS DEMAS SON RAREZAS ESCOGIDAS DE LAS SESSIONES DE ENREO DEL 69...
NOTAS DEL BOOKLET...

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THE ROOFTOP SESSIONS

The Beatles were going to make a documentary film of themselves producing a TV show and writing a bunch of new songs for their next album, which was to be a return to their roots of the rocking days. This was probably inspired by the emergence of The Band, straightforward, downhome and everyone's favourite name to drop at the time.
With a working title of "Get Back" rehearsals began at Twickenham studios on January the 2nd, 1969. The project quickly ran into trouble, George Harrison walked out after eight days complaining of continual criticism from Paul McCartney. However, he returned a week later. The TV show idea had to be dumped because they couldn't find a suitable location. They thought about hiring an ocean liner, but somewhere along the line that idea was also shelved, along with a number of other exotic suggestions. But it was John Lennon's suggestion to record a selection of songs in the controlled atmosphere of a studio.
At this time, plans were made to turn the roof at No 3 Saville Row, the Apple Corps HQ, into a tranquil roof garden, and so Ringo Starr and Michael Lindsay-Hogg decided to take a look. It seemed ideal for what they had in mind.
The Beatles last ever public concert took place around mid-day on Thursday January the 30th and lasted a full 42 minutes, and may well have gone on longer had it not been for the complaints of the neighbour, Stanley Davis. The wool merchant next door was not a Beatles fan so it seemed. He was quoted as saying "I want this bloody noise stopped. It's an absolute disgrace". But the banker, Alan Pulverness, at the end of the street was kinder, he said "Some people just can't appreciate good music".
The film won an Oscar for best musical score and it was presented to Paul McCartney by non-other than John Wayne, Big Leggy. But by the time it was premiered on May the 13th, 1970, The Beatles had split. The dream was over...
"I'd like to say 'Thankyou' on behalf of the group and ourselves and I hope we passed the audition".

PIEZAS...
01. Get Back
02. Get Back
03. Don't Let Me Down
04. I've Got A Feeling
05. One After 909
06. Dig A Pony
07. I've Got A Feeling
08. Don't Let Me Down
09. Get Back
10. The Walk (complete version)
11. Oh! Darling
12. Maxwell's Silver Hammer
13. Across The Universe
14. Gone, Gone, Gone
15. Wake Up In The Morning (With Linda)
16. She Came In Through The Bathroom Window
17. Sausages And French Fries - Early In The Morning - Hi Ho Silver
18. Stand By Me
19. Harry Pinsker (Hare Krishna Mantra)
20. Two Of Us
LINK...http://www.gigasize.com/get.php/3197102598/1992_The_Let_It_Be_Rehearsals_Vol_1_The_Complete_Rooftop_Concert.rar
PASS...NO PASS

REVOLUTION!!!

2008-05-31T16:39:00.001-06:00

http://es.youtube.com/watch?v=Gf-Q2rDd6Tw

2008-05-25T07:21:00.001-06:00

&lt;a href="http://www.youtube.com/v/dL0iAXUatdY" target="_blank"&gt;http://www.youtube.com/v/dL0iAXUatdY&lt;/a&gt;

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Kurt Cobain About a Son is a documentary about Kurt Cobain that debuted at the 2006 Toronto International Film Festival. It is directed by AJ Schnack. It was produced by Sidetrack Films. It features audio of interviews between Cobain and journalist Michael Azerrad done for the book Come As You Are: The Story of Nirvana, set over ambient cinematography. The film has played numerous film festivals, and was nominated for the 2007 Independent Spirit's Truer than Fiction Award.

LAS PIEZAS DEL DISCO SON ESTAS...ES MUSICA QUE ESCUCHABA KURT MAS QUE NADA PQ LOS DERECHOS DE LA MUSICA DE NIRVANA CASI EN SU TOTALIDAD LOS TIENE COURTNEY LOVE Y NO LOS SEDIO...

1. "Overture" - Steve Fisk and Ben Gibbard
2. Audio: Never Intended
3. "Motorcycle Song" - Arlo Guthrie
4. "It's Late" - Queen
5. "Eye Flys" - The Melvins
6. Audio: Punk Rock
7. "Banned in DC" - Bad Brains
8. "Up Around the Bend" - Creedence Clearwater Revival
9. "Kerosene" - Big Black
10. "Put Some Sugar on It" - Half Japanese
11. "Son of a Gun" - The Vaselines
12. "Graveyard" - Butthole Surfers
13. Audio: Hardcore Was Dead
14. "Owner's Lament" - Scratch Acid
15. "Touch Me I'm Sick" - Mudhoney
16. Audio: Car Radio
17. "The Passenger" - Iggy Pop
18. "The Borgeois Blues" - Leadbelly
19. "New Orleans Instrumental No. 1" - R.E.M.
20. Audio: The Limelight
21. "The Man Who Sold the World" - David Bowie
22. "Museum" - Mark Lanegan
23. "Indian Summer" - Ben Gibbard

LINK...http://www.gigasize.com/get.php?d=0rbgvd1zdpf
PASS...NO PASS

2008-05-25T07:10:00.003-06:00

ALUCINANTE

En 1943, el químico Albert Hoffman descubrió los efectos del LSD. En Woodstock del 69, la advertencia era: “Cuidado con los ácidos marrones”. Dos años después, los cartones estaban pintados con las caras de Mickey, el gato Félix y Lenin. Si bien resulta casi imposible documentar buena parte de las planchas dibujadas por motivos obvios (son ilegales y la mayoría de los consumidores no recuerdan demasiado), Radar hizo un esfuerzo por reconstruir la historia artística del papel secante, cuyo coleccionista más famoso es, oh casualidad, argentino.

Por Alfredo García

“El viernes pasado, 16 de abril de 1943, me vi obligado a interrumpir mi trabajo en el laboratorio a mitad de la tarde. Tuve que volver a casa agobiado por una extraña inquietud y un persistente mareo. Me acosté con la sensación nada desagradable de estar intoxicado y con la imaginación extremadamente estimulada. Con los ojos cerrados (ya que la luz del día me parecía demasiado brillante) y en un estado de ensoñación, pude observar un torrente de figuras calidoscópicas de todos los colores tomando formas fantásticas. Luego de dos horas, ese estado se desvaneció”.
Aquella tarde de abril de 1943, el químico Albert Hoffman disfrutó del primer viaje de LSD 25 de la historia: unas pequeñas partículas cristalizadas de la sustancia sintetizada originalmente en 1938 (y archivada por no encontrarle utilidad alguna) tomaron contacto con su piel durante un estudio. En experimentos con el germen del centeno Hoffman ya había logrado remedios como la hydergina (utilizado en geriatría hasta hoy en día), y antes había trabajado con los laboratorios suizos Sandoz en la síntesis de drogas para problemas cardíacos. Pero como él bien sabe (y tal como lo relata en su autobiografía LSD My Problem Child), la historia lo recordará como el hombre que descubrió los efectos alucinógenos del LSD 25, o ácido lisérgico.
A partir de ese primer trip accidental, Hoffman decidió experimentar en serio ingiriendo una pequeña dosis ante testigos que pudieran documentar sus sensaciones. Como los efectos del ácido comenzaron a hacer efecto recién volvía del laboratorio a su casa, andando en bicicleta junto a su asistente, este modesto medio de transporte quedó inmortalizado como un icono de la cultura psicodélica. Con el paso de los años, el LSD 25 fue primero adoptado como una de las sustancias favoritas de la generación del flower power, para ser después declarado ilegal por los gobiernos de todo el mundo, medida que obligó a los laboratorios Sandoz a dejar de fabricarlo, dejando el negocio en manos de los laboratorios clandestinos que alimentan la fructífera industria del narcotráfico. También con los años, las ascéticas gotitas o tabletas incoloras de la droga descubierta por Hoffman adoptaron la forma de cartoncitos de papel secante ilustrados con dibujos de todo tipo. Uno de los dibujos que se han venido repitiendo con más frecuencia a través de las décadas es justamente el de un señor alucinado andando en bicicleta. Y uno de los ácidos más populares en todo el mundo durante las fiestas de fin de milenio fue un cartoncito con una bicicleta de colores y el año que se festejaba, el 2000.
Es difícil saber con exactitud en qué momento los fabricantes de una sustancia ilegal como el LSD 25 tuvieron la curiosa idea de cambiar el packaging de su producto introduciendo ilustraciones de distinto tipo, pero diversas fuentes dedicadas a registrar los ácidos en boga a lo largo de las décadas concuerdan en que entre 1971 y 1973 las dosis lisérgicas dejaron de ser simples gotas en terrones de azúcar u olvidables tabletas de un color liso para empezar a incluir dibujos infantiles, leyendas, logotipos y hasta el rostro de Lenin. El recordado “cuidado con los ácidos marrones” del festival de Woodstock de 1969 había quedado demodé: ahora había que tener cuidado con el gato Félix, la silueta de una mujer desnuda o algún motivo oriental como el Yin-Yang.
Sería un error tratar de entender desde un ángulo racional un asunto relacionado justamente a la ruptura con la lógica racionalista. Sin embargo, que los motivos orientales figuren entre los más utilizados por los anónimos dibujantes para ácido parece revelar la intención de influir de un modo pseudo-espiritual en el consumidor del cartoncito bañado en poción mágica (este chiste no es gratuito, ya que en los 80 aparecieron en Europa cartoncitos de LSD ilustrados con la figura del druida de Astérix, el fabricante de la famosa poción mágica de los galos). Así, mezcla de marketing mercantilista y auténtica expresión de deseo para el audazexperimentador de viajes lisérgicos, desde hace años que el cartoncito no se vende liso, sino que incluye un lema o dibujo que guiará la exploración psicodélica del mejor modo posible. Siguiendo esta teoría, la misma sustancia aplicada a un dibujito alegre y naïf (Betty Boop, el gato Félix) no provocaría el mismo efecto que el de una dosis idéntica del mismo ácido bañando un cartoncito con la cara de un héroe más violento (el Capitán América, Superman o Popeye, el famoso adicto a la espinaca).
En cierto sentido, los dibujos de los cartones de ácido lisérgico pueden ser considerados como una especie de arte interactivo de primer orden. Si hasta ahora no se conocen tesis realmente serias sobre el por qué de los dibujos de LSD, quizá se deba a que todo lo relacionado a estas planchas de papel secante sea tan ilegal como la sustancia descubierta por Hoffman en 1938. Encima, a esta clandestinidad se agrega el habitual mal estado neuronal de los expertos en LSD 25, que difícilmente se hayan preocupado por documentar cada tipo de ácido que ingirieron en los últimos 30 años.
Por eso, cualquier investigación sobre el tema choca contra límites difíciles de superar. Es una tarea titánica tratar de documentar algo que siempre se movió en las sombras. Para colmo, la mayoría de los dibujos fueron tragados por ansiosos experimentadores de la cultura lisérgica, es decir, viejos hippies que no pueden ser considerados como los testigos más confiables del mundo.
Curiosamente el testigo más confiable parece ser un argentino de origen inglés: Mark McCloud, quien fue entrevistado por la revista inglesa Loaded, donde lo describen como una suerte de genio paranoico que colecciona todos los cartoncitos posibles. Según McCloud, el FBI, la CIA y Scotland Yard trata de arrestarlo por todos los medios desde hace años, pero no le pueden hacer nada debido a que todos los cartoncitos de su colección han sido cuidadosamente desactivados, “al ser expuestos a rayos ultravioletas”, eliminando cualquier efecto lisérgico. “Lo que pasa es que la CIA quiere guardar el mejor LSD para sus agentes, ya que ellos siguen investigando el potencial telepático que puede derivarse del ácido”, explicó McCloud a un periodista no demasiado convencido de las posibilidades paranormales de esta sustancia.
Según McCloud, casi cualquier ícono de la cultura pop moderna y de la civilización occidental ha tenido su propio ácido. “De Jesús a Alicia en el País de las Maravillas, todo tipo de personajes han formado parte de este arte revolucionario”. El coleccionista, ex profesor de arte, comenzó a interesarse por el ácido desde muy joven, en los tiempos en que esta droga era legal. “Ya que no se puede combatir la prohibición del LSD, lo mejor es destacar su parte artística”, explicó McCloud en la entrevista (que puede ser encontrada, igual que docenas de artículos sobre el fenómeno lisérgico, a través de Sputnik.com, el patriarca de todos los sites sobre drogas legales e ilegales, desde la nicotina al peyote). La última noticia registrada sobre McCloud y su museo de blotter art (“arte de los secantes”) es que hacia 1997 su colección estaba expuesta en la Rita Dean Gallery ubicada al 548 de la Quinta Avenida de San Diego, California, hasta donde la intelligentzia artística de la Costa Este había concurrido para dictaminar la importancia de una exposición que “explica ese folklore moderno llamado psicodelia”.
Otro folklore moderno, el de las leyendas urbanas, también habla de las ilustraciones del LSD. Desde 1980, cada tanto aparecen notas en la TV y la prensa escrita sobre planchas de LSD cubiertas de ilustraciones infantiles que presuntamente intentarían provocar adicción en niños de corta edad. Este mito se conoce como el de “los tatuajes de LSD Blue Star”, y figura en libros sobre leyendas urbanas junto a otros cuentos del tipo “huevos de araña en caramelos yummy” y “cocodrilos albinos en las cloacas”. La verdad detrás de este mito es simplemente que muchos de los cartoncitos cargados con LSD tienen figuras de comics como Bart Simpson o Superman. En 1980,por ejemplo, el departamento de policía de Nueva Jersey envió una circular alertando sobre la existencia de unas estampillas con la figura del aprendiz de brujo que interpretaba el ratón Mickey en la película Fantasía “destinadas a volver adictos a los niños”. El miedo colectivo quedó en la nada al demostrarse que las estampillas existían, pero estaban destinadas a proveer de LSD a viciosos experimentadores mayores de edad. En una seguidilla de artículos demistificadores, el New York Times explicó este fenómeno, lo que no evitó que cada tanto reaparezca el fantasma de la adicción infantil al ácido. El gran difusor del LSD, Timothy Leary, lo explicó así: “El ácido lisérgico es una sustancia capaz de provocar demencia y alucinaciones en personas que nunca la consumieron”.
Que se sepa, nunca aparecieron cartoncitos de LSD con dibujos relacionados a la cultura argentina. Equivalentes de Popeye o Superman podrían ser Patoruzú o Isidoro Cañones, pero dentro de lo limitada que resulta una encuesta local sobre el tema, no hay señales de que alguien haya hecho algo por el estilo. Probablemente esto no se deba a la falta de imaginación de nuestros narcos, sino a la inexistencia de una industria vernácula dedicada al LSD (que sí fue utilizado por psiquiatras argentinos de avanzada en los años ‘60, cuando la droga aún no había sido prohibida).
Según recuerdan algunos veteranos de estas aventuras mentales, los primeros ácidos que llegaron al país con fines recreativos y no psiquiátricos eran gotitas o micropuntos (un punto negro en un plástico). Recién a mediados de los ‘70 aparecieron cartoncitos ilustrados con el protagonista del comic underground Mr. Natural y el eterno Popeye.
La creciente popularidad del éxtasis surgida en los ‘80 (que puede ser considerado como un pariente más liviano del ácido, y que en general es una pastilla sin dibujos ni diseños artísticos) parece no haber terminado con la inventiva de los incansables fabricantes de LSD. Uno de los diseños más curiosos aparecidos a fines de los ‘90 fue el llamado The Beavis & Butthead Psychodelic Experience, junto a la ya mencionada bicicleta del 2000.
Aunque en su libro LSD My Problem Child Albert Hoffman asegura que jamás imaginó ni aprobó el uso masivo de la droga con fines recreativos (hoy, para colmo, sólo conseguible sin la exactitud química lograda en los laboratorios suizos que la fabricaban en sus años de legalidad), con los años adoptó una actitud más contemporizante. Quizá por eso una de las piezas más cotizadas en la colección de blotter art de Mark McCloud es una serie de cartones con el rostro de Hoffman autografiada por el mismísimo padre del LSD 25.
El químico suizo Albert Hofmann, descubridor del LSD, falleció el martes a los 102 años en su domicilio de Burg (cantón de Basilea), informó el ayuntamiento de esa localidad

2008-05-25T07:09:00.003-06:00

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En la prisión de Folsom es un álbum en directo de Johnny Cash, registrada el 13 de enero de 1968 en la Prisión Estatal de Folsom en Folsom, California. Also on the album are June Carter , Carl Perkins , and Cash's band, the Tennessee Three . También en el álbum son Junio Carter, Carl Perkins, y en efectivo de la banda, los tres Tennessee.

The final song, " Greystone Chapel ", was written by an inmate, Glen Sherley . La última canción, "Greystone Chapel", fue escrito por un recluso, Glen Sherley. Johnny Cash had never sung the song until the night before the Folsom visit. Johnny Cash nunca había cantado la canción hasta que la noche antes de la visita de Folsom. A Reverend asked Cash to listen to an audio tape of Sherley singing the song. Un reverendo pide dinero en efectivo para escuchar una cinta de audio de Sherley cantar la canción. After hearing the tape Cash rushed to include the song on the live album the next night. Después de escuchar la cinta en efectivo se apresuraron a incluir la canción en el álbum en directo la noche siguiente.

Throughout the album Cash seems to empathize with the plight of the prisoners. A lo largo del álbum Cash parece identificarse con la difícil situación de los presos. The inmates for their part had a great deal of respect for Cash and his works, though some of the sounds that seemed to be from the inmates (cheering and shouting) were actually dubbed in after the recording, most notably the cheering following the line "I shot a man in Reno just to watch him die" on "Folsom Prison Blues." Los reclusos, por su parte, había una gran cantidad de dinero en efectivo respeto de sus obras y, aunque algunos de los sonidos que parecían ser de los reclusos (animando y gritando) fueron doblados en realidad después de la grabación, sobre todo los vítores tras la línea " Me dispararon a un hombre en Reno sólo para ver morir él "a" Folsom Prison Blues ".

On the original LP release, the song order was changed and several songs were cut, probably for space reasons. En el original LP liberación, la canción se cambió el orden y varias canciones se redujeron, probablemente por razones de espacio. The version released on CD in 2000 still does not contain the entire concert, but rather with added tracks from the concert that day. La versión liberada en CD en 2000 aún no contiene todo el concierto, sino más bien con adición de las pistas de el concierto ese día. Four additional tracks were performed that day but not included on the re-release: "I'm Not in Your Town to Stay," "I've Got a Woman," "Long Legged Guitar Picking Man," and an alternate performance of "Greystone Chapel." Cuatro pistas adicionales se realizaron ese día, pero no está incluido en la re-edición: "No estoy en tu ciudad a la estancia", "He Got una Mujer", "Pata Larga Recogida Guitar Man", y un suplente de rendimiento "Greystone Chapel".

In 2003, the album was ranked number 88 on Rolling Stone magazine's list of the 500 greatest albums of all time . En 2003, el álbum se clasificó número 88 en Rolling Stone revista a la lista de los 500 álbumes más grande de todos los tiempos. In 2003, it was one of 50 recordings chosen that year by the Library of Congress to be added to the National Recording Registry . En el año 2003, es una de las 50 grabaciones elegido ese año por la Biblioteca del Congreso, debe añadirse a la Secretaría Nacional de grabación.

In 2006, it ranked #3 on CMT's 40 Greatest Albums in Country Music. En 2006, ocuparon el # 3 en CMT 40 Greatest Albums en música country

MUSICOS...
Johnny Cash - voz, guitarra, armónica
June Carter - vocal Junio Carter - vocal
Marshall Grant - bass guitar Marshall Grant - bass guitar
WS Holland - drums WS Holanda - tambores
Carl Perkins - electric guitar Carl Perkins - guitarra eléctrica
Luther Perkins - electric guitar Luther Perkins - guitarra eléctricaThe Statler Brothers - vocals El Statler Brothers - vocals
[/b]

PIEZAS...
01 Folsom Prison Blues
02 Busted
03 Dark as the Dungeon
04 I Still Miss Someone
05 Cocaine Blues
06 25 Minutes to Go
07 Orange Blossom Special
08 The Long Black Veil
09 Send a Picture to Mother
10 The Wall
11 Dirty Old Eggsuckin' Dog
12 Flushed from the Bathroom of Your
13 Joe Bean
14 Jackson
15 Give my Love to Rose
16 I Got Stripes
17 The Legend of John Henry's Hammer
18 Green, Green Grass of Home
19 Greystone Chapel
LINK...http://www.gigasize.com/get.php?d=sg4kvz655cd

2008-05-25T07:09:00.001-06:00

Eric Clapton - Guitarra, Voces
Jim Gordon - Percusion, Piano, Bateria
Carl Radle - Bajo, Percusion
Bobby Whitlock - Organo, Guitarra Acustica, Piano, Teclados, Voces
George Harrison - Guitarra
Duane Allman - Guitarra, Slide Guitar

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Pocas veces un (unico) disco definio tan bien a un momento y a una banda como este album, y pocas veces un heroe de la guitarra sono tan apasionado, intimo y descarnado como Clapton en este disco; y es por eso que aun hoy podemos considerar a "Layla and Other Assorted Love Songs" como un disco monumental, unico e historico, uno de esos albumnes que cambian la historia para siempre.
Derek & the Dominos fue un grupo formado por el guitarrista y cantante Eric Clapton (o Eric Patrick Clapp como figura en su documento...). Este muchacho, nacido el 30 de marzo de 1945 en Ripley, Surrey, England; se junto junto a otros ex miembros de Delaney & Bonnie & Friends en la primavera (boreal) de 1970 para iniciar otro proyecto musical. Asi, el resto de la agrupacion termino siendo Bobby Whitlock (nacido en 1948 en Memphis, Tennessie) en teclados y voces; Carl Radle (nacido en 1942 en Oklahoma City y fallecido el 30 de mayo de 1980) en bajo y Jim Gordon (1945, Los Angeles) en bateria. El grupo debuto en el Lyceum Ballroom en London el 14 de junio e inicio una gira por Inglaterra en ese mismo verano. Mas tarde, desde fines de agosto a principios de octubre, graban el celebrado album doble titulado "Layla and Other Assorted Love Songs" (editado en noviembre de 1970) con el estupendo guitarrista Duane Allman como invitado.
La historia de este supergrupo habia comenzado cuando Clapton buscaba un escape de las presiones existentes sobre su figura por ser considerado una "superstar" o "dios de la guitarra". Fue por eso que primero (en 1969) acepto a pasar a ocupar un segundo plano en el excitante proyecto grupal de Blind Faith (en el cual Steve Winwood fue la cara mas visible). Luego del final de Blind Faith, Clapton acepta una invitacion por parte de Delaney & Bonnie para grabar un disco y participar de una gira como musico invitado (a principio de 1970). De este nucleo de musicos invitados de Delaney & Bonnie saldra el material y la formacion que poco despues grabaria "Layla & Other Assorted Love Songs". Ademas de los extraordinarios y experimentados musicos que participaron de la grabacion se une tambien uno de los mayores talentos de ese momento: Duane Allman. Este rubio, bigotudo y pelilargo habia fascinado a Clapton que pidio encarecidamente que participara del disco diciendo "Quien es ese tipo...?, como consigue tocar asi...?, por favor, presentenmelo...". Sin dudas, que la espectacular forma de tocar el slide guitar de Allman inpulso a Clapton a una nueva dimension musical.
Tambien hay que recordar que en esa epoca, Clapton estaba bastante perturbado emocionalmente (y bastante desesperado) ya que le habia pasado una de las peores cosas que le pueden pasar a un hombre: se habia enamorado de Patti Boyd, la esposa de su mejor amigo, George Harrison, y todo ese dolor que sentia (sin dudas) impregno el sentimiento y todo el aura que rodea a "Layla", en especial a la cancion que le da titulo al disco, dedicada indisimuladamente a Boyd.
Justamente el titulo de "Layla" deviene de un poema persa de amor llamado "Layla y Majnum" que relata la obsesion amorosa de un hombre hacia una mujer casada.
Clapton habia leido ese poema en esa epoca y entonces (para el) Patti paso a convertirse en su "Layla". Es curiosa la historia de la Boyd y de las pasiones que desato ya que no debe haber muchas mujeres en todo el mundo que sean capaces de inspirar dos de las mejores canciones que se hayan escrito jamas en la historia de la musica popular... nos referimos obviamente a la ya nombrada "Layla" y a la anterior "Something" (por parte de Harrison). En lo que respecta a la primera, debemos decir que "Layla" es uno de los temas mas paradigmaticos sentimentales y poderosos escritos jamas por Clapton, sin olvidarnos de la emocionante coda en donde predomina la parte de piano escrita por Jim Gordon.
Estas dos partes, la poderosa y desesperada inicial mas la sutil y calma del final son las dos caras de un tema perfecto.
Este impresionante disco contiene tambien estandars como el gran blues de Buddy Miles "Have You Ever Loved a Woman" (que tambien habla acerca de una historia de amor prohibida hacia "la mujer del mejor amigo") y "Nobody Knows You (When You're Down and Out)". En el disco tambien fue muy importante la presencia de Bobby Whitlock, en temas como "Any Day", "Why Does Love Got to Be So Sad?" y (principalmente) el final del disco con su "Thorn Tree in the Garden", todas piezas con una gran cuota de pasion.
Tampoco debemos olvidar la soberbia version que hizo el grupo del tema "Little Wing" de Hendrix, un emotivo y merecido homenaje hacia ese mago de las seis cuerdas muerto justo cuando Clapton y Cia. grababan este disco.
Luego de finalizar las grabaciones. Derek & The Dominos volvio a girar por Inglaterra y U.S.A., dando su ultimo concierto el 6 de diciembre.
Ya editado, el album "Layla" fue un gran suceso en U.S.A,, donde la emotiva "Bell Bottom Blues" y "Layla" rankearon en el mercado de singles de la mano de sus versiones abreviadas. Curiosamente, no tuvieron tanta fortuna en la lista de exitos britanica.
Despues de esto, The Dominos se volvio a juntar para grabar un segundo album en mayo de 1971, pero se separaron antes de poder completarlo, ya que los problemas de salud (y adiccion) de Eric se volvieron cronicos. Clapton entonces se retiro del negocio de la musica, hundiendose, mas y mas, en su adiccion a la heroina de la que saldria recien dos anios despues gracias a la ayuda de amigos y a la acunpuntura. Durante su ausencia, se produce la lamentable y prematura muerte de Allman en un accidente de moto el 29 de octubre de 1971. Este suceso contribuyo a cimentar a Los Dominos y a Layla como un momento antologico de toda la historia del Rock. Y no era para menos...
Por eso mas tarde cuando fue re-editada como single, en su version full de siete minutos en el compilado "History of Eric Clapton" en marzo de 1972, "Layla" llego muy rapido al "Top Ten" en ambas costas del Atlantico.
Continuando con la "necrologia" y "homenajes", mas tarde se edito un album en vivo llamado "Derek and the Dominos in Concert" (en enero de 1973), sacado de grabaciones efectuadas duarante el tour norteamericano de 1970.
Este disco tambien tuvo mucho exito.
El tiempo paso pero nunca decayo el interes por este grupo que tanto gravito en la historia de Eric Clapton. Por eso, cuando en 1988 se edito el box set con material de Clapton de todas las epocas llamado "Crossroads", se incluyo material sacado de las sesiones abortadas del segundo album de Derek & The Dominos. Mas tarde, las "Layla Sessions" (1990) fueron editadas en forma de box set expandiendo a ese album a mas material inedito incluido en varios CDs. Tambien, "Live at the Fillmore" (1994) ofrecio una version expandida del anterior album "In Concert". Se nota que desde hace tiempo tanto el publico como las discograficas sienten que nunca tienen suficiente y que nunca se cansaran de interesarse en este grupo de efimera vida pero vital importancia en el magnifico rock de los '70: Derek & The Dominos.

PIEZAS...
Side one

1. "I Looked Away" (Eric Clapton, Bobby Whitlock) – 3:05
2. "Bell Bottom Blues" (Clapton) – 5:02
3. "Keep on Growing" (Clapton, Whitlock) – 6:21
4. "Nobody Knows You When You're Down and Out" (Jimmie Cox) – 4:57

Side two

1. "I Am Yours" (Clapton, Nezami) – 3:34
2. "Anyday" (Clapton, Whitlock) – 6:35
3. "Key to the Highway" (Charles Segar, Willie Broonzy) – 9:40

Side three

1. "Tell the Truth" (Clapton, Whitlock) – 6:39
2. "Why Does Love Got to Be So Sad?" (Clapton, Whitlock) – 4:41
3. "Have You Ever Loved a Woman" (Billy Myles) – 6:52

Side four

1. "Little Wing" (Jimi Hendrix) – 5:33
2. "It's Too Late" (Chuck Willis) – 3:47
3. "Layla" (Clapton, Jim Gordon) – 7:04
4. "Thorn Tree in the Garden" (Whitlock) – 2:53

All four sides of the original LP were combined into one disc in most CD versions.
LINK...http://www.gigasize.com/get.php?d=wzg2rq1sttb

2008-05-25T07:08:00.000-06:00

MUSICOS...
Rick Danko - bass guitar, fiddle, vocals.
Bob Dylan - guitars, harmonica, piano, vocals.
Levon Helm - drums, mandolin, vocals.
Garth Hudson - Hammond organ, clavinet, piano, keyboards, saxophones.
Richard Manuel - piano, electric piano, organ, drums, vocals.
Robbie Robertson - guitars, vocals.

PIEZAS...
CD 1
1. Most Likely You Go Your Way (And I'll Go Mine) 3:16
2. Lay Lady Lay 3:00
3. Rainy Day Women 3:09
4. Knockin' on Heaven's Door 3:30
5. It Ain't Me, Babe 3:15
6. Ballad of a Thin Man 3:29 B1 The Band - Up on Cripple Creek 4:57
7. I Shall Be Released 3:19
8. Endless Highway 4:45
9. The Night They Drove Old Dixie Down 4:05
10. Stage Fright 4:22
LINK...http://www.gigasize.com/get.php?d=ssm4thhpswb
CD 2
1. Don't Think Twice, It's All Right 3:34
2. Just Like a Woman 4:46
3. It's Alright Ma (I'm Only Bleeding) 5:12
4. The Shape I'm In 3:33
5. When You Awake 2:54
6. The Weight 4:20
7. All Along the Watchtower 2:58
8. Highway 61 Revisited 4:05
9. Like a Rolling Stone 6:06
10. Blowin' in the Wind 3:46
LINK...http://www.gigasize.com/get.php?d=x0bz2vf9sbf

Citar

Bob Dylan y The Band son lo más fuerte que he escuchado en mi vida (Marlon Brando)

2008-05-21T04:31:00.000-06:00

SIGUIENDO CON LOS OST...ACA LES DEJO EL DE I AM SAM DE SEAN PENN...QUE SON COVER DE LOS BITLES POR PARTE DE GRANDES COMO EDDIE VEDDER...POR CIERTO LA DEIRON AHORA EN LA MAÑANA EN TNT

PIEZAS...
01-Two Of Us - Aimme Mann And Michael Penn
02-Blackbird - Sarah Mclachlan
03-Across The Universe - Rufus Wainwright
04-I´m Looking Throught You - The Wallflowers
05-You’ve Got Hide Your Love Away - Eddie Vedder
06-Strawberry Fields Forever - Ben Harper
07-Mother Nature’s Son - Sheryl Crow
08-Golden Slumbers - Ben Folds
09-I´m Only Sleeping - The Vines
10-Don´t Let Me Down - Stereophonics
11-Lucy In The Sky With Diamonds - The Black Crowes
12-Julia - Chocolate
13-We Can Work It Out - Heather Nova
14-Help! - Howie Day
15-Nowhere Man - Paul Westerberg
16-Revolution - Grandaddy
17-Let It Be - Nick Cave
18-Lucy In The Sky With Diamonds - Aimme Mann
19-Here Come The Sun - Nick Cave

LINK...http://www.gigasize.com/get.php?d=g30g0rcttvd
PASS...NO PASS

2008-05-05T15:18:00.000-06:00

&lt;a href="http://www.youtube.com/v/xm5DPlNCmtk" target="_blank"&gt;http://www.youtu&lt;b class="highlight"&gt;be&lt;/b&gt;.com/v/xm5DPlNCmtk&lt;/a&gt;

Citar

"Born to Be Wild" is a rock song written by Mars Bonfire and made famous by the American rock band, Steppenwolf. It is often used in popular culture to denote a biker appearance or attitude. The song is sometimes described as the first heavy metal song ever written and is also said to have inspired the name of the emerging heavy metal genre; although these claims are disputed, the song's second verse (which refers to "heavy metal thunder") contains the first recorded reference to "heavy metal"

TRACK LISTING
Sookie Sookie
Everybody's Next One
Berry Rides Again
Hootchie Kootchie Man
Born to Be Wild
Your Walls Too High
Desperation
The Pusher
A Girl I Knew
Take What You Need
The Ostrich

LINK http://www.megaupload.com/pt/?d=TGKGFX08
PASS...NO PASS
SI TIENEN PROBLEMAS CON MEGAUPLOAD REVISEN ESTO...http://www.digitalz.org/foro/index.php?topic=9471.0

2008-05-05T15:16:00.000-06:00

MISSING LINKS
Elektra Sound Studios, Los Angeles,
25th February 1969
Memorial Records - Memorec 403

En Octubre de 1968 los Doors empezaron a ensayar nuevas canciones tras su reciente tour Europeo, y en Diciembre empezaron finalmente a grabar su nuevo album, que seria posteriormente conocido como "The Soft Parade".

Querían hacer algo distinto a sus anteriores tres albums, por lo que Robby
tuvo la idea de producir un album que tendría no solo a los cuatro miembros
de los Doors (con un bajista adicional), sino que poseería además violines,
trompetas y otros instrumentos de orquestra. Su productor de aquel entonces,
Paul Rothchild, estuvo de acuerdo y decidió hacer el "Sargent Pepper's" de
los Doors.

Jim Morrison expuso posteriormente que las sesiones y todo el proceso de grabación de este album se escaparon de control y duro excesivamente. Trabajaron en el album durante nueve meses, y no se pareció al album que Morrison tenía en mente, como un libro con diferentes historias enlazadas por una red.

Debido al largo trabajo, encerrados en un estudio, el grupo se aburrio y se
les acabaron las ideas. Despues de grabar unas pocas canciones nuevas de Krieger, y sólo dos nuevas melodias de Morrison, prepararon sus mentes y se sentaron en el estudio para grabar algo que Morrison describiría posteriormente como:
"un viaje a través de la historia de la musica Rock'n'Roll".

link http://www.megaupload.com/pt/?d=JP3CR08M

2008-05-05T13:30:00.002-06:00

We Sold Our Soul For Rock n' Roll es el séptimo cd de Black Sabbath, editado en el 75, tratándose de una recopilación de los principales temas de los discos que llevaban grabados hasta el momento. Es una excelente muestra de la carrera de la banda, desde sus inicios hasta el álbum Sabotage.

PIEZAS
1. Black Sabbath
2. The Wizard
3. Paranoid
4. War Pigs
5. Iron Man (From 'Paranoid)
6. Tomorrow's Dream ( From 'Black Sabath Vol.4')
7. Fairies Wear Boots (From 'Paranoid')
8. Changes ( From 'Black Sabath Vol.4')
9. Sweet Leaf Listen
10. Children Of The Grave (From 'Master Of Reality')
11. Sabbath Bloody Sabbath (From 'Sabbath Bloody Sabbath')
12. Am I Going Insane (Radio) (From 'Sabatoge')
13. Snowblind (From 'Black Sabbath Vol.4')
14. N.I.B. (From 'Black Sabbath')

LINK http://www.gigasize.com/get.php?d=k31zth2obcb

THE DOORS LIVE IN TORONTO POP FESTIVAL PLUS OTHER RARITIES

2008-04-28T17:53:00.001-06:00

Varsity Stadium, Toronto, Canada,
13th September 1969
1. When The Music's Over
2. Break On Through
3. Back Door Man
(includes "Maggie M'Gill" and "Roadhouse Blues")
4. The Crystal Ship
5. Wake Up
6. Light My Fire

Bonustracks:
7. Moonlight Drive
(The Matrix, San Francisco, March 7th, 1967, second set)
8. Back Door Man
(The Matrix, San Francisco, March 7th, 1967, second set)
9. Rock Me Baby
(The Winterland, San Francisco, 6th February 1970)
10. Carol
(The Winterland, San Francisco, 6th February 1970)
11. Soul Kitchen
(The Family Dog, Denver, 29th September 1967)
12. Break On Through
(The Family Dog, Denver, 29th September 1967)

LINK http://www.megaupload.com/pt/?d=MD141VHP

2008-04-24T23:49:00.003-06:00

Martin I. Green y Bill Sienkiewicz dan vida a un álbum onírico-poético que narra las vivencias de la leyenda de la guitarra por excelencia: el controvertido Jimi Hendrix”

Una leyenda del cómic se encara a una leyenda de la música en un matrimonio único entre guitarras y pinturas, tan electrizante y exuberante como la propia vida de Jimi Hendrix. Voodoo Child es un álbum legendario que recorre la trayectoria del quizás mejor guitarrista de la historia, basándose a menudo en sus propias canciones para ofrecer una visión única y evocadora acerca de una época. A través de temas como All along the watchtower o Little wing descubriremos esta biografía tan atormentada como creativa.

“La leyenda de Jimi Hendrix. Un excitante viaje poético como un solo de guitarra o una de sus actuaciones a corazón abierto. Un recorrido por el tiempo de Hendrix quien elevó el rock and roll a un nivel de virtuosismo técnico e innovación creativa hasta entonces desconocido. Letras de canciones, cartas, comentarios…, un entramado de texto e imágenes de la mano de Bill Sienkiewicz“

Bill Sienkiewicz, el dibujante, estuvo durante años estudiando vídeos de la época para conseguir transmitir no sólo la historia, sino también para traducir la música a imágenes impresas. El guión fue un importante trabajo de documentación realizado por Martin Green, quien además recurrió a testimonios reales de gente cercana al guitarrista.

El comic es distribuido en España por la editorial Glénat.
LINK http://www.gigasize.com/get.php/3196935950/Voodoo_Child_(La_Leyenda_De_Jimi_Hendrix).cbr

LO ABREN CON EL CDISPLAY

THE DOORS LIVE IN MIAMI

2008-04-24T23:46:00.002-06:00

PIEZAS...
1. Jims intro / Backdoor Man
2. " i want some love"
3. 5 to 1
4. "love" plus "Touch me" (partial)
5. Jim > Love me two times
6. When the musics over
7. cont. > Jim commentary on change
> Away in india
8. > Jim talks to the audience
9. > "I was born here..."
10. > "we want the world..."
11. Celebration of the Lizard (intro) >
12. Light my fire
13. cont. (the sheep comes out) > Jim "I'd F*** her but..."
14. "I wanna see some action...NO LIMITS NO LAWS..."
15. end comments...

LINK... http://www.gigasize.com/get.php?d=z52d8hc2bmb

2008-03-22T17:58:00.003-06:00

"LOS VIDEO JUEGOS NO TIENEN NINGUNA INFLUENCIA SOBRE
LOS NIÑOS. QUIERO DECIR, SI EL PAC-MAN HUBIESE
INFLUENCIADO A NUESTRA GENERACION, ESTARIAMOS TODOS
CORRIENDO EN SALAS OSCURAS, MASTICANDO PILDORAS
MAGICAS Y ESCUCHANDO MUSICAS ELECTRONICAS REPETITIVAS"

Kristian Wilson, Nintendo Inc, 1989

SHINE A LIGHT

2008-02-28T15:21:00.002-06:00

Martin Scorsese ha seguido con su cámara a la emblemática banda The Rolling Stones en su épico tour “A bigger bang”. Durante este periódo de tiempo occurieron todo tipo de incidentes, anecdotas y momentos estelares para los míticos roqueros y para el mundo de la música en general. Scorsese nos muestra una íntima radiografía de los Stones y el corazón de la industria musical.

ver...

DESCARGAR...

MUERE BUDDY MILES

2008-02-28T14:55:00.004-06:00

Los Ángeles - El batería estadounidense Buddy Miles, que colaboró durante su carrera con Jimi Hendrix y Carlos Santana, murió el martes en Austin (Texas), a los 60 años, informó hoy el portal especializado Billboard.

Se desconoce la causa de la muerte, pero según indican publicaciones especializadas, Miles sufría de problemas coronarios.

Miles fue uno de los primeros artistas en fusionar el rock psicodélico con el soul, el blues y el jazz.

Comenzó a tocar a los 12 años en la banda de jazz de su padre, The BeBops, en las zonas cercanas a su natal Omaha (Nebraska), y tras una actuación en Brooklyn (Nueva York), el guitarrista Michael Bloomfield le propuso formar una nueva banda.

De ahí surgieron Electric Flag y aunque el grupo solo editó un disco, Miles no se vino abajo, inició otra aventura como The Buddy Miles Express y grabó "Expressway to Your Skull", producido por Hendrix, en 1969.

Las colaboraciones entre ambos continuaron. Miles tocó la batería en "Electric Ladyland" de Hendrix y éste volvió a producir otro trabajo de Miles, "Electric Church". Juntos fundaron Band of Gypsys, junto a Billy Cox, después de que Hendrix deshiciera The Jimi Hendrix Experience.

Sólo publicaron un álbum y fue en vivo, grabado en Nueva York.

Tras la muerte de Hendrix en 1970, Miles retomó con éxito el proyecto de The Buddy Miles Express, gracias sobre todo al éxito del disco "Them Changes", que se mantuvo en las listas de éxito durante 74 semanas.

Sus temas más populares fueron "Them Changes", una versión del clásico de Neil Young "Down By the River" y "Rockin´ and Rollin´ on the Streets of Hollywood."

En 1974, Miles grabó un disco en directo desde Hawai con Santana que se convirtió en un éxito de ventas. Tras aquello, colaboró con Stevie Wonder, David Bowie o Bootsy Collins.

Pasó tiempo en la cárcel a finales de la década de 1970 y comienzos de 1980 por cargos relacionados con las drogas, pero volvió a la primera plana en 1986 como la voz de los exitosos California Raisins, una banda de personajes animados muy popular en EE.UU.

Miles produjo y cantó en los tres discos que publicaron.

En 1994 volvió a trabajar con Santana y creó una nueva versión de The Buddy Miles Express. Durante los últimos años de su vida, Miles se dedicó a mantener intacto el espíritu de Hendrix, a través de actos promocionales y participaciones en tributos en su memoria.

En el momento de su muerte, trabajaba en tres proyectos musicales y estaba involucrado en actividades destinadas a recaudar dinero para las víctimas de huracanes en EE.UU.

Le sobrevive su pareja Sherrilae Chambers.
Una lastima pro va a volver a juntarse dos masters...

FUENTE

JIM MORRISON ON VINYL

2008-02-16T13:40:00.001-06:00

Aca vemos el procedimiento de una obra de arte de Daniel Edlen....

DADDY MOJO

2008-02-16T13:15:00.002-06:00

Un joven luthier canadiense ha dado una vida diferente al sonido original del blues realizando guitarras a partir de cajas de puros, creaciones artesanales sorprendentes que se venden fácilmente en internet. ‘Hacen falta entre seis y ocho semanas para obtener una de mis guitarras’, explica Lenny Piroth-Robert, con unas gafas negras y una camiseta de The Ramones.
En la pared de su taller, en una zona industrial del norte de Montreal, presiden la estancia viejas guitarras como unas célebres Gibson. En el suelo se apilan las cajas de puros. Además de esculpir la madera, le pone a las cajas el mango y las cuerdas. Después de todo, Jimi Hendrix hizo su debut a los cinco años de edad en una cigar box guitar que se fabricó.
En sus inicios, Lenny Piroth-Robert, pintor, se transformaba por las noches en luthier para ‘relajarse’. ‘Cuando comencé, hacía cinco, seis guitarras al mes que vendía en el sitio de eBay. Luego, la revista Playboy escribió un artículo sobre mis creaciones. Cuando se publicó el texto, me vi obligado a hacer mi propio sitio web’, dice tocando una de las guitarras, de sonido cálido y amplio.
El artículo de la revista, publicado el verano pasado, propulsó las ventas de sus famosas Daddy Mojo. ‘Tras la publicación en Playboy, hice 150 guitarras solo. Trabajaba siete días por semana’, explica Lenny Piroth-Robert, de una treintena de años. Tuvo que pedir la ayuda de un amigo para responder a la demanda, que viene ‘en un 95% de Estados Unidos’. ‘El propietario de una gran tienda de puros en Estados Unidos se hacía cortar el pelo en el barbero, ojeaba Playboy y me llamó con su teléfono móvil para decirme que tenía 300 cajas de puros en su almacén y no sabía qué hacer con ellas’, dice divertido.
Hoy, fabricantes estadounidenses y una manufacturera de República Dominicana le envían cajas de cedro y caoba. Objetos inesperados, ovnis musicales: sus guitarras han recibido la garantía de la prensa especializada, ya que la revista Guitar One le ha otorgado un premio por su sonoridad y grandes bluesmen tienen hoy día su Daddy Mojo.

Algunos Modelos...

FUENTE

IN A GADDA DA VIDA

2008-02-16T12:43:00.002-06:00

PARTE I

PARTE II

Lanzado en el 68, es un tema rock de diecisiete minutos de Iron Butterfly, incluido dentro del álbum del mismo título, ocupando enteramente la segunda cara de éste. La letra es simple, y se escucha sólo al principio y al final.

Una historia ampliamente repetida dice que el título de la canción era originalmente In The Garden Of Eden («En el Jardín del Edén»), pero durante el proceso de ensayo y grabación el cantante Doug Ingle transformó las palabras en la frase sin sentido del título mientras estaba bajo la influencia del LSD y el alcohol. La verdad (de acuerdo con las anotaciones en la recopilación en CD de «lo mejor de») es que el batería Ron Bushy estaba escuchando el tema a través de unos cascos, y simplemente no pudo oír correctamente; simplemente tergiversó lo que contestó Doug Ingle cuando Ron le preguntó por el título de la canción.

La canción incluye un memorable riff de guitarra y bajo, y sostiene este riff durante más o menos toda la duración del tema. El riff es usado como base para los largos solos de órgano y guitarra, que son interrumpidos a la mitad por un largo solo de batería, uno de los primeros solos en una grabación de rock, y probablemente uno de los más famosos en este género.

La canción es importante en la historia del rock porque, junto con Blue Cheer y Steppenwolf, marcó el punto en el cual la musica psicodelica produjo heavy metal. En los siguientes 70s artistas de heavy metal y progresivo como Deep Purple y Led Zeppelin le debieron mucho de su sonido, y más incluso de sus actuaciones en directo, a esta grabación.

DANIEL EDLEN...GENIAL

2008-01-26T12:00:00.001-06:00

Daniel Edlen es un artista que tiene una forma muy original de presentar su arte...`pinta retratos de artistas en sus vinilos...la verdad me gusto mucho aqui le dejo algunos y su pagina para que se den una vuelta...
VINYL ART

SIMPLEMENTE...EINSTEIN

2008-01-08T01:51:00.000-06:00

1. "Alguien que nunca ha cometido errores nunca trató de hacer algo nuevo." - En otras palabras, la mayoría de las personas nunca prueba cosas nuevas por temer a fracasar. El fracaso no es algo a que temer. Por lo general los perdedores aprenden mas de ganar que los mismos ganadores. Nuestros errores nos dan oportunidad de aprender y crecer.

2. "La educación es lo que sobra después que a uno se le olvida lo que aprendió en la escuela." Es decir, la educación es lo que uno aprende sobre la marcha de la vida, y no los simples detalles que uno memoriza en un momento determinado.

3. "Soy lo suficiente artista como para dibujar de mi imaginación". La imaginación es mas importante que el conocimiento. El conocimiento es limitado. La imaginación envuelve al mundo."

4. "El secreto de la creatividad es saber esconder tus fuentes." - En el contexto en donde Einstein dijo esto quiso decir que aunque somos influenciados por otras grandes personas, en el momento de subir a un escenario debemos dejar atrás a esas personas y convertirnos en un individuo único y original, que aprende diferentes valores de diferentes personas.

5. "El valor de un hombre debe medirse por lo que da y no por lo que recibe". No trates de convertirte en un hombre de éxito sino en un hombre de valores."

6. "Existen dos maneras de vivir: Puedes vivir como si nada es un milagro, o puedes vivir como si todo es un milagro." - Con esto quiso decir que cuando nada es un milagro que tu obtienes el poder de hacer lo que sea sin límites. Y cuando todo es un milagro, te detienes a apreciar hasta la mas pequeña de todas las cosas bellas del mundo. El pensar de ambas maneras te dará un vida productiva y feliz.

7. "Cuando me examino a mí mismo y mis métodos de pensar, llego a la conclusión que el don de la fantasía ha significado mas para mí que cualquier otro talento para pensar positivo y abstractamente." - Es decir, el soñar sobre todas las cosas que puedes lograr en la vida es la clave para una vida llena de positivismo. Deja que tu imaginación te lleve por todo tipo de senderos y crea al mundo en el que desearías vivir.

8. "Para ser un miembro inmaculado de un rebaño de ovejas, uno debe, sobre todas las cosas, primero ser una oveja." - Con esto quiso decir que si deseas ser un empresario exitoso, debes empezar tu propio negocio inmediatamente. El solo desear serlo, mientras le tienes miedo a las consecuencias no va a ayudar. Lo mismo aplica para todo: Para ganar un partido uno debe primero y ante todo que jugar el partido.

9. "Debes aprender las reglas del juego. Y después debes jugar mejor que todo el mundo." - En otras palabras, haz el mejor trabajo posible que puedas, como si tu vida dependiera de ello, y después que no tengas contra quien competir, solo te tendrás a ti mismo contra quien competir. En ese momento, mejora lo mejor que hayas logrado.

10. "Lo importante de todo es nunca dejar de hacerte preguntas. La curiosidad tiene su propia razón de existir." - Con esto Einstein quiso decir que las personas inteligentes preguntan. No dejes de hacer preguntas a ti mismo y a otros para encontrar soluciones, pues esto te ayudará obtener conocimientos y analizar tu crecimiento en todos los caminos de la vida.

FUENTE

2007-12-29T13:22:00.000-06:00

DE MIS FAVORITOS...ENJOY IT

2007-12-29T10:27:00.001-06:00

2007-12-28T12:47:00.000-06:00

El 27 club o también forever 27 es el nobre de un grupo de genios de la musica que murieron a los 27 años de diferentes causas como drogas o asesinatos...el club lo forma janis joplin, jim morrison, jimi hendrix, brian jones todos ellos murieron entre el 69 y 71 y entre las muertes de morrison, hendrix y joplin fueron en un periodo de 10 meses y kurt cobain que murio en el 94...

BRIAN JONES
28/2/42 - 3/7/69

JIMI HENDRIX
27/11/42 - 18/9/70

JANIS JOPLIN
19/1/43 - 4/10/70

JIM MORRISON
8/12/43- 3/7/71

KURT COBAIN
20/2/67 - 5/4/94

2007-12-27T13:49:00.000-06:00

GRACIAS POR LAS 10 000 VISITAS!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
PURA VIDA Y FELIZ AÑO...

LOS BEATLES PSICODELICOS

2007-12-04T01:09:00.000-06:00

Yellow submarine peliculon...les dejo unos videitos...

2007-12-04T00:59:00.000-06:00

"Yo siempre seré un hombre de palabras.
Más que un hombre pájaro."

Jim Morrison

2007-11-19T19:11:00.000-06:00

2007-11-06T18:25:00.000-06:00

Todos somos muy ignorantes. Lo que ocurre es que no todos ignoramos las mismas cosas. Albert Einstein

ARTE PSICODELICO Y EL ROCK

2007-10-26T04:14:00.000-06:00

Un articulo que me encontre y me gustaria compartirlo esta muy bueno...

Desde tiempos inmemoriales existe un arte visionario que ha encontrado inspiración en las sustancias psicotrópicas. Sin embargo hasta el siglo XX no puede empezar a hablarse de una pintura visionaria enteramente profana o separada de unas raices culturales milenarias. En las primeras décadas del pasado siglo nos encontramos al ocultista y ocasional pintor Aleister Crowley produciendo obras bajo el influjo de la mescalina o la heroina. Afirmará de sus coloristas y naiffs acuarelas que son manifestaciones de lo oculto. También algunos expresionistas alemanes usaron drogas, como Ernst Ludwing Kirchner, que llegó a producir incluso grabados en madera en pleno viaje con morfina. En Francia, algunos artistas del grupo cercano al surrealismo, Le grand jeu, también buscaron inspiración en los estados alterados de conciencia.
A mediados de siglo varios pintores hacen de esta relación algo sistemático, como por ejemplo hiciera Henri Micheaux con sus dibujos y escritos inspirados en el peyote y el LSD.
Sin embargo, será un artista austríaco, Ernst Fush, el que verdaderamente abriera el camino de lo que con el tiempo se definió como arte psicodélico. Fush pintó sus visiones inducidas por el peyote con un detallismo y colorido inéditos hasta el momento, como si de transcripciónes fotográficas se tratara. En un principio éstas serían como visiones de luz pura semejantes a formaciones cristalinas, obras que el pintor llegó a identificar con manifestaciones angélicas.
Estas visiones se fueron vertiendo extensamente mediante un manierismo alucinado propio del Bosco, en pinturas, grabados y dibujos de una finura extraordinaria. Posteriormente, ya en decadencia, aunque sin dejar de juguetear con el misticismo, su obra fué adquiriendo un tono kitch muy cercano al del último Dalí -del que era amigo-.
Su poderosa obra, sobretodo de su primera etapa, caló hondo y muchos artistas siguieron la estela marcada por éste definiendo, desde finales de los 60, el psicodelismo en el arte a veces con mayor y otras con menor acierto: Mati klarwein, Michael Bowen, Bill Martin, Susan Seddon Boulet, Joseph Parker, Robert Venosa, H.R.Giger, Alex Grey, etc.
Como en la pintura, la influencia de las drogas psicotrópica fué filtrándose -sobretodo a medida que éstas iban sintentizándose en los laboratorios- en el resto de la cultura. Como ya sabemos a mediados de los 60 le llegó el turno a la música. La experimentación con marihuana y posteriormente con LSD de gente tan influyente como Dylan o los Beatles solo fué un componente más –aunque crucial- en un movimiento amplio que cubrió todo occidente. De una u otra forma mucha gente ya experimentaba en muchos sitios diferentes. Mientras los Beatles tramaban un disco tan innovador como “Rubber soul”, al otro lado del atlántico Jerry Garcia y sus nacientes Grateful Dead ya eran unos veteranos trippers que empezaban a incorporar sus experiencias en sus conciertos.

La música que surgió alrededor de la experimentación con drogas intentaba expresar mediante sonidos -cada vez más electrificados- el estado de ánimo producido por éstas. Así, sea como fuere, entre 1964 y 1966 prendió rapidamente la mecha de lo que se vino a llamar el rock psicodélico, principalmente en grupos folks, garageros o beats que cambiaron drasticamente su estilo hacia derroteros nunca explorados. La música se fué volviendo así más agresiva y sofisticada, la temática de sus letras más libres y personales, se comenzó a experimentar en la producción -aunque con trucos que ahora pueden considerarse ingénuos-, se asumieron nuevas influencias -música oriental, jazz, etc.
Toda esta época se ve ahora como una verdadera explosión de creatividad que duró hasta mediados de los 70, una creatividad en su mayor parte alentada por el consumo de drogas. De la noche a la mañana, como una rempentina mutación dentro de la cultura establecida, había nacido una nueva forma de concebir la música, de hacerla y de escucharla, pues el cambio en los músicos era paralelo al de su público.
Toda esta gran transformación, que se produjo en elcontexto de la gran búsqueda de una nueva forma de vida, hizo que confluyeran la música y el arte de inspiración psicodélica. En retrospectiva es difícil saber que pesaba más, si el despertar de los movimientos culturales, sociales y políticos, la liberación moral generalizada, la fuerte incidencia de las drogas o un auge de la economía que permitio durante una temporada que miles de jóvenes se desentendieran “impunemente” del trabajo y las obligaciones propias de la sociedad de su momento. Seguramente todo a la vez e indivisiblemente.
Pero si hay que hacer honor a la verdad, al menos en el caso que nos ocupa de la relación de rock y arte psicodélico, hay que decir que la imagen se puso claramente al servicio de la música. Si bien la música podía pretender transmitir algo de los efectos de la droga -cosa complicada- las imágenes usadas -portadas de discos, logotipos, promoción, etc- intentaban transmitir más bien la propia cualidad eléctrica y ácida de esta nueva música. Ya de por si, el rock y todos los estilos que promovió: la psidodelia en todas sus formas, el progresivo, el hard y blues rock, etc., se caracterizó desde un principio por la suma importancia del color. Tal y como si se pretendiera romper de golpe con un pasado gris, numeros grupos tenían el color como referencia para sus nombres: Deep purple, King Crimson, Pink Fairies, Pink floyd, Purple image, Golden Dawn, Red Crayola, etc. Así pues, podemos decir que de alguna manera, el rock de los 60 y primeros 70, era una música predispuesta a ser visualizada, óptima para ser vertida y simbolizada en imágenes de fuerte colorido.
Aunque, como ya hemos visto, durante los 60 había surgido un arte ya concebido como psicodélico, esta alianza entre la nueva música y la imagen se dió sobretodo a través de la amplia subcultura que rodeaba el comic undeground y que, a la par, también había hecho su aparición desde mediados de los 60. Era un tipo de comic igualmente tocado por lo lisérgico y radicalmente irreverente con los tópicos al uso de un medio que por esa época ya era tradicional. El comix -tal y como se empezó llamar-, fué, de por si, un importante medio de expresión y difusión de los cambios culturales y sociales que se pretendía impulsar desde los movimientos alternativos. La desvergonzada “perversión” de las estructuras convencionales de los comic books -considerados como lectura para niños- y su instauración como importante icono cultural, demostraba el talante de esta nueva cultura: desenfadada, provocadora e irreverente.
Los artistas que se encargaron de crearlos cobraron repentina notoriedad y fueron una referencia imprescindible para todo el movimiento: Robert Crumb, Gilbert Sheldon, Spain, Robert Willians, etc. Así pues, con alguna excepción -la famosa portada de Mati Klerwein para “Abraxas” de Santana, por ejemplo- las imagénes más relacionadas con el rock psicodélico fué obra de dibujantes e ilustradores fuertemente influidos por la estética de los comix –o que de hecho eran autores de comix, como ocurrió con Crumb o Sheldon-. Es el caso de Roger Dean, que adquiriera fama en el Reino Unido ilustrando las portadas de muchos grupos de hard rock y progresivo - Uriah Heep, Budgie, Yes, Magna Carta, etc-, Su estética, tan propia de la ciencia-ficción o el género fantástico, parecía sacada de un tebeo. Todos estos artistas aplicaron esta estética en muchísimas portadas de discos y, sobretodo, en la cartelería de locales para conciertos, especialmente los californianos, lo que que terminó por imponerse al resto del movimiento, ya sea al uno como al otro lado del Atlántico.
Así, la cartelería musical también vivió así su pequeña revolución. A diferencia de la publicidad propia de los 50 y principios de los 60 -una fotografía del protagonista y una leyenda con una correcta tipografía a modo informativo- los carteles anunciantes de locales como el Matrix o el Fillmore Auditorum mostraban en 1966 un aspecto lleno de sofistificación. En cierta medida la estética fué tomada, además de los comix, de la cartelería modernista del siglo XX -ver imagen a la derecha-, aunque llevada a sus extremos, del surrealismo, así como de la obra gráfica de Escher.
Lo estético se anteponía a la información y en algunas ocasiones lo que se anunciaba era indescifrable. Primaba la intención de deslumbrar la mirada con formas que se identificaran con la cultura psicodélica: collages con fotografías antiguas y coloreadas, diseños complicados en diferentes planos, dibujos simétricos, absurdos o sacados de los comix, que la mayoría de las veces poco tenían que ver con los grupos anunciados. La tipografía, sinuosa y fantástica, jugaba con el diseño de la imagen en el cartel, fundiéndose en muchos casos y siendo ella misma lo más psicodélico del conjunto o incluso siendo la verdadera protagonista. Pero en general, los carteles servían para transmitir, más que nada, la cualidad enérgica de la eléctricidad que salía por los altavoces, éstos eran psicodélicos al mismo nivel que lo era la propia música que anunciaban, que a la vez era casi tan alteradora de la mente como las mismas drogas que la habían inspirado. Los carteles, en su efervescencia y colorido, serían por un tiempo inseparables de la ropa chillona de los músicos o el publico y los light shows en los conciertos.
Con el paso del tiempo, de forma paralela que en la música, esta estética entró en el mero cliché. Una vez apaciguada la primera ola de cratividad la “imagen psicodélica” había caido en la más burda comercialidad y era aplicada en todo lo imaginable: moda, publicidad, televisión, etc. Aunque quedó latente su supervivencia en los ámbitos underground -con cierto resurgir a finales de los 80 con el revival del garage y el rock psicodélico- es evidente que se perdió esa primera frescura tan difícil de emular.

Mentes de Acido

SIMPLEMENTE LENNON

2007-10-25T22:00:00.000-06:00

UNAS BUENAS PIEZAS DE LENNON...

WORKING CALSS HERO

As soon as your born they make you feel small,
By giving you no time instead of it all,
Till the pain is so big you feel nothing at all,

A working class hero is something to be,
A working class hero is something to be.

They hurt you at home and they hit you at school,
They hate you if you’re clever and they despise a fool,
Till you’re so fucking crazy you can’t follow their rules,

A working class hero is something to be,
A working class hero is something to be.

When they’ve tortured and scared you for twenty odd years,
Then they expect you to pick a career,
When you can’t really function you’re so full of fear,

A working class hero is something to be,
A working class hero is something to be.

Keep you doped with religion and sex and TV,
And you think you’re so clever and classless and free,
But you’re still fucking peasents as far as I can see,

A working class hero is something to be,
A working class hero is something to be.

There’s room at the top they are telling you still,
But first you must learn how to smile as you kill,
If you want to be like the folks on the hill,

A working class hero is something to be.
A working class hero is something to be.

If you want to be a hero well just follow me,
If you want to be a hero well just follow me.

IMAGINE

Imagine there's no heaven
It's easy if you try
No hell below us
Above us only sky
Imagine all the people
Living for today...
Imagine there's no countries
It isn't hard to do
Nothing to kill or die for
And no religion too
Imagine all the people
Living life in peace...

You may say I'm a dreamer
But I'm not the only one
I hope someday you'll join us
And the world will be as one

Imagine no possessions
I wonder if you can
No need for greed or hunger
A brotherhood of man
Imagine all the people
Sharing all the world...

You may say I'm a dreamer
But I'm not the only one
I hope someday you'll join us
And the world will live as one

GOD

God is a Concept by which
we measure our pain
I'll say it again
God is a Concept by which
we measure our pain
I don't believe in magic
I don't believe in I-ching
I don't believe in Bible
I don't believe in Tarot
I don't believe in Hitler
I don't believe in Jesus
I don't believe in Kennedy
I don't believe in Buddha
I don't believe in Mantra
I don't believe in Gita
I don't believe in Yoga
I don't believe in Kings
I don't believe in Elvis
I don't believe in Zimmerman
I don't believe in Beatles
I just believe in me...and that reality

The dream is over
What can I say?
the Dream is Over
Yesterday
I was the Dreamweaver
But now I'm reborn
I was the Walrus
But now I'm John
and so dear friends
you'll just have to carry on
The Dream is over

"POWER TO THE PEOPLE"

2007-10-25T21:18:00.000-06:00

Una buena entrevista a Lennon del 71 donde se pueden ver sus ideales, su ideología....
Tariq Ali y Robin Blackburn
CounterPunch
Traducido para Rebelión por Germán Leyens

Nota de los editores: Hace veinticinco años John Lennon fue asesinado delante del edificio Dakota en el Central Park West de la ciudad de Nueva York. Dudamos que muchos lectores hayan leído la siguiente entrevista con Lennon, realizada por los colaboradores de CounterPunch Tariq Ali y Robin Blackburn en 1971. Es mucho más interesante que las interminables preguntas y respuestas a cargo de Jann Wenner, de Rolling Stone. Tariq y Robin dejaron que Lennon hablara y lo alentaron cuando dio señales de flaquear. Lennon cuenta cómo él y George Harrison se rebelaron contra sus valedores y se pronunciaron contra la Guerra de Vietnam, discute la política clasista de modo estimulante, defiende la música country and western y el blues, sugiere que las mejores canciones de Dylan se originan en baladas revolucionarias irlandesas y escocesas y disecciona sus tres versiones de “Revolution”. La entrevista, que inspiró a Lennon a escribir “Power to the People” [Todo el poder al pueblo], fue publicada en “The Red Mole”, un periódico trotskista de formato grande publicado por el Grupo Marxista Internacional, un apéndice británico de la Cuarta Internacional. El Mole surgió después de que desapareciera su predecesor, “The Black Dwarf”. Como verán, eran otros tiempos. La entrevista está incluida en “Streetfighting Years” de Tariq Ali, recientemente publicado por Verso. AC / JSC.

Tariq Ali: Tu último disco y tus recientes declaraciones, especialmente las entrevistas en la revista Rolling Stone, sugieren que tus puntos de vista se radicalizan cada vez más y se vuelven más políticos. ¿En qué momento dirías que comenzó a ocurrir?

John Lennon: Siempre he tenido conciencia política, sabes, y he estado contra el statu quo. Es bastante básico, cuando has aprendido desde chico, como yo, a odiar y a temer a la policía como tu enemigo natural y a despreciar al ejército como algo que se lleva a todos y los abandona muertos en alguna parte.

Es simplemente un asunto básico de la clase trabajadora, sabes, aunque comienza a desteñirse cuando vas envejeciendo, tienes una familia y te traga el sistema.

En mi caso nunca he dejado de ser una persona política, aunque la religión tendía a eclipsarlo en mis días de ácido, allá por por el sesenta y cinco o el sesenta y seis. Y esa religión fue el resultado directo de toda esa porquería de la superestrella: la religión fue una válvula de escape para mi represión. Pensé: “Bueno, hay algo más allá de la vida, ¿no es cierto? Seguro que no puede ser esto.”

Pero de cierto modo siempre fui político, sabes. En los dos libros que escribí, aunque los hice en una especie de jerga joyceana, hay muchos palos a la religión y hay un drama sobre un trabajador y un capitalista. He estado satirizando al sistema desde mi infancia. Solía escribir revistas en la escuela y las distribuía.

Tenía mucha conciencia de clase, solían decir que era un resentido, porque sabía lo que me había sucedido y sabía de la represión de clase que nos afectaba - era un maldito hecho,pero en el huracán del mundo de los Beatles, se quedó afuera, cada vez me apartaba más de la realidad, durante un cierto tiempo.

TA: ¿Cuál piensas que fue el motivo para el éxito de tu tipo de música?

JL: Bueno, en esa época se pensaba que los trabajadores se habían impuesto, pero me doy cuenta en retrospectiva de que es el mismo trato engañoso como el que les dieron a los negros, fue sólo que permitieron que los negros fueran corredores, boxeadores o artistas. Es la alternativa que te permiten - ahora la salida es ser estrella pop, que es en realidad lo que digo en el álbum en ’Working class hero’. Como dije en Rolling Stone, los que tienen el poder son los mismos, el sistema de clases no cambió ni una pizca.

Desde luego, hay mucha gente que anda por ahí ahora con pelo largo y algunos chicos a la moda de clase media andan en ropas hermosas. Pero nada cambió con la excepción de que todos nos vestimos un poco mejor y dejamos que los mismos hijos de puta dirijan todo.

Robin Blackburn: Por cierto, la clase es algo que los grupos de rock usamericanos no han tocado todavía.

JL: Porque todos son de clase media y burgueses y no quieren mostrarlo. Tienen miedo a los trabajadores, en realidad, porque los trabajadores parecen fundamentalmente de derecha en USA, aferrados a sus bienes. Pero si esos grupos de clase media se dan cuenta de lo que sucede, y lo que ha hecho el sistema de clases; es cosa de ellos que repatríen a la gente, y que se salgan de toda esa mierda burguesa.

TA: ¿Cuándo comenzaste a salirte del papel que se te impuso como Beatle?

JL: Incluso durante el apogeo de los Beatles, traté de oponerme, igual que George. Fuimos unas pocas veces a USA y Epstein siempre trató de llenarnos de palabras vacías sobre Vietnam. Así llegó el momento en el que George y yo dijimos: ‘Escucha, cuando pregunten la próxima vez, vamos a decir que no nos gusta esa guerra y que pensamos que Fab Four”. Fue la primera oportunidad en la que saqué a relucir un poco la bandera.

Pero tienes que recordar que siempre me sentí reprimido. Estábamos todos tan presionados que apenas había alguna oportunidad de expresarnos, especialmente cuando trabajábamos a ese ritmo, viajando continuamente y mantenidos todo el tiempo en un capullo de mitos y sueños. Es bastante duro cuando eres César y todos dicen lo maravilloso que eres y te dan todos los bienes y las muchachas; es bastante duro escapar de eso, decir: ‘Bueno, no quiero ser rey, quiero ser real’. Así que el segundo acto político que hice fue decir ‘Los Beatles son más grandes que Jesucristo’. Eso realmente hizo estallar la escena. Casi me fusilan por eso en USA. Fue un trauma inmenso para todos los chicos que nos seguían. Hasta entonces se mantuvo esa política tácita de no responder a preguntas delicadas, aunque yo siempre leía los periódicos, sabes, las secciones de política.

La conciencia continua de lo que estaba sucediendo me hacía sentir avergonzado de no decir nada. Estallé porque ya no podía seguir jugando el juego, simplemente ya era demasiado. Desde luego, USA aumentó la presión, especialmente porque la guerra ocurría allí. De cierto, modo resultamos ser un caballo de Troya. Los “Fab Four” llegamos directamente a la cumbre y entonces cantamos sobre drogas y sexo y entonces me metí en más y más cosas pesadas, y ahí fue cuando comenzaron a abandonarnos.

RB: ¿No hubo siempre una doble carga en lo que hacían desde el comienzo?

Yoko Ono: Siempre fuiste muy directo.

JL: Sí, bueno, lo primero que hice fue proclamar nuestra idiosincrasia propia de Liverpool al mundo, y decir ‘Está bien provenir de Liverpool y hablar así’. Antes, cualquiera de Liverpool que tenía éxito, como Ted Ray, Tommy Handley, Arthur Askey, tenía que perder su acento para presentarse en la BBC. Sólo eran comediantes pero es lo que Liverpool producía antes de nosotros. Nos negamos a seguir ese juego. Después de que salieron a la escena los Beatles, todos comenzaron a hablar con acento de Liverpool.

TA: ¿De cierto modo, pensabas en política, incluso cuando parecías estar hablando mal de la revolución?

JL: Ah, seguro. ’Revolution’. Hubo dos versiones de esa canción, pero la izquierda del underground sólo escogió la que decía ‘no cuenten conmigo’. La versión original que apareció en el LP decía también ‘cuenten conmigo’; puse las dos cosas porque no estaba seguro. Hubo una tercera versión que fue sólo abstracta, música concreta, una especie de bucles y cosas así, gente gritando. Pensé que estaba pintando con sonidos un cuadro de la revolución; pero cometí un error, sabes. El error fue que era contrarrevolucionario.

En la versión publicada como single decía ‘cuando hables de destrucción no cuentes conmigo’. No quería que me mataran. Realmente no sabía mucho de los maoístas, pero sólo sabía que parecían ser tan pocos y a pesar de ello se pintaban de verde y se paraban frente a la policía esperando que los detuvieran. Sólo pensé que era poco sutil, sabes. Pensé que los revolucionarios comunistas originales se coordinaban un poco mejor y que no andaban gritando al respecto. Es lo que sentía - realmente formulaba una pregunta. Siendo de clase trabajadora, siempre me interesaron Rusia y China y todo lo que se relacionaba con la clase trabajadora, aunque estaba metido en el juego capitalista.

En una época estuve tan metido en la mierda religiosa que andaba por ahí llamándome comunista cristiano, pero como dice Janov, la religión es la locura legalizada. La terapia alejó todo eso y me hizo sentir mi propio dolor.

RB: Ese analista al que fuiste, cómo se llama...

JL: Janov...

RB: ¿Sus ideas parecen tener algo en común con Laing en el sentido de que no quiere reconciliar a la gente con su miseria, ajustarlos al mundo, sino más bien hacer que enfrenten sus causas?

JL: Bueno, se basa en sentir el dolor que se ha acumulado en tu interior desde la infancia. Tuve que hacerlo para liquidar realmente todos los mitos religiosos. En la terapia sientes realmente cada momento doloroso de tu vida - es penosísimo; te obligan a comprender que tu dolor, del tipo que te hace despertar con miedo, con tu corazón latiendo fuerte, es realmente tuyo y no el resultado de alguien que está arriba en los cielos. Es el resultado de tus padres y de tu entorno.

Al darme cuenta de esto comencé a encontrar mi sitio. Esa terapia me obligó de decir adiós a toda esa porquería de Dios. Todos los que crecemos tenemos que aceptar demasiado dolor. Aunque lo reprimimos, sigue estando ahí. El peor dolor es el de no ser deseado, de darte cuenta de que tus padres no te necesitan del mismo modo como tú los necesitas a ellos.

Cuando era niño viví momentos en los que no quería ver la fealdad, no quería ver que no era deseado. Esa falta de amor llegó a mis ojos y a mi mente. Janov no sólo te habla de esto, sino que te hace sentirlo - una vez que te has permitido volver a sentir, haces la mayor parte del trabajo tú mismo.

Cuando despiertas y tu corazón resuena como una bomba o tu espalda se siente tensa, o desarrollas algún otro trauma, tienes que dejar que tu mente vaya hacia el dolor y el dolor mismo reproducirá maquinalmente la memoria que originalmente te llevó a suprimirla en tu cuerpo. Así, el dolor se va por el canal correcto en lugar de ser reprimido nuevamente, como ocurre cuando tomas una píldora o un baño, diciendo ‘Bueno, ya se pasará’. La mayoría de la gente canaliza su dolor hacia Dios o la masturbación, o algún sueño de tener éxito.

La terapia es un viaje ácido muy lento que ocurre naturalmente en tu cuerpo. Es difícil hablar del tema, sabes, porque - sientes ‘yo soy dolor’ y suena algo arbitrario, pero el dolor para mí tiene ahora un significado diferente porque he sentido físicamente todas estas extraordinarias represiones. Fue como hablar sin guantes, y sentir por primera vez tu propia piel.

Es algo aburrido decirlo, pero no creo que puedas comprender esto a menos que hayas pasado por ello - aunque trato de colocar algo al respecto en el álbum. Pero en todo caso para mí todo formó parte de la disolución del viaje de Dios o del viaje del personaje del padre. Encarar la realidad en lugar de andar buscando siempre algún tipo de cielo.

RB: ¿Ves a la familia en general como la fuente de estas represiones?

JL: El mío es un caso extremo, ¿sabes? Mi padre y mi padre se separaron y nunca vi a mi padre hasta llegar a los 20 años, ni vi mucho más a mi madre. Pero Yoko tuvo a sus padres presentes y fue lo mismo...

YO: Puede ser que uno sienta más dolor cuando los padres están presentes. Es como que tienes hambre, sabes, es peor tener un símbolo de una hamburguesa que ninguna hamburguesa. No te hace ningún bien, sabes. A menudo desearía que mi madre hubiese muerto para que por lo menos pudiera recibir alguna compasión de la gente. Pero ahí estaba, una madre perfectamente hermosa.

JL: Y la familia de Yoko eran japoneses de clase media, pero es exactamente la misma represión. Aunque yo pienso que la gente de clase media tiene el mayor trauma si tienen padres amables de imagen perfecta, sonrientes y emperifollados. Son los que tienen más dificultad para decir: ‘Adiós mamita, adiós papito’.

TA: ¿Qué relación con tu música tiene todo esto?

JL: El arte es sólo una manera de expresar dolor. Quiero decir que el motivo por el que Yoko hace cosas tan extravagantes, es porque pasó por un dolor tan extravagante.

RB: Muchas de las canciones de los Beatles solían ser sobre la infancia...

JL: Sí, sería sobre todo yo...

RB: Aunque eran muy buenas, siempre faltaba un elemento...

JL: Habrá sido la realidad, ése habrá sido el elemento faltante. Porque en realidad nunca me quisieron. Porque nunca me quisieron realmente. El único motivo por el que soy una estrella es por mi represión. Nada me habría impulsado a todo eso si hubiese sido ‘normal’...

YO: ... y feliz...

JL: El único motivo por el que me fijé ese objetivo es porque quería decir: ‘Ahora, mamacita-papacito, ¿me quieren ahora?’

TA: Pero tuviste éxito más allá de los sueños más fantásticos de la mayoría de la gente...

JL: Oh, Jesucristo, fue una opresión total. Quiero decir que tuve que pasar de una humillación tras otra de parte de las clases medias y del negocio del espectáculo, y de los alcaldes y todo eso. Eran tan condescendientes y estúpidos. Todos trataban de aprovecharse de nosotros. Fue una humillación especial para mí porque nunca pude callarme la boca y siempre tenía que estar borracho o con píldoras para contrarrestar esa presión. De verdad fue el infierno...

YO: Lo privaba de toda experiencia real, sabes...

JL: Fue muy miserable. Es decir, fuera de la primera euforia de tener éxito - la emoción del primer número, del primer disco, del primer viaje a USA. Al comienzo tuvimos una especie de objetivo como el de ser igual de grandes que Elvis - avanzar fue algo tremendo, pero el logro fue la gran decepción. Descubrí que tenía que complacer permanentemente al tipo de gente que siempre había odiado cuando era niño. Eso comenzó a devolverme a la realidad.

Comencé a comprender que todos somos oprimidos, por lo que quisiera hacer algo respecto a eso, aunque no estoy seguro de cuál es mi lugar.

RB: Bueno, en todo caso, la política y la cultura están vinculadas, ¿no es cierto? Quiero decir, los trabajadores son reprimidos por la cultura, no por los fusiles, en la actualidad...

JL: ... están dopados...

RB: Y la cultura que los está dopando, el artista puede hacerlo o romperlo...

JL: Es lo que estoy tratando de hacer con mis álbumes y en estas entrevistas. Lo que estoy tratando de hacer es influenciar a todos los que puedo: A todos los que siguen soñando, y sólo provocar un gran signo de interrogación en sus mentes. Ya pasó el sueño ácido, es lo que trato de decirles.

RB: Incluso en el pasado, sabes, la gente usaba canciones de los Beatles y les cambiaba las palabras. ’Yellow submarine’, por ejemplo, tuvo una serie de versiones. Una que cantaban los huelguistas comenzaba ’We all live on bread and margarine’ [Todos vivimos de pan y margarina]; en la LSE [Escuela de Economía de Londres] teníamos una versión que comenzaba con ‘’We all live in a Red LSE’ [Todos vivimos en una LSE roja].

JL: Eso me gusta. Y me alegré cuando las multitudes del fútbol cantaban en los primeros días ’All together now’ - ésa fue otra. Y también me gustó cuando el movimiento en USA usó ’Give peace a chance’ [Da una oportunidad a la paz], porque en realidad lo que quise hacer al escribirla fue eso. Esperaba que en lugar de cantar ’We shall overcome’ [venceremos] de 1800 o algo así, tendrían algo contemporáneo. Sentí una obligación incluso de escribir una canción que la gente cantaría en el pub o en una manifestación. Por eso quisiera escribir ahora canciones para la revolución...

RB: Sólo tenemos unas pocas canciones revolucionarias y fueron compuestas en el Siglo XIX. ¿Encuentras algo en nuestras tradiciones musicales que podría utilizarse para canciones revolucionarias?

JL: Cuando comencé, el propio rock and roll fue la revolución básica para la gente de mi edad y situación. Necesitábamos algo fuerte y claro para irrumpir a través de toda la falta de sentimiento y la represión que nos habían caído encima como niños. Al comienzo nos sentíamos un poco conscientes de ser usamericanos de imitación. Pero nos lanzamos a la música y encontramos que era mitad country blanco y western y mitad rhythm and blues negro. La mayor parte de las canciones provenían de Europa y de África y ahora vuelven a nosotros. Muchas de las mejores canciones de Dylan vinieron de Escocia, Irlanda o Inglaterra. Fue una especie de intercambio cultural.

Aunque debo decir que para mí las canciones más interesantes fueron las negras, porque eran más simples. Como que te sacuden el culo, o tu polla, lo cual realmente fue una innovación. Y luego existían las canciones del campo que expresaban sobre todo el dolor que sufrían. No podían expresarse intelectualmente, así que tenían que decir en unas pocas palabras lo que les estaba ocurriendo. Y luego estaban los blues de la ciudad y gran parte trataba de sexo y peleas.

Mucho de esto fue autoexpresión, pero sólo en los últimos años se han expresado por completo con Black Power, como Edwin Starr cuando hace discos sobre la guerra. Antes de eso, muchos cantantes negros todavía trabajaban bajo ese problema de Dios: a menudo era cosa de que ‘Dios nos salvará’. Pero todo el tiempo los negros cantaron directa e inmediatamente sobre su dolor y también sobre sexo, lo que hizo que me gustara.

RB: Dices que la música de country and western derivó del folk europeo. ¿No trata a veces de temas bastante horribles, como perder y ser derrotado?

JL: Cuando niños, todos nos oponíamos al folk porque era tan de clase media. Era cosa de estudiantes universitarios con grandes pañuelos y medio litro de cerveza en la mano, cantando folk en lo que llamamos voces la-di-da - ‘Trabajé en una mina en New-cast-le’ y toda esa porquería. Hay muy pocos auténticos cantantes de folk, sabes, aunque me gustaba un poco Dominic Behan, y hay algún material bueno que se escucha en Liverpool. Pero ocasionalmente escuchas discos muy viejos en la radio o en la televisión de verdaderos trabajadores en Irlanda u otra parte que cantan esas canciones y el poder que tienen es fantástico.

Pero la mayor parte de la música folk es de gente con voces resonantes que tratan de mantener vivo algo viejo y muerto. Es todo un poco aburrido, como el ballet: un asunto para minorías, mantenido por un grupo minoritario. En la actualidad la canción folk es el rock and roll. Aunque sucede que surgió de USA, no es realmente importante que así sea a fin de cuentas, porque escribimos nuestra propia música, y eso lo cambió todo.

RB: Tu álbum, Yoko, parece fusionar la música moderna de vanguardia, con rock. Me gustaría contarte una idea que se me ocurrió al escucharla. Integras sonidos de todos los días, como un tren, en un modelo musical. Esto parece exigir una medida estética de la vida de todos los días, una insistencia en que el arte no debe ser aprisionado en museos y galerías, ¿no es cierto?

YO: Exactamente: quiero incitar a la gente a perder su opresión dándoles algo con que trabajar, un fundamento. No deberían temer la creación propia - por eso hago las cosas muy abiertas, con cosas para que la gente las haga, como en mi libro. [Grapefruit].

Porque hay básicamente dos tipos de personas en el mundo: las que tienen confianza porque saben que tienen la capacidad de crear, y luego las personas que han sido desmoralizadas , que no tienen confianza en sí mismas, porque les han dicho que no tienen capacidad creativa, sino que deben cumplir órdenes. Las instituciones dominantes quieren tener gente que no tome responsabilidades y que no se respete.

RB: Supongo que el control obrero se refiere a eso...

JL: ¿No trataron de hacer algo así en Yugoslavia?; se han liberado de los rusos. Me gustaría ir allá y ver cómo funciona.

TA: Bueno, así es; trataron de romper con el modelo estalinista. Pero en lugar de permitir un control obrero desenvuelto, agregaron una fuerte dosis de burocracia política. Tendía a asfixiar la iniciativa de los trabajadores, y también regularon todo el sistema mediante un mecanismo de mercado que causó nuevas desigualdades entre una región y otra.

JL: Parece que todas las revoluciones terminan en un culto a la personalidad - incluso los chinos parecen necesitar una figura paterna. Supongo que esto también ocurre en Cuba, con Che y Fidel. En el comunismo de estilo occidental tendríamos que crear una imagen casi imaginaria de los propios trabajadores para que la vean como la figura paterna.

RB: Es una idea bastante buena - la Clase Trabajadora se convierte en su propio Héroe. Mientras no se convierta en una nueva ilusión reconfortante, mientras haya un auténtico poder de los trabajadores. Si un capitalista o un burócrata manejan tu vida, necesitas compensarlo con ilusiones.

YO: La gente tiene que tener confianza en sí misma

TA: Es el punto crucial. Hay que instilar a la clase trabajadora un sentimiento de confianza en sí misma. No se puede hacer sólo mediante la propaganda - los trabajadores deben actuar: apoderarse de sus propias fábricas y decir a los capitalistas que se vayan al diablo. Es lo que comenzó a suceder en mayo de 1968 en Francia... los trabajadores comenzaron a sentir su propia fuerza.

JL: Pero el Partido Comunista no estuvo a la altura, ¿verdad?

RB: No, no estuvo. Con 10 millones de trabajadores en huelga, podrían haber dirigido una de esas inmensas manifestaciones que ocurrieron en el centro de París a una ocupación masiva de todos los edificios e instalaciones gubernamentales, reemplazando a de Gaulle por una nueva institución de poder popular como la Comuna o los soviets originales, que podrían haber iniciado una autentica revolución, pero el Partido Comunista Francés tuvo miedo. Prefirieron manejarse por arriba en lugar de alentar a los trabajadores a tomar la iniciativa ellos mismos...

JL: Formidable, pero hay un problema al respecto, sabes. Todas las revoluciones han ocurrido cuando un Fidel o Marx o Lenin o quien sea, que eran intelectuales, pudieron comunicarse con los trabajadores. Juntaron un buen grupo de gente y los trabajadores parecieron comprender que vivían en un estado reprimido. No han despertado todavía en este país, siguen creyendo que los coches y los televisores son la respuesta. Hay que sacar a esos estudiantes izquierdistas a que hablen con los trabajadores, hay que involucrar a los chicos de las escuelas con The Red Mole.

TA: Tienes toda la razón. Hemos estado tratando de hacerlo y deberíamos hacer más. Esta nueva Ley de Relaciones Industriales que el gobierno está tratando de introducir lleva a más y más trabajadores a comprender lo que sucede.

JL: No creo que esa ley pueda funcionar. No creo que puedan imponerla. No creo que los trabajadores cooperarán con ella. Pensé que el gobierno Wilson fue una gran desilusión pero estos de Heath son peores. Están acosando al underground, los militantes negros ya ni siquiera pueden vivir en sus propias casas, y están vendiendo más armas a los sudafricanos. Como dijera Richard Neville, puede que haya sólo una pulgada de diferencia entre Wilson y Heath, pero vivimos en esa pulgada.

TA: No estoy seguro. Los laboristas introdujeron políticas racistas de inmigración, apoyaron la guerra de Vietnam y esperaban proponer nuevas leyes contra los sindicatos.

RB: Podrá ser verdad que vivimos en la pulgada de diferencia entre los laboristas y los conservadores, pero mientras lo hagamos seremos impotentes e incapaces de cambiar algo. Tal vez Heath nos está haciendo un favor al obligarnos a salir de esa pulgada, sin tener la intención de hacerlo...

JL: Sí, he pensado también en eso. Esto de colocarnos en un rincón para que tengamos que descubrir cómo tratan a otra gente. Siempre leo el Morning Star [el periódico comunista] para ver si hay alguna esperanza, pero parece estar en el Siglo XIX; parece que lo escriban liberales fracasados de mediana edad.

Deberíamos tratar de alcanzar a los jóvenes trabajadores porque es la edad en la que se es más idealista y se tiene menos miedo.

De alguna manera, los revolucionarios deben acercarse a los trabajadores, porque los trabajadores no se acercarán a ellos. Pero cuesta saber por dónde comenzar; todos estamos metidos en la represa. Pienso que mi problema es que tengo que volverme más realista. Me he apartado de la mayoría de la gente de clase trabajadora - sabes que lo que les gusta es Engelbert Humperdinck. Ahora son los estudiantes los que nos compran, y ése es el problema. Ahora The Beatles son cuatro personas separadas, no tenemos el impacto que tuvimos cuando estábamos juntos.

RB: Ahora tratas de nadar contra la corriente de la sociedad burguesa, lo que es mucho más difícil.

JL: Sí, poseen todos los periódicos y controlan toda la distribución y la promoción. Cuando llegamos sólo Decca, Philips y EMI podían realmente producirte un disco. Tenías que pasar por toda la burocracia para llegar al estudio de grabación. Te encontrabas en una posición tan humilde, no tenías más de 12 horas para hacer todo un álbum, que es lo que hicimos en los primeros tiempos.

Incluso ahora es lo mismo; si eres un artista desconocido, tienes suerte si consigues una hora en un estudio - es una jerarquía y si no tienes éxitos, no te graban de nuevo. Y controlan la distribución. Tratamos de cambiar eso con Apple, pero terminaron por derrotarnos. Todavía lo controlan todo. EMI liquidó nuestro álbum “Two Virgins” porque no les gustó. En el último disco censuraron las letras de las canciones impresas en la funda del disco. Una porquería ridícula e hipócrita. Tienen que dejarme cantar pero no se atreven a permitir que lo leas. Demencial.

RB: Aunque ahora llegas a menos gente, tal vez el efecto puede ser más concentrado.

JL: Sí, creo que puede ser verdad. Al principio, la gente de clase trabajadora reaccionó contra nuestra franqueza sobre el sexo. Le tenían miedo a la desnudez, están representados de ese modo, al igual que otros. Tal vez pensaron ‘Paul es un muchacho bueno, no provoca líos’.

También cuando Yoko y yo nos casamos, recibimos terribles cartas racistas - sabes, advirtiéndome de que me iba a degollar. Llegaron sobre todo de gente del ejército que vive en Aldershot. Oficiales.

Ahora los trabajadores se muestran más amistosos hacia nosotros, tal vez las cosas están cambiando. Me parece que los estudiantes están ahora suficientemente despiertos a medias para tratar y despertar a sus hermanos trabajadores. Si no transmites tu propia conciencia, ésta vuelve a cerrarse. De ahí la necesidad básica de que los estudiantes se mezclen con los trabajadores y los convenzan de que no están hablando mamarrachadas. Y desde luego es difícil saber lo que piensan realmente los trabajadores porque en todo caso la prensa capitalista siempre se limita a citar a portavoces como Vic Feather*. [Nota del editor: Vic Feather 1908-76, fue Secretario General del TUC (Unión de los sindicatos británicos) de 1969 a 1973].

Así que la única posibilidad es hablarles directamente, sobre todo a los trabajadores jóvenes. Tenemos que comenzar con ellos porque saben que están en contra. Por eso hablo de la escuela en el álbum. Quisiera incitar a la gente a romper el marco, a ser desobediente en la escuela, a sacarles la lengua, a insultar permanentemente a la autoridad.

YO: En realidad tenemos mucha suerte, porque podemos crear nuestra propia realidad, John y yo, pero sabemos que lo importante es comunicarse con otra gente.

JL: Mientras más realidad enfrentamos, más nos damos cuenta de que la irrealidad es el programa principal del día. Mientras más reales nos volvemos, mientras más abuso recibimos, más nos radicalizamos de cierto modo, como que nos colocan en un rincón. Pero sería mejor si fuéramos más.

YO: No debemos ser tradicionales en la manera como nos comunicamos con la gente - especialmente con los círculos dominantes. Tenemos que sorprender a la gente diciendo cosas nuevas de un modo totalmente nuevo. La comunicación de esa especie puede tener un poder fantástico mientras no hagas sólo lo que esperan.

RB: La comunicación es vital para edificar un movimiento, pero a fin de cuentas es impotente, a menos que pueda desarrollar fuerza popular.

YO: Me entristezco mucho cuando pienso en Vietnam, donde parece no haber otra alternativaque la violencia. Esta violencia se perpetúa durante siglos. En nuestra época, en la que la comunicación es tan rápida, debemos crear una tradición diferente, tradiciones se crean todos los días. Cinco años en la actualidad son como 100 años anteriormente. Vivimos en una sociedad que no tiene historia. No existen precedentes para este tipo de sociedad, así que podemos romper los viejos modelos.

TA: Ninguna clase dominante en toda la historia ha renunciado voluntariamente al poder y no creo que eso cambie.

YO: Pero la violencia no es sólo algo conceptual, sabes. Vi un programa sobre ese muchacho que había vuelto de Vietnam - había perdido toda la parte inferior de su cuerpo, de la cintura abajo. No era más que un trozo de carne, y dijo: ‘Bueno, supongo que fue una buena experiencia.’

JL: No quería encarar la verdad, no quería pensar que todo había sido inútil...

YO: Pero piensa en la violencia, podría ocurrirle a tus hijos...

RB: Pero Yoko, la gente que lucha contra la opresión se ve atacada por los que tienen un interés creado en que nada cambie, los que quieren proteger su poder y su riqueza. Mira a la gente en Bogside y Falls Road en Irlanda del Norte; fueron implacablemente atacados por la policía especial porque comenzaron a manifestarse por sus derechos. Una noche en agosto de 1969, siete personas murieron y a miles las expulsaron de sus hogares. ¿No tenían derecho a defenderse?

YO: Por eso hay que tratar de encarar esos problemas antes de que ocurra una situación semejante.

JL: Sí, pero ¿qué haces cuando ocurre, qué haces?

RB: La violencia popular contra sus opresores es siempre justificada. No se puede ser evitar.

YO: Pero de cierto modo la nueva música mostró que las cosas pueden verse transformadas por nuevos canales de comunicación.

JL: Sí, pero como dije, nada ha cambiado realmente.

YO: Bueno, algo cambió y para bien. Todo lo que digo es que tal vez podamos hacer una revolución sin violencia.

JL: Pero no puedes tomar el poder sin una lucha...

TA: Ése es el aspecto crucial.

JL: Porque, cuando se llega al meollo de la cuestión, no dejarán que el pueblo tenga poder alguno, concederán todos los derechos para actuar y bailar para ellos, pero no un poder real.

YO: Es que, incluso después de la revolución, si la gente no tiene ninguna confianza en sí misma, se enfrentará a nuevos problemas.

JL: Después de la revolución tienes el problema de lograr que las cosas sigan adelante, de concertar todos los diferentes puntos de vista. Es muy natural que los revolucionarios tengan diferentes soluciones, que se dividan en diferentes grupos y luego se reformen, eso es la dialéctica, ¿no es cierto? - pero al miso tiempo tienen que unirse contra el enemigo, solidificar un nuevo orden. No sé cuál es la respuesta; obviamente Mao tiene conciencia del problema y mantiene las cosas en marcha.

RB: El peligro es que una vez que se ha creado un estado revolucionario, tiende a formarse una nueva burocracia conservadora a su alrededor. Este peligro tiende a aumentar si el imperialismo aísla a la revolución y hay escasez material.

JL: Una vez que el nuevo poder llega al mando tiene que establecer un nuevo statu quo sólo para mantener en funcionamiento las fábricas y los trenes en circulación.

RB: Sí, pero una burocracia represiva no dirige necesariamente las fábricas o los trenes mejor de lo que lo harían los trabajadores bajo un sistema de democracia revolucionaria.

JL: Sí, pero todos tenemos instintos burgueses en nuestro interior, todos nos cansamos y sentimos la necesidad de descansar un poco. ¿Cómo mantienes todo en funcionamiento y el fervor revolucionario después de lograr lo que te habías propuesto? Por supuesto, Mao los ha mantenido en China, pero ¿qué pasará cuando muera Mao? También utiliza un culto a la personalidad. Tal vez sea necesario; como dije, todos parecen necesitar una figura paterna.

Pero he estado leyendo ‘Khrushchev Recuerda”. Sé que es un tipo especial - pero parece pensar que fue malo que se convirtiera a un individuo en una religión; que no parece formar parte de la idea comunista básica. Pero la gente es la gente, ésa es la dificultad.

Si tomáramos el poder en Gran Bretaña, tendríamos la tarea de limpiarla de burguesía y de mantener a la gente en un estado mental revolucionario.

RB: ...En Gran Bretaña, a menos que podamos crear un nuevo poder popular -y quiero decir básicamente un poder de los trabajadores - controlado por las masas y que responda ante las masas, no podríamos hacer la revolución para comenzar. Sólo un poder de los trabajadores que esté profundamente arraigado podría destruir el estado burgués.

YO: Por eso las cosas serán distintas cuando la generación joven se haga cargo.

JL: Creo que no sería tan difícil que la juventud se ponga realmente en movimiento. Tendrías que darle rienda suelta para atacar los ayuntamientos o para destruir a las autoridades escolares, como los estudiantes que rompen la represión en las universidades. Ya está sucediendo, aunque la gente tiene que unirse más.

Y las mujeres también son muy importantes, no podemos tener una revolución que no involucre y libere a las mujeres. La manera como te enseñan la superioridad masculina es tan sutil.

Me costó bastante tiempo darme cuenta de que mi masculinidad estaba limitando ciertas áreas para Yoko. Es una liberacionista al rojo vivo y me mostró rápidamente los errores que cometía, aunque a mí me parecía que me portaba normalmente. Por eso siempre me interesa saber cómo trata a las mujeres la gente que afirma que es radical.

RB: Siempre ha habido por lo menos tanto chauvinismo macho en la izquierda como en cualquier otra parte - aunque el ascenso de la liberación de la mujer está ayudando a eliminarlo.

JL: Es ridículo. Cómo puedes hablar de poder para el pueblo a menos que te des cuenta de que el pueblo se compone de ambos sexos.

YO: No puedes amar a alguien a menos que estés en una posición de igualdad. Muchas mujeres tienen que agarrarse de hombres por temor o inseguridad, y eso no es amor - básicamente es el motivo por el cual las mujeres odian a los hombres.

JL: ... y viceversa...

YO: Así que si tienes una esclava en tu casa, ¿cómo puedes querer hacer una revolución afuera? El problema para las mujeres es que si tratamos de ser libres, nos aislamos naturalmente, porque tantas mujeres están dispuestas a ser esclavas, y los hombres generalmente las prefieren. Así que siempre tienes que arriesgarte: ‘¿Voy a perder a mi hombre?’. Es muy triste.

JL: Desde luego. Yoko estaba bien involucrada con el tema de la liberación antes de que yo la conociera. Tuvo que luchar en un mundo masculino - el mundo del arte está dominado por completo por hombres - así que estaba saturada de celo revolucionario cuando nos encontramos. Nunca hubo discusión alguna al respecto: teníamos que tener una relación a partes iguales o no habría relación. Lo aprendí rápidamente. Hizo un artículo sobre las mujeres en Nova hace más de dos años, en el que dijo: ‘La mujer es el negro del mundo’.

RB: Por cierto, todos vivimos en un país imperialista que explota al Tercer Mundo, e incluso nuestra cultura participa. Hubo un tiempo en el que la música de los Beatles era publicitada por la Voz de América...

JL: Los rusos proclamaban que éramos robots capitalistas, y supongo que lo éramos...

RB: Fue bastante estúpido por su parte que no se dieran cuenta de que era algo diferente.

YO: Seamos realistas. La música de los Beatles fue una canción de folk del Siglo XX en el marco del capitalismo; no podían hacer nada diferente si querían comunicar dentro de ese marco.

RB: Yo trabajaba en Cuba cuando apareció “Sergeant Pepper” y es cuando comenzaron por primera vez a tocar música de rock en la radio.

JL: Bueno, esperemos que vean que rock and roll no es lo mismo que Coca-Coca. A medida que vamos más allá del sueño, debería ser más fácil; por eso hago declaraciones más fuertes en la actualidad y trato de librarme de la imagen del quinceañero.

Quiero llegar a la gente apropiada, y quiero hacer que lo que tengo que decir sea muy simple y directo.

RB: Tu último álbum suena muy simple al comienzo, pero los textos, el ritmo y la melodía se elevan a una complejidad de la que uno se da cuenta sólo poco a poco. Como el tema ’My mummy’s dead’ recuerda la canción de cuna ’Three blind mice’ y trata de un trauma infantil.

JL: Así es, era esa clase de sentimiento, casi como un poema Haiku. Recientemente, me inicié en Haiku en Japón y creo que es simplemente fantástico. Obviamente, cuando te liberas de toda un segmento de ilusiones en tu mente, te queda una gran precisión.

Yoko me mostró algunos de esos Haiku en originales. La diferencia entre estos últimos y Longfellow es inmensa. En lugar de un largo poema florido, el Haiku diría ‘Flor amarilla en bol de madera sobre mesa de madera’ lo que en realidad te ofrece todo el cuadro...

TA: ¿Cómo piensas que podemos destruir el sistema capitalista aquí en Gran Bretaña, John?

JL: Pienso que sólo si logramos que los trabajadores sean conscientes de la posición realmente infeliz en la que se encuentran, destruyendo el sueño que los rodea. Creen que viven en un país maravilloso, con libertad de expresión. Tienen coches y televisiones, y no quieren pensar en que pueda haber algo más en la vida. Están dispuestos a que los mandamases los dirijan, a ver que a sus hijos los arruinan en la escuela. Sueñan el sueño de un ser ajeno, no es el de ellos mismos. Deberían darse cuenta de que los negros y los irlandeses son acosados y reprimidos y que ellos mismos vendrán después.

En cuanto comiencen a darse cuenta de todo eso, podremos comenzar realmente a hacer algo. Los trabajadores pueden comenzar a hacerse cargo. Como dijera Marx: ‘A cada cual según su necesidad’. Pienso que funcionaría bien en este país. Pero también tendríamos que infiltrar al ejército, porque están bien entrenados para matarnos a todos.

Tenemos que comenzar todo esto desde el hecho de que nosotros mismos somos los oprimidos. Pienso que es falso, frívolo, dar a otros cuando tu propia necesidad es grande. La idea no es reconfortar a la gente, no es hacer que se sienta mejor, sino que se sienta peor, que se le muestren constantemente las degradaciones y humillaciones que sufre para conseguir lo que llaman un salario vital.

ENTREVISTA A THE DOORS...

2007-10-23T23:35:00.000-06:00

PARANOID....

2007-10-23T23:01:00.000-06:00

Finished with my woman
'Cause she couldn't help me with my mind
People think I'm insane
Because I am frowning all the time

All day long I think of things
But nothing seems to satisfy
Think I'll lose my mind
If I don't find something to pacify

Can you help me occupy my brain?
Oh yeah!

I need someone to show me
The things in life that I can't find
I can't see the things that make true happiness
I must be blind

Make a joke and I will sigh
And you will laugh and I will cry
Happiness I cannot feel
And love to me is so unreal

And so as you hear these words
Telling you now of my state
I tell you to enjoy life
I wish I could but it's too late

EVOLUCION????

2007-10-17T17:15:00.001-06:00

DO THE EVOLUTION

2007-10-17T17:09:00.000-06:00

Para donde vamos...

Woo..
Im ahead, Im a man
Im the first mammal to wear pants, yeah
Im at peace with my lust
I can kill cause in God I trust, yeah
Its evolution, baby

Im at piece, Im the man
Buying stocks on the day of the crash
On the loose, Im a truck
All the rolling hills, Ill flatten em out, yeah
Its herd behavior, uh huh
Its evolution, baby

Admire me, admire my home
Admire my song, heres my coat
Yeah, yeah, yeah, yeah
This land is mine, this land is free
Ill do what I want but irresponsibly
Its evolution, baby

Im a thief, Im a liar
Theres my church, I sing in the choir:
(hallelujah hallelujah)

Admire me, admire my home
Admire my song, admire my clothes
cause we know, appetite for a nightly feast
Those ignorant indians got nothin on me
Nothin, why?
Because, its evolution, baby!

I am ahead, I am advanced
I am the first mammal to make plans, yeah
I crawled the earth, but now Im higher
Twenty-ten, watch it go to fire
Its evolution, baby (2x)
Do the evolution
Come on, come on, come on

JANIS JOPLIN

2007-10-11T20:53:00.000-06:00

Nació el 19 DE ENERO DEL 43 en Port Arthur, localidad industrial de tEXAS. Los padres de Janis habían querido que fuera maestra. Su padre, Seth, trabajaba en una refinería. Su madre, Doroty, había destacado cantando en su instituto.

Janis, en el primer año de instituto, se tiñó el pelo de naranja y se unió a una pandilla de jóvenes radicales por lo que se convirtió en una marginada por sus compañeros de clase, siendo durante esta étapa una persona muy impopular. Rechazaba el racismo y se le acusaba de "amiga de los negros". A los 16 años comenzó a manifestar su amor por la música. Frecuentaba los bares de Louisiana, donde escuchaba música negra. Comenzó a cantar a los 17 años.

Grabó su primer disco cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas; luego comenzó a cantar de forma habitual en bares. En el 63, la ciudad de Samn Francisco conoció el talento de Janis Joplin. Fue en este periodo cuando comenzó el contacto con la droga. Se sumió en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos. Anunció entonces a su familia que volvería a sus estudios universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San Francisco, conocido como J. P., pero el enlace no tuvo lugar. J. P. la abandonó y esto marcaría aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento de soledad.

Luego de este suceso, volvió a la música. Regresó a San Francisco empujada por el éxito. Se unió a la banda "Big Brother and the Holding Company", logrando una combinación perfecta y con la que grabaría el emblemático álbum Cheap Thrills. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Obtuvo buenas críticas, cada vez más centradas en ella y menos en el grupo. Esto reforzaba su autoestima y su carrera. Pronto pasó a ser conocida en el resto de USA.

Actuó con su banda en el Festival de Monterey del 67, junto con grandes estrellas, como Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, The Who entre otros...y entonces aspiraba "a ser algo más que la reina de los hippies". Actuó dos veces en el festival, porque la primera vez no había sido filmada. Para la segunda actuación, cambió su ropa hippie por un traje dorado...

A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossmael. Joplin eclipsaba a los Big Brother. Durante la gira por todo el país, comenzó a consumir heroína, para huir del agobio de la fama. Decía: "nada que siente tan bien puede ser malo". "Sólo quiero algo de paz".

En la primavera del 68, se trasladaron a N.Y para grabar su primer disco. No congeniaba en el grupo pero aquella combinación de música repetitiva, de estilo `sicodelico de los 60s con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa. El disco salió en agosto del 68. Se vendieron más de un millón de copias en el primer mes. Las críticas fueron muy buenas para Joplin, aunque no tanto para el grupo.

Albert Grossmael le propuso un cambio de grupo. "Cosmic Blues Band" sonaba bien distinto. Su sonido era excesivo, con trompetas, coros, etc. No funcionó. Recibió muy malas críticas. La revista Roling Stone la denominó la "Judy Garland del rock".

Comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida, de sus sentimientos. Decía que "hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola..." Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína. Sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.

Quiso entonces volver a su pueblo, Port Arthur, como estrella del rock públicamente. Sus padres aprovecharon para marcharse. No fue bien recibida. Y este fracaso fue magnificado en los medios de comunicación. Fue un desafío que se volvió contra ella. Poco después, su madre le diría "ojalá no hubieras nacido".

En septiembre del 70, se trasladó a L.A a grabar "Pearl" con su nuevo grupo. El 4 de octubre del 70 había sido un buen día de grabación. Se fue de copas y se emborrachó. A la 1:40, según el forense, murió por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas después.

Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común sólo es del 2%). Las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix o la de Jim Morrison.

A las seis semanas de su muerte, salió el disco "Pearl", que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema "Mercedes Benz" a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción "Buried Alive in the Blues" sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla.

El cuerpo de Janis Joplin fue incinerado en Westwood, California, y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico. Dejó en testamento 600 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje.

CHE GUEVARA

2007-10-09T18:43:00.000-06:00

Ayer hace 40 años se fue de este mundo un gran hombre un revolucionario, un soñador que soñaba con un mundo muy diferente del que vivimos hoy en dia...Ernesto el Che Guevara..aqui una pequeña biografia...hasta la victoria siempre...

Revolucionario iberoamericano (Rosario, Argentina, 1928 - Higueras, Bolivia, 1967). Ernesto Che Guevara nació en una familia acomodada de Argentina, en donde estudió Medicina. Su militancia izquierdista le llevó a participar en la oposición contra Perón; desde 1953 viajó por Perú, Ecuador, Venezuela y Guatemala, descubriendo la miseria dominante entre las masas de Iberoamérica y la omnipresencia del imperialismo norteamericano en la región, y participando en múltiples movimientos contestatarios, experiencias que le inclinaron definitivamente a la ideología marxista.

En 1955 Ernesto Che Guevara conoció en México a Fidel Castro y a su hermano Raúl, que preparaban una expedición revolucionaria a Cuba. Guevara trabó amistad con los Castro, se unió al grupo como médico y desembarcó con ellos en Cuba en 1956. Instalada la guerrilla en Sierra Maestra, Guevara se convirtió en lugarteniente de Castro y mandó una de las dos columnas que salieron de las montañas orientales hacia el Oeste para conquistar la isla. Participó en la decisiva batalla por la toma de Santa Clara (1958) y finalmente entró en La Habana en 1959, poniendo fin a la dictadura de Batista.

El nuevo régimen revolucionario concedió a Guevara la nacionalidad cubana y le nombró jefe de la Milicia y director del Instituto de Reforma Agraria (1959), luego presidente del Banco Nacional y ministro de Economía (1960) y, finalmente, ministro de Industria (1961). Buscando un camino para la independencia real de Cuba, se esforzó por la industrialización del país, ligándolo a la ayuda de la Unión Soviética, una vez fracasado el intento de invasión de la isla por Estados Unidos y clarificado el carácter socialista de la revolución cubana (1961). En aquellos años, Guevara representó a Cuba en varios foros internacionales, en los que denunció frontalmente el imperialismo norteamericano.

Su inquietud de revolucionario profesional, sin embargo, le hizo abandonar Cuba en secreto en 1965 y marchar al Congo, donde luchó en apoyo del movimiento revolucionario en marcha, convencido de que sólo la acción insurreccional armada era eficaz contra el imperialismo. Relevado ya de sus cargos en el Estado cubano, el Che Guevara volvió a Iberoamérica en 1966 para lanzar una revolución que esperaba fuera de ámbito continental: valorando la posición estratégica de Bolivia, eligió aquel país como centro de operaciones para instalar una guerrilla que pudiera irradiar su influencia hacia Argentina, Chile, Perú, Brasil y Paraguay.

Al frente de un pequeño grupo intentó poner en práctica su teoría, según la cual no era necesario esperar a que las condiciones sociales produjeran una insurrección popular, sino que podía ser la propia acción armada la que creara las condiciones para que se desencadenara un movimiento revolucionario (Guerra de guerrillas, 1960; Recuerdos de la guerra revolucionaria, 1963).

Sin embargo, su acción no prendió en las masas bolivianas; por el contrario, aislado en una región selvática en donde padeció la agudización de su dolencia asmática, fue delatado por campesinos locales y cayó en una emboscada del ejército boliviano en la región de Valle Grande, donde fue herido y apresado.

Dado que el Che se había convertido en un símbolo para los jóvenes de todo el mundo, los militares bolivianos, aconsejados por la CIA, quisieron destruir el mito revolucionario, asesinándole para después exponer su cadáver, fotografiarse con él y enterrarlo en secreto. Se salvó, sin embargo, su Diario de campaña, publicado en 1967.

En 1997 los restos del Che Guevara fueron localizados, exhumados y trasladados a Cuba, donde fueron enterrados con todos los honores por el régimen de Fidel Castro.

Escritos

BLACK DOG- LED ZEPPELIN

2007-10-01T15:33:00.000-06:00

LED ZEPPELIN

2007-10-01T14:38:00.000-06:00

Por motivo de la proxima reunion de un concirto les dejo la bio de Led Zeppelin...

Se los "acusa" de haber inventado el Heavy Metal, quizás no en su forma más degradada, pero si en actitud, acordes y apariencia.

No es un "metal" puro porque a ellos les sonaba bien, seguramente por la influencia de Cream y los Yardbirds de donde venía Jimmy Page, el guitarrista de la agrupación.

Efectivamente, Led Zeppelin tuvo sus raíces en lo que quedó de los Yardbirds. Jimmy Page intentó rescatar la banda disuelta por Jeff Beck y la rebautizó como los Nuevos Yardbirds, pero en 1968 ya habían desaparecido. Entonces Page decidió concretar un sueño: una banda que tocara blues psicodélico. Para ello convocó a su amigo el bajista John Paul Jones con quien ya había tocado en proyectos de Donovan, Herman's Hermits y Petula Clark.

Page recibió noticia sobre un nuevo cantante de blues de Birmingham de quien se decía tenía un gran potencial. Entonces viajó para verlo en escena. “Su rango vocal era increíble”, recuerda Page. “Pensé, ¡un momento! Aquí hay algo raro, a él nadie lo conoce” se ríe. “No podía entenderlo. Pensé que debía ser alguien raro o algo así. Entonces se acercó donde estaba y pude ver que era una buena persona. Sigo sin entender porque para entonces no había destacado...”

En la casa de Page empezaron a escuchar toda la música que les gustaba, desde Buddy Guy hasta Muddy Waters y Elvis. Entonces Page salió con una idea descabellada. Puso a sonar “Babe I'm Gonna Leave You” de Joan Baez y le dijo a Robert Plant que quería tocar ese tipo de canciones “pero pesado, con mucha luz y sombra.”

Las cosas rápidamente tomaron forma en la mente de Plant quien le sugirió a Page el nombre de su amigo y compañero de grupo John Bonham para la batería. La primera reunión del grupo fue en una sala muy pequeña debajo de una venta de discos en Londres.

En el primer ensayo, explota el más puro y desenfrenado rock. Acabando la primera canción ( Train Kept a Rolling ), los cuatro se miraron uno al otro y dijeron: "es eso lo que vamos a hacer, y va a funcionar."

Estando el grupo formado y con algunos números ensayados, el próximo paso era contratar el empresario que cuidase de los intereses extramusicales, y la persona escogida fue Peter Grant, cuya única experiencia era con el grupo Combo, que más tarde se llamaría The Animals.

No les faltaba más nada a los New Yardbirds que se fueron de excursión a Escandinavia a terminar con algunos compromisos adquiridos anteriormente por la banda. De regreso en Londres, Jimmy decidió dar otro nombre al grupo. El nombre vino de una charla entre Jimmy Page, Keith Moon, baterista de The Who y un chofer. Moon tenía ganas de dejar The Who y se sentó con Page a buscar el nombre para la banda que formarían juntos: Led Zeppelin.

Al final del 68, Led Zeppelin, encontraba algunas dificultades para imponerse como nombre de respeto en el rock inglés. Por donde pasaban eran bien recibidos por el público, pero no conseguían sensibilizar a la prensa.

Después de algunos contactos inútiles para conseguir grabar, pues Peter Grant no tenía una referencia contundente para mostrar a los ejecutivos de las disqueras, apareció Dusty Springfield, una veterana catante, que le dio su aval a estos jóvenes casi desconocidos, diciendo que los conocía y eran realmente muy buenos. Con esa ayuda, Led Zeppelin firmaba su contrato con la grabadora americana Atlantic, valiendo también para Inglaterra.

Su primer disco se grabó en Olympic Studios y fue la primera vez en que Robert Plant cantó dentro de un estudio con las condiciones apropiadas. Según recuerda el cantante “cuando terminaba de catar entraba a la cabina para escucharme, era tan pesado, tenía tanto poder que era devastador. Tenía mucho trabajo por hacer con mi voz en ese entonces, pero el entusiasmo y lo maravilloso de trabajar con la guitarra de Jimmy... era demasiado. Todas esas cosas, pedazo a pedazo, se fueron convirtiendo en una especie de marca para nosotros. Terminamos el disco en tres semanas. Jimmy invirtió todo el dinero de los Yardbirds, que no era mucho, en nuestra primera gira. Nuestro personal de gira era una persona, pero aún así nos fuimos...”

Su primera presentación en Inglaterra fue el 15 de octubre de 1968 en la Unviersidad de Surrey donde aparecieron con el nombre de Led Zeppelin y apoyados por el baterista de Who, Keith Moon. En esta presentación Jimmy Page interpretó su solo de guitarra usando un arco de violín, idea sugerida por el padre de David McCallum, el protagonista de la serie televisiva “El Hombre de UNCLE”.

Su primer disco fue editado en 1969, llamado también Led Zeppelin . Fue producido en tres semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre del '68, y tuvo un éxito inmenso con la crítica y el público, lo que serviría de preludio al que ha sido una de las mayores influencias del rock posterior, su segundo disco: Led Zeppelin II , con el que la banda se consagró definitivamente. El LP llegó al número 1 en las listas británica y estadounidense destronando a Abbey Road de los Beatles y permaneciendo allí durante siete semanas.

Led Zeppellin II fue un disco que se escribió prácticamente en la carretera mientras la banda se forjaba un nombre en Estados Unidos. En Inglaterra el estilo blusero de la banda apenas pegaba, Peter Grant vio la oportunidad del otro lado del Atlántico cuando el grupo de Jeff Beck canceló una gira norteamericana junto a Vanilla Fudge.

Grant llamó a los promotores de la gira y los convenció de meter al Zeppelin en el avión que cruzaría el mar. Luego Grant convenció a los miembros de la banda de dejar el calor de sus hogares en Navidad para embarcarse en una gira que los llevaría a Los Ángeles a presentarse en “Wisky A-Go-Go”

“Lo importante”, recuerda Plant, “era que Peter nos dijo que sino rompíamos en San Francisco, tendríamos que regresar a casa. Era el lugar considerado esencial, la crema de todo el movimiento. Era la prueba de ácido, olvidate del Kool-Aid, y si no éramos convincentes se notaría enseguida. Yo dije ‘he cantado durante años, estaré feliz de cantar en cualquier lado'. Pero él tenía los ojos puestos en algo que yo ni siquiera me imaginaba.”

Led Zeppelin compartiría el escenario con Taj Mahal, Contry Joe y Fish. Cuando llegaron se dieron cuenta que los promovieron como grupo de apertura. En ese momento se dieron cuenta que tenían dos opciones: lo hacían o desaparecían. Led Zeppelin subió a la tarima con la sangre en el ojo. Jimmy Page sentía que algo estaba pasando con la audiencia. “Se sentía como un vacío y nosotros habíamos llegado para llenarlo”. “Primero esta fila, después aquella... era como un tornado que se fue llevando todo”.

Para cuando llegaron a Nueva York eran un número por derecho propio. Su gira en Estados Unidos se repitió tres veces en 1969.

El éxito de Led Zeppelin II se debió a que el grupo se había amalgamado y que en “Whole Lotta Love” Plant había encontrado su voz y Jimmy Page su poder como guitarrista.

Ninguno de los integrantes recuerda como surgió el riff de guitarra de “Whole Lotta Love”. John Paul Jones dice que fue durante una improvisación de “Dazed and Confused”. Por su parte Robert Plant afirma que “sin importar de dónde haya venido, todo se debió a ese riff. Cualquier reconocimiento debe ir a Jimmy y sus riffs.”

Led Zeppelin III tenía influencias de Sunset Strip, los Byrds, Buffalo Springfield y Moby Grape. Junto a la pasión del grupo por el blues el resultado realmente redefinió qué era el rock duro. El resultado fue su peor venta en años, aunque sus presentaciones en vivo eran cada vez más importantes.

Los conciertos de la banda eran realmente impresionantes. Cada vez que se interpretaba “Dazed and Confused” por casi 45 minutos la gente se volvía loca. Algo similar pasaba con el solo de batería de Bonham en “Moby Dick”.

Tras su tercer disco, Led Zeppelin III , algunos acusaron al grupo de no ser más que un conjunto de virtuosos unidos bajo un mismo nombre, lo que provocó que su cuarto trabajo, en su edición original, no tuviera título ni nada que permitiera identificarle, a excepción de cuatro extraños símbolos, uno para cada miembro de la banda. Era el año 1971 . Este álbum, llamado comúnmente Led Zeppelin IV , fue el LP más vendido de la banda (actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA), y destaca su éxito más grande “ Stairway To Heaven .”

Led Zeppelin IV entró a las tiendas en silencio en 1971. Un disco maduro pero con la dureza musical de sus predecesores. Era un estilo musical impresionante para una banda que seguía siendo un trío con un cantante.

Bonham y Jones se sentían más confiados en sus habilidades. Bonham interrumpió el trabajo en una canción para meter la base musical de “Keep A-Knockin'” de Little Richard, en tanto Jones trajo una idea inspirado en Muddy Waters.

“Quería que intentáramos un blues eléctrico con una parte fuerte para el bajo” recuerda Jones. “Pero no podía ser muy simple. Quería que girara sobre sí misma. Se la mostré a los muchachos y empezamos a trabajar en ella. Luchamos con el giro hasta que Bonham resolvió el problema contando hasta cuatro, como si no existiera gira. Ese era el secreto. Igualmente, la habíamos puesto el nombre por un perro que andaba dando vueltas por el estudio. El perro no tenía nombre, así que le pusimos a la canción ‘Black Dog'”.

El punto alto del disco era “Escalera al Cielo”. La canción que ha sonado más veces en la radio norteamericana. El tema empezó como muchas canciones de Led Zeppelin en una cinta grabada en el estudio de Jimmy Page. El primero en oírla fue John Paul Jones. “Bonzo (Bonham) y Robert se habían dado un descanso, mientras que yo me quedé trabajando en el asunto. Jones y yo empezamos a ensayarla juntos y luego la ensamblamos con batería y todo. Robert estaba sentado al lado de la chimenea y creo que para ese momento tendría el 80% de la letra en su cabeza.”

“Sí” dice Plant, “me senté al lado de Page mientras tocaba. Se hizo muy rápido. Tomó un poco de trabajo pero fue muy fluido.”

En 1973 salió a la venta “Houses of the Holy” en el que se experimentaba aún más que en los discos anteriores. Melodías poderosas, pistas más largas, más sintetizador y orquestación de órgano. Con “ The Song Remains the Same ", " No Quarter " y " D'yer Mak'er " el grupo empezó a expandir nuevamente las fronteras de la música rock. Su gira de 1973 en los Estados Unidos volvió a batir marcas de asistencia cuando se congregaron 56 800 personas en su concierto de Tampa en Florida. Tres conciertos con entradas agotadas en el Madison Square Garden de Nueva York fueron filmados en celuloide para producir un especial cinematográfico que nunca se completó.

Un año después crearon su propio sello grabador llamado Swan Song. El nombre vino de una de las cinco canciones que nunca salieron en alguno de sus discos.

1975 vio el lanzamiento de “Physical Graffiti” un doble álbum en el que se incluyó una colección de canciones altamente complejas como “Ten Years Gone”, la acústica “Black Country Woman” o las excéntricas “Tramped Under Foot” y “Kasmir”. La salida del disco provocó que todo el catálogo de Led Zeppelin volviera a entrar dentro de los 200 discos más populares en Estados Unidos.

La gira de conciertos que le siguió incluyó 5 noches abarrotadas en el Earls Courts de Londres. Era el momento cumbre de la banda, nadie en la música era tan grande como ellos.

Si la fama del grupo era impresionante en el escenario y en las ondas de la radio, lo mismo pasaba con lo que ocurría detrás de bambalinas. Led Zeppelin viajaba en su propio Jet, alquilaban porciones enteras de los hoteles y se convirtieron en sujeto de las historias más raras sobre lo que sucedía en esos espacios. Habitaciones semidestruidas y visitantes nocturnas eran el denominador común.

En 1976 el grupo tomó un descanso de las giras y empezó a producir “Fantasy” con segmentos filmados en los conciertos de “The Song Remains The Same”. Durante ese período Robert Plant y su esposa tuvieron un accidente de tránsito en Grecia en el que él resultó con solo una fractura en su muñeca, mientras que su esposa solo sobrevivió gracias un vuelo a tiempo a Londres donde una transfusión de sangre apenas le salvó la vida.

Con la opción de las giras definitivamente fuera de la agenda el grupo se concentró en grabar “Presence”. El LP alcanzó la categoría de platino, pero representó un cambio importante en el estilo musical de Led Zeppelin. Ahora su música era menos compleja y los arreglos musicales pesados daban paso solos de guitarra. El punto alto del disco fue “Achiles Last Stand” en el que la batería de Boham tomaba altura acompañada por las descargas de guitarra de Page.

El disco recibió críticas mixtas. Mientras unos sonreían frente a un estilo más simple, otros lamentaban la pérdida del lado más creativo y artístico del grupo, y lo atribuían directamente a los excesos en los que vivía el grupo. Fue en 1976 cuando Page empezó a usar heroína, lo que gradualmente empezó a interferir en las presentaciones del grupo y en las grabaciones.

A finales de 1976 se empezó a exhibir el filme del concierto “The Song Remains The Same” y se puso a la venta la banda de sonido en un doble LP. A pesar de la fecha de lanzamiento, el pietaje de la película era de 1973 de las presentaciones en el Madison Square Garden. El disco no es necesariamente el mejor disco en vivo que se haya producido, pero fue el único que produjo la banda hasta el posterior lanzamiento de las Sesiones en la BBC de 1997 y “How The West Was Won” de 2003.

En 1977 el Zeppelin partió de nuevo hacia los Estados Unidos. Antes de su llegada las entradas estaban agotadas en Chicago, Los Ángeles, Nueva York, Seattle y Cleveland. Sin embargo, la gira debió ser cancelada. Primero la muerte del hijo de Robert Plant, Karac obligó al cantante a volver a casa inmediatamente y por otra parte una parte importante del equipo de apoyo del grupo fue arrestado (incluido Peter Grant) cuando molieron a patadas a uno de los integrantes del Staff organizador del concierto.

En el verano siguiente se fueron a grabar a Suecia, al estudio propiedad de ABBA. “In Through The Door” sirvió para que John Paul Jones y John Bonham se lucieran en “Carouselmabra” y “Fool in the Rain”. También se incluyó la balada que Plant le dedica a su hijo “All My Love”.

Luego de una década de grabar e ir de gira por el mundo el grupo es considerado como un dinosaurio por algunos, sobre todo porque el gusto popular se había ido hacia el disco o al punk. Aún así el grupo tenía una base de seguidores amplia y el disco llegó sin complicaciones al número uno en Estados Unidos y el Reino Unido.

Los dos veranos siguientes prometían mucho para el grupo. El de 1979 empezó con dos conciertos en Copenhage y siguió con otro frente a 150 mil personas en el festival de Knebworth. Luego vendría la gira por Estados Unidos.

Sin embargo, la gira norteamericana de 1980 no pudo ser. El 25 de setiembre de 1980 justo antes de empezar la gira, el baterista John Bonham murió asfixiado luego de haber bebido alcohol durante un día completo. Durante dos meses los restantes integrantes del grupo se debatieron entre si seguir o deshacer Led Zeppelin. La decisión la anunciaron en diciembre de ese año: El Zeppelin regresaría al hangar para no volver a salir.

Dos años después de la muerte de Bonham el grupo sacó a la venta “Coda”, una colección de tomas inéditas de discos anteriores. Durante los siguientes años un chorro constante de discos con sus grandes éxitos ha mantenido a la banda en las listas, pero su música sigue sonando por mérito propio.

Después de “Coda” aparecieron cantidades de rumores de que la banda volvería. En realidad era más el deseo de la gente que el de los integrantes del grupo. Sin embargo, y para sorpresa de propios y extraños en 1985 Led Zeppelin apareció en el concierto Live Aid. Jones, Plant y Page interpretaron " Rock and Roll ", "Whole Lotta Love" y "Stairway to Heaven" con Tony Thompson y Phil Collins en la batería.

Cuando en 2004 salió a la venta el DVD del evento los integrantes de la banda prohibieron el uso de sus imágenes.

Sin embargo, la actuación los dejó con ganas de más y empezaron a considerar seriamente incluir a Tony Thompson en la batería, pero un serio accidente de tránsito en el que se vio involucrado el baterista los hizo desistir del proyecto.

Otras reuniones incluyeron la aparición de 1988 para el 40 aniversario del sello Atlantic ó apariciones de Plant y Page en conciertos o especiales de MTV. En 1995 el grupo fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de Estados Unidos por los entonces miembros Aerosmith. En el momento de recibir el premio John Paul Jones dijo: “Gracias, mis amigos, por recordar finalmente mi número telefónico.” El texto iba directo a los otros dos miembros del grupo que lo excluyeron del especial de MTV y los conciertos subsiguientes.

La prensa británica reportó en 2002 que Plant y Jones se habían reconciliado y nuevamente aparecieron los rumores de una nueva reunión, que rápidamente fue desmentida por Page.

En 2005 Led Zeppelin recibió el Grammy por su obra de vida, el único Grammy que la banda recibió. Ese mismo año un censo llevado a cabo por una radio británica determinó que “Escalera al Cielo” era la canción más solicitada.

“Miro hacia atrás y me río” dice hoy Robert Plant. “Tenía solamente 19 años cuando me bajé del avión. Es como tener a un niño y ser parte de él. La respuesta a todo eso es madurar, desarrollo y balance. Mucho de esos años era como estar en medio de un patrón de costura que no había sido terminado. No había instrucciones y las páginas se reescribían todos los días.”

http://www.radiodos.com/paginas/archivo/artistas/led_zeppelin.php

EL TEATRO DE LA VIDA

2007-09-25T23:06:00.001-06:00

La vida es una obra de teatro que no permite ensayos...
Por eso, canta, ríe, baila, llora
y vive intensamente cada momento de tu vida...
...antes que el telón baje
y la obra termine sin aplausos.

¡Hey, hey, sonríe!
más no te escondas detrás
de esa sonrisa...
Muestra aquello que eres, sin miedo.
Existen personas que sueñan
con tu sonrisa, así como yo.

¡Vive! ¡Intenta!
La vida no pasa de una tentativa.

¡Ama!
Ama por encima de todo,
ama a todo y a todos.
No cierres los ojos a la suciedad del mundo,
no ignores el hambre!

Olvida la bomba,
pero antes haz algo para combatirla,
aunque no te sientas capaz.

¡Busca!
Busca lo que hay de bueno en todo y todos.
No hagas de los defectos una distancia,
y si, una aproximación.

¡Acepta!
La vida, las personas,
haz de ellas tu razón de vivir.

¡Entiende!
Entiende a las personas que piensan diferente a ti,
no las repruebes.

¡Eh! Mira...
Mira a tu espalda, cuantos amigos...
¿Ya hiciste a alguien feliz hoy?
¿O hiciste sufrir a alguien con tu egoísmo?

¡Eh! No corras...
¿Para que tanta prisa?
Corre apenas dentro tuyo.

¡Sueña!
Pero no perjudiques a nadie y
no transformes tu sueño en fuga.

¡Cree! ¡Espera!
Siempre habrá una salida,
siempre brillará una estrella.

¡Llora! ¡Lucha!
Haz aquello que te gusta,
siente lo que hay dentro de ti.

Oye...
Escucha lo que las otras personas
tienen que decir,
es importante.

Sube...
Haz de los obstáculos escalones
para aquello que quieres alcanzar.
Mas no te olvides de aquellos
que no consiguieron subir
en la escalera de la vida.

¡Descubre!
Descubre aquello que es bueno dentro tuyo.
Procura por encima de todo ser gente,
yo también voy a intentar.

¡Hey! Tú...
ahora ve en paz.
Yo preciso decirte que... TE ADORO,
simplemente porque existes.

BRUCE LEE

2007-09-25T22:49:00.000-06:00

Bruce Lee (San Francisco, California, Estados Unidos 27 de noviembre de 1940 - † Hong Kong, 20 de julio de 1973) artista marcial, filósofo y actor chino-estadounidense. . Reconocido exponente de fama mundial y renovador de las artes marciales, dedicó su vida a esta disciplina, buscando la perfección y la verdad, fundando así el arte marcial Jeet Kune Do (JKD) o "camino del puño que intercepta".

Sus películas, entrevistas y principalmente su carisma e influencia, contagiaron y extendieron la pasión por las artes marciales por todo Occidente, generando una ola de seguidores a través de todo el mundo. Su huella aún perdura en el tiempo de tal manera que ha quedado en la historia como un ídolo a seguir.

"No te establezcas en una forma, adáptala y construye la tuya propia, y déjala crecer, sé como el agua. Vacía tu mente, se amorfo, moldeable, como el agua. Si pones agua en una taza se convierte en la taza. Si pones agua en una botella se convierte en la botella. Si la pones en una tetera se convierte en la tetera. El agua puede fluir o puede chocar. Sé agua amigo mío".

Nota: Frases pronunciadas por Bruce Lee en su última entrevista televisiva antes de su muerte, el 9 de diciembre de 1971, en el programa de televisión canadiense de Pierre Berton. Esta frase de Bruce Lee, que resume gran parte de su filosofía esencial, hace referencia al principio taoísta del Wu wei o principio de la acción natural no forzada. El Jeet Kune Do es un método de combate muy transgresor, sin posturas fijas, muy práctico y con una cantidad casi ilimitada de recursos para las situaciones de combate, con lo que se consigue adaptarse a cualquier circunstancia. La adaptación, la anticipación, el uso correcto de las fuerzas tanto propias como del contrario, son referencias que se hacen desde la famosa frase. "Be water my friend" ha llegado a ser una de las citas más famosas.

"no tener ningun camino como camino, no tener ninguna limitación como limitación".
Este puede ser uno de los resúmenes mas concretos de la filosofía que Bruce aplicó a su entrenamiento y su metodo de combate, el Jeet Kune Do.

"La clave para la inmortalidad es principalmente vivir una vida que valga la pena recordar."

"En el caos busca la simplicidad y en la discordia la armonía."

"Si crees que algo es imposible, tu lo harás imposible."

"Yo no temo al hombre que ha lanzado 10,000 patadas diferentes, yo temo al hombre que ha lanzado una patada 10,000 veces"

"Yo no te estoy enseñando nada, solo te ayudo a que te conozcas a ti mismo"

"Al infierno con las circunstancias. Creo oportunidades."

"El hombre, la criatura viva, el individuo que crea, es siempre más importante que cualquier estilo o sistema establecido."

"Un hombre sabio puede aprender más de una pregunta absurda que un tonto puede aprender de una respuesta sabia."

"Cuando hay libertad del condicionamiento mecánico, hay simplicidad. El hombre clásico es justo un paquete de rutina, de ideas y de tradición. Si sigues el patrón clásico, estás entendiendo la rutina, la tradición, la sombra no te estás entendiendo."

"Cuando el oponente se expande, yo me contraigo. Cuando él se contrae, yo me expando. Y cuando hay una oportunidad, yo no golpeo; el golpe se da por sí mismo."

"Si digo que soy bueno..alardeo. Y si digo que no soy bueno ... entonces miento."

"Si amas la vida, no pierdas el tiempo, de tiempo esta hecha la vida."

"SE AGUA MI AMIGO"

ALEX GREY

2007-09-22T04:39:00.000-06:00

Destacado artista psiquedélico, visionario, Norteamericano. En sus obras podemos observar su fascinación en temas como la muerte, representada desde sus primeros dibujos, hasta sus esculturas, pinturas y performances mas recientes.
Entre sus obras más famosas está Sacred Mirrors, serie de 21 pinturas, que llevan a los espectadores a un viaje hacia su naturaleza, examinando con lujo de detalle el cuerpo, mente y espíritu.

2007-09-22T04:01:00.001-06:00

El individuo ha luchado siempre para no ser absorbido por la tribu. Si lo intentas, a menudo estarás solo, y a veces asustado. Pero ningún precio es demasiado alto por el privilegio de ser uno mismo. Friedrich Nietzsche

2007-09-22T03:38:00.000-06:00

La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor. Kurt Cobain

JIMI HENDRIX

2007-09-21T13:04:00.000-06:00

El 18 de Septiembre de 1970 fue de los dias mas tristes de la historia de la música en general...la muerte de Jimi Hendrix...un dios de la guitarra...osea elmartes se celebro el 37 aniversario de su muerte..."el dia mas triste de tu vida aunque no hubieras nacido...."
Por eso les dejo tres diskitos...

Jimi plays Monterrey 1. "Killing Floor" (Burnett) – 3:37
2. "Foxy Lady" (Hendrix) – 3:34
3. "Like a Rolling Stone" (Dylan) – 6:50
4. "Rock Me Baby" (Josea, King) – 3:29
5. "Hey Joe" (Roberts) – 4:03
6. "Can You See Me" (Hendrix) – 2:43
7. "The Wind Cries Mary" (Hendrix) – 3:46
8. "Purple Haze" (Hendrix) – 5:06
9. "Wild Thing" (Taylor) – 7:54
LINK http://www.gigasize.com/get.php?d=mcwcl4kbo7b

AXIS OF BOLD LOVE
1. EXP
2. Up from the Skies
3. Spanish Castle Magic
4. Wait Until Tomorrow
5. Ain't No Telling
6. Little Wing
7. If 6 Was 9
8. You Got Me Floatin'
9. Castles Made of Sand
10. She's So Fine
11. One Rainy Wish
12. Little Miss Lover
13. Bold as Love
LINK http://www.gigasize.com/get.php/-1099563484/axis.bold.rar

I Woke up This Morning anf Foud Myself Dead

1 Red House (10:56)
2 Woke up This Morning and Found Myself Dead (8:01)
3 Bleeding Heart (12:25)
4 Morrison's Lament (5:14)
5 Tomorrow Never Knows (3:28)
6 Uranus Rock (3:06)
7 Outside Woman Blues (8:04)
8 Sunshine of Your Love
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VIDEOS Y FOTOS DE THE GRATEFUL DEAD

2007-09-19T17:03:00.000-06:00

IMAGENES

VIDEOS

From the Mars Hotel

Casey Jones

GRATEFUL DEAD

2007-09-19T16:29:00.000-06:00

Grateful Dead (también conocidos entre sus seguidores como "The Dead" fue un grupo de rock americano influido por la psicodelia. Creado en 1965 por integrantes de otro grupo, "Mother McCree's Uptown Jug Champions", Grateful Dead se dieron a conocer gracias a su estilo de composición único y ecléctico --que fusionaba elementos del rock, folk, bluegrass, blues, country y jazz-- y por las largas improvisaciones que realizaban en sus actuaciones.

Algunos de los fans del grupo les siguieron de concierto en concierto durante años. Estos seguidores, denominados "Deadheads" ('cabezas muertas'), fueron conocidos por su dedicación a la música del grupo.
Grateful Dead comenzaron su carrera en Palo Alto, California, con el nombre de "The Warlocks" ('Los Brujos'); nombre que tuvieron que cambiar para conseguir un contrato discográfico debido a que otra banda (como dato interesante, se trataba de la futura "The Velvet Underground" estaba ya grabando bajo ese nombre. Finalmente se trasladaron a la zona de Haight-Ashbury, en San Francisco. Muchas bandas de esta zona, como Jefferson Airplane, Big Brother & the Holding Company y Santana, llegaron a la fama nacional, dándole a San Francisco la imagen de capital de la contracultura hippie de la época. De todas estas bandas, los componentes de Grateful Dead eran los que gozaban del más alto nivel musical, incluyendo a Jerry Garcia a la guitarra y banjo, el músico de blues "Pigpen" McKernan, Phil Lesh (proveniente de la música clásica) y Bill Kreutzmann a la batería, pesadamente influída por el jazz. Grateful Dead personificaba "todos los elementos de la escena de San Francisco y llegaron, consecuentemente, a ser los representantes de la contracultura en el resto de su país".
El nombre "Grateful Dead" ('Muertos Agradecidos') fue escogido aleatoriamente de un diccionario. Algunos dicen que fue un "Funk & Wagnalls", otros un "Oxford Dictionary", pero citando la biografía de Phil Lesh (pág. 62) "...Jer (Garcia) cogió un viejo "Britannica World Language Dictionary [...](y) [...] con aquella voz élfica plateada me dijo, 'Eh, tío, qué tal the Grateful Dead?'"
Grateful Dead se convirtió en la banda residente de facto de los Merry Pranksters (Bromistas Alegres) de Ken Kesey, con su sonido primerizo altamente influenciado por los Acid Tests ('Tests de Ácido') empapados de LSD de Kesey, así como por el R&B. Sus influencias musicales variaron ampliamente basándose en la música psicodélica de la época, combinándola con blues, jazz, rock and roll y bluegrass. Estas distintas influencias fueron destiladas en un todo diverso y psicodélico que convirtió a Grateful Dead en "los padrinos pioneros del mundo de las bandas de improvisación (jambands)".

Integrantes
El líder del grupo, Jerry Garcia, era el guitarrista principal —-a pesar de que tanto el público como los medios lo veían como el 'líder' o portavoz principal de Grateful Dead, él se mostraba reacio al respecto, considerando que tanto él como los demás miembros del grupo eran participantes ecuánimes y contribuidores por igual a su creatividad y música colectiva. Jerry nació en San Francisco y creció en el distrito de Excelsior. Una de sus principales influencias en su estilo musical era el bluegrass, y García también tocaba --el banjo, su otro gran instrumento amado—- en la banda de bluegrass "Old & in Way", con el mandolinista David Grisman. Con una formación clásica, el trompetista Phil Lesh tocaba el bajo. Bob Weir, el miembro original más joven del grupo, tocaba la guitarra rítmica. Ron "Pigpen" McKernan tocaba el órgano, la armónica y también fue vocalista del grupo hasta poco antes de su muerte en 1973, a la edad de 27. Todos los miembros de Grateful Dead previamente mencionados cantaban en las canciones, a pesar de que ninguno de ellos tenía una voz particularmente fuerte o melodiosa. Bill Kreutzmann tocaba la batería, y en 1968 se le unió un segundo batería, el neoyorquino Mickey Hart, que tocaba además una amplia gama de instrumentos de percusión. Hart dejó Grateful Dead en 1971, avergonzado por la mala gestión económica de su padre, el manager Lenny Hart, y dejando a Kreutzmann nuevamente como percusionista solista. Hart volvió en 1975. Tom "TC" Constanten estuvo al teclado harpsicord junto a Pigpen desde 1968 hasta 1970. Dos años después, a finales de 1971, otro teclista se unió a Pigpen, Keith Godchaux, tocando el piano junto al Hammond B-3 de Pigpen. A principios de 1972, la esposa de Keith's, Donna Jean Godchaux, entró como corista. Keith y Donna dejaron el grupo en 1979 y Brent Mydland entró como teclista y vocalista. Keith Godchaux murió en un accidente de coche en 1980, Brent Mydland ejerció como teclista durante 11 años hasta que murió en 1990, convirtiéndose en el tercer teclista fallecido. Casi inmediatamente el teclista de The Tubes, Vince Welnick, entró como teclista y corista. Durante un año y medio, Welnick solía estar acompañado Bruce Hornsby al piano como invitado especial. Robert Hunter y John Perry Barlow fueron los principales letristas de la banda. Owsley "Bear" Stanley fue el técnico de sonido de Grateful Dead durante muchos años; y también uno de los principales proveedores de LSD.
Jerry García-Guitarra

Jerome John "Jerry" Garcia (1 de agosto 1942 - 9 de agosto 1995) fue un músico estadounidense, líder de Grateful Dead, grupo de rock influido por la psicodelia, fundado en San Francisco en 1965 y que durante décadas ha representado para muchos de sus fans un ejemplo auténtico de banda alternativa, en activo al margen de los intereses que priman en la industria musical. Grateful Dead fue un grupo alineado con un estilo de vida que huía del sometimiento a convencionalismos sociales o doctrinas éticas y políticas susceptibles de limitar la libertad del individuo.
Nacido en la misma ciudad de San Francisco, Jerry era nieto de Manuel "Papuella” Garcia, un español emigrado a los Estados Unidos que trabajó en ese país como electricista, e hijo de Jose o Joe Garcia, musico de jazz que decidió bautizarlo con el nombre de pila de Jerome Kern, compositor de Broadway.
Jerry Garcia se convirtió en su país en una figura emblemática de la contracultura liberal de los años sesenta.
Jerry Garcia murió días después de cumpir 53 años, de un ataque al corazón en el transcurso de una estancia en el centro de rehabilitación para toxicómanos, "Serenity Knolls", en el condado de Marin, California.

Giras
Grateful Dead son muy conocidos por sus constantes giras a lo largo de su extensa trayectoria musical. Promovían el sentimiento de comunidad entre sus fans, conocidos como Deadheads, muchos de los cuáles seguían sus giras durante meses e incluso años. En los primeros años, la banda se comprometió también con su comunidad, la zona de Haight-Ashbury en San Francisco, proporcionando comida, alojamiento, música y atención médica gratuitos a todos sus contendientes; ellos fueron los "primeros en entregarse de forma altruista a la cultura hippie, ofreciendo 'más conciertos gratuitos que ninguna otra banda en la historia de la música'".
Con la excepción de 1975, período durante el cuál la banda estuvo en "hiato" y actuó solamente en cuatro ocasiones, Grateful Dead dieron giras regularmente por Estados Unidos desde invierno de 1965 hasta el 9 de julio de 1995, con unas cuantas visitas a Canadá, Europa y tres noches en la Gran Pirámide de Giza de Egipto en 1978. (También apareció en el legendario Monterey Pop Festival en 1967 y en el todavía más famoso Woodstock Festival en 1969; su concierto con mayor audiencia fue en 1973, junto con The Allman Brothers Band y The Band, ante 600.000 personas estimadas en el Summer Jam at Watkins Glen).
Sus numerosos álbumes de estudio se componen generalmente de canciones nuevas que habían tocado previamente en directo. La banda era famosa por sus jams prolongadas, que congregaban tanto improvisación individual como una distintiva improvisación con "mentalidad de grupo", donde cada uno de los miembros improvisaba individualmente, a la par que se mezclaba con una unidad musical cohesionada, a menudo desencadenando vuelos de improvisacionalidad extravagante. Un sello propio de sus directos eran los sets de música continuos, en los cuáles cada canción terminaba mezclándose con la siguiente (un segue). Musicalmente esto se podría ilustrar como si la banda no sólo improvisara con la forma de una canción concreta, sino que además lo hiciera con la forma global.

Pared de sonido
El pared de sonido (Wall of Sound) era un enorme sistema de sonido diseñado específicamente para Grateful Dead. El grupo nunca quedaba satisfecho con los sistemas propios de los locales donde tocaban, entre ellos el prestigioso "Fillmore East" manejado por Bill Graham; así que en sus inicios, el técnico de sonido Owsley "Bear" Stanley les diseñó una PA y un sistema de monitoraje. Los sistemas de sonido de Stanley eran delicados y remilgados, teniendo que detener conciertos frecuentemente debido a causas técnicas. Tras la encarceración de Stanley por producción de LSD en 1970, el grupo volvió a utilizar durante un breve tiempo PA's locales, hasta que les parecieron menos fiables aún que los sistemas concebidos por su técnico. En 1971 compraron a Alembic Inc Studios su primer sistema de sónido sólido. A raíz de esto, Alembic jugaría un rol integral en la investigación, desarrollo y producción del muro de sonido. El grupo también contrató a Dan Healy aquel año en lo que sería un cambio hacia una base permanente; Healy era mucho mejor ingeniero que Stanley y continuó mezclando los directos de Grateful Dead hasta 1993.
La razón que llevó al desarrollo del muro de sonido era conseguir un sistema de sonido libre de distorsión que funcionara al mismo tiempo como sistema de monitoraje. Tras la liberación de Stanley de la prisión a finales de 1972, éste, junto con Dan Healey, Mark Raizene del personal de sonido de Grateful Dead, y Ron Wickersham, Rick Turner y John Curl de Alembic Inc lo consiguieron combinando once sistemas de sonido independientes. Voces, guitarra solista, guitarra rítmica y piano disponían de su propio canal y conjunto de altavoces. El bajo de Phil Lesh era cuadrafónico, con cada una de sus cuerdas asignada a un canal y conjunto de altavoces propio. Un canal amplificaba el bombo, y dos más amplificaban el resto de la batería en estéreo. Debido a que cada altavoz emitía el sonido de sólo un instrumento o voz, el sonido era excepcionalmente claro y no se producía distorsión por intermodulación de instrumentos.
El muro de sonido fue diseñado para servir como sistema de monitoraje propio, y consecuentemente se montaba detrás del grupo, de forma que sus miembros puedieran escuchar exactamente lo mismo que escuchaba la audiencia. Debido a esto, se tuvo que diseñar un sistema especial de microfonía para evitar el feedback. Dead utilizaba agrupaciones de pares de micrófonos condensadores separados 60 mm entre ellos y desincronizados. El cantante cantaba en el micrófono más alto, y el bajo captaba cualquier otro sonido presente en el entorno. Las señales se sumaban, y se cancelaba el sonido que era común a ambos micros (el sonido del muro), amplificando sólo las voces.
El Muro de Sonido empleaba 89 amplificadores sólidos de 300 Watios y tres a válvulas de 350 Wattios para generar un total de 26.400 Watios RMS de potencia. Era capaz de producir sonido audible a un cuarto de milla y un sonido excelente hasta los 600 p, distancia a partir de la cuál se empezaba a distorsionar a causa del viento. Fue el sistema de sonido portable más grande jamás construido (aunque "portable" es un término relativo). Se necesitaban cuatro camiones y 21 miembros del personal para transportar y ensamblar el muro de 75 de toneladas.
Aunque el montaje inicial y una especificación rudimentaria del sistema se desarrollaron en febrero de 1973, Grateful Dead no empezó a dar giras con el sistema completo hasta un año después, en 1974. El muro de sonido era muy eficiente para su época, pero tenía sus inconvenientes, además de un tamaño exagerado. El teclista Ned Lagin, que estuvo de gira con el grupo durante 1974, nunca dispuso de una entrada exclusiva en el sistema, viéndose forzado a utilizar el subsistema de voces como amplificación. Como el sistema de voces se modificaba a menudo, muchas de las partes de Lagin se perdían en las mezclas. El formato cuadrafónico del Muro nunca se registró correctamente a las cintas de grabación de ese período, quedando el sonido comprimido en un formato estéreo poco natural.
El elevado coste de combustible y personal, así como las fricciones con muchos miembros del personal (y parásitos asociados), contribuyeron al "retiro" de la banda en 1974. El Muro de Sonido fue desmontado, y cuando Dead volvieron de gira en 1976, lo hicieron con un sistema de sonido más práctico en cuanto a logística.

Grateful Dead "Wall of Sound" using JBL D130's

Steal Your Face
Citando las palabras de Owsley Stanley:
"En 1969 tenían alquilado un almacén en Novato, California. Por aquél entonces, yo era técnico de sonido de la banda, y vivía en Oakland. Bob Thomas, un viejo amigo mío, se había trasladado recientemente desde Los Ángeles a la zona de la bahía y necesitaba un lugar donde quedarse, y nosotros necesitábamos a alguien que vigilara el almacén, que había tenido algún problema de pillaje."
"Bob era un artista gráfico soberbio cuyo trabajo resulta ahora familiar a la mayoría de Deadheads plasmado en la portada del álbum Live Dead y la de Bear's Choice, en la cuál aparecían los populares Osos Danzantes."
"Por aquél entonces los Dead tenían que tocar en muchos festivales en los cuáles el equipo se guardaba desordenado detrás del escenario. Como cada grupo utilizaba el mismo tipo de equipo, todo parecía igual. Pasábamos mucho tiempo removiendo las piezas para poder leer los nombres de las cajas. Decidí que necesitábamos alguna especie de marca que pudiéramos identificar a distancia."
"Tenía la costumbre de conducir de Oakland a Novato en un pequeño MGTF que tenía cortinas laterales de plástico, no muy transparentes debido a la edad del plástico. Un día que llovía, miré hacia afuera y vi un signo en la autopista que era un círculo con una barra blanca atravesándolo, la parte superior del círculo era naranja y la inferior azul. No podía leer el nombre de la marca, así que me fijé sólo en la forma. Se me ocurrió una cosa: Si el naranja fuera rojo y la barra a lo largo un relámpago cortando el círculo en ángulo, obtendríamos una marca bonita, única y fácilmente identificable para poner en el equipo."
"En el almacén le conté a Bob la idea que tuve, e hizo un esbozo rápido. Un amigo mutuo, Ernie Fischbach, que estaba de visita junto a Bob, dijo "Dejámelo a mí, te enseñaré una forma de ponerlo en las cajas". Acto seguido empezó a cortar agujeros en un par de plantillas de papel. Un agujero era circular, de aproximadamente 5 pulgadas y media de diámetro, y el otro era un semicírculo de 5 pulgadas de diámetro. Pero era medio círculo con el borde mellado. Entonces aguantó la plantilla sobre un ampli y lo roció con spray de pintura blanca. Luego con una cara hacia arriba, pintó el semicírculo rojo sobre la pintura blanca seca y tras acabar con el rojo y girar la plantilla hacia abajo, aplicó el azul. Esta fue la primera versión, y la pusimos en todo nuestro equipo. Nos ayudaba a encontrar más fácilmente nuestro material entre todo el meollo. Todavía conservo una vieja caja de herramientas con una de las plantillas."
"Unos días después estuve hablando con Bob y le sugerí que quizás se podrían poner las palabras "Grateful dead" bajo el círculo, usando un tipo de letra que pareciera una calavera a cierta distancia (supongo que estaba influenciado por demasiados pósters de la época). En cualquier caso, al cabo de unas horas volvió del loft con el diseño que todos conocemos y amamos."

Deadheads
Muchos de sus fans, comúnmente conocidos como Deadheads (Cabezasmuertas), seguían las giras de la banda. A diferencia de muchos otros grupos, Grateful Dead animaban a sus fans a grabar sus conciertos. Durante muchos años, casi todas sus actuaciones tenían secciones dedicadas a la grabación. La banda permitía que las grabaciones de sus conciertos se compartieran, siempre y cuando no se obtuvieran beneficios vendiéndolas. En los años 80, el grupo llegó al top 40 con la canción "Touch of Grey" (del álbum In the Dark), captando nuevos fans mucho más jóvenes y típicos a los que se consideraba muy distintos a los Deadheads tradicionales. Los fans más asentados denominaron a estos nuevos seguidores "Touchheads", en referencia a su relativa inexperiencia con el grupo. A finales de los 80 y durante los 90 Grateful Dead atrajeron a tantos nuevos seguidores que muchos de los antiguos Deadheads empezaron a dudar si la gente iba a los conciertos para ver al grupo, o simplemente para formar parte de la atmosfera. Cualesquiera que fueran sus diferencias, los Deadheads son considerados a menudo como los fans más devotos en el mundo del rock.
La zona de aparcamiento de un concierto de Grateful Dead era una parte importante del concierto en sí. Se podían encontrar objetos en venta en muchos de los coches aparcados, desde sandwiches de queso fundido hasta brebajes "especiales" y globos nitrosos. (Algunos deadheads se financiaban las giras vendiendo estos objetos.) Los asistentes al concierto se congregaban normalmente en el aparcamiento horas antes de la actuación, tocando la guitarra y tomando drogas. Después de un concierto, un deadhead podría hacerse fácilmente con un sandwich de queso fundido cocinado en la puerta de una furgoneta VW con una estufa de camping por un hippie amistoso.

Conciertos editados
Desde 1991, Grateful Dead editaron numerosas actuaciones en directo de sus archivos, en dos series concurrentes: la serie From the Vault son remezclas multipista, mientras que la serie Dick's Picks (que debe su nombre al último archivista de la banda, Dick Latvala) está basada en remezclas de dos pistas tomadas en tiempo de grabación. Ha habido por lo menos 36 publicaciones de las series Dick's Picks (hasta Noviembre de 2005). Se publicó una serie de videos aparte, iniciada con View From the Vault (grabado en Pittsburgh el 8 de julio de 1990 en el Rivers Stadium) y View From the Vault II (grabado en Washington, D.C. el 14 de junio de 1991 en el RFK Stadium); estas publicaciones vienen acompañadas de la edición simultánea equivalente en CD. Las tres series continúan publicándose actualmente.
En verano de 2005 Dead empezaron a ofrecer versiones descargables de ambas series de directos, y una nueva serie exclusivamente a través de Internet, The Grateful Dead Download Series, que sólo está disponible a través de su propia GDStore.com (que ofrece los álbums tanto en ficheros mp3 a 256 Kbps como en FLAC --un estándar de audio preferido por aquellos que coleccionan Dead y otras compilaciones de directos hechas por fans en Internet) e iTunes Music Store (que los ofrece a 128 Kbps en formato AAC). Estos álbums de venta exclusiva en Internet han alcanzado el mismo éxito que sus equivalentes en CD.
En noviembre de 2005, los managers de Dead indignaron a sus fans cuando solicitaron a los operadores del popular Internet Archive (archive.org) que dejaran de publicar descargas de sus conciertos, y ofrecieran en su lugar únicamente grabaciones en streamcast. El portavoz del grupo, Dennis McNally, afirmó que tal repositorio "no representa los valores de Grateful Dead" ya que no fomentaba las conexiones "uno a uno" entre fans. De todos modos, David Gans, anfitrión del programa de radio "The Grateful Dead Hour", especula que la banda está motivada por el dinero, remarcando que "cuando estaban ganando 50 millones de dólares al año en la carretera, no había demasiada presión para beneficiarse de sus archivos".
La eliminación de los conciertos de Dead de Archive.org generó una tormenta de protestas, además de un boicot al resto de productos comerciales de la banda que se difundió rápidamente. Varios días tras el anuncio de que todos los conciertos habían sido eliminados, Brewster Kahle de Archive. Org anunció de forma críptica que las grabaciones en directo del público volverían a estar disponibles, pero que las denominadas "board tapes" (grabaciones de mesa) sólo estarían disponibles a través de streaming audio. Kahle afirmó que todo había sido un "malentendido", pero John Perry Barlow, uno de los letristas del grupo, afirmó que los conciertos habían sido restaurados después de que varios miembros del grupo replantearan su postura anterior al darse cuenta de que habían creado una "catástrofe" de sus relaciones de públicas.

Historia
Grateful Dead se formó en la época en la que grupos como los Beatles y los Rolling Stones dominaban el panorama musical. La estrella consolidada de la escena de folk Bob Dylan había editado recientemente un par de grabaciones de instrumentación eléctrica. Los componentes de Grateful Dead han mencionado que fue tras acudir a un concierto del grupo neoyorkino de "folk-rock" The Lovin' Spoonful que decidieron "pasarse a la eléctrica". Gradualmente, muchos de los músicos de folk de la costa este americana, se estaban decantando hacia la eléctrica. Era natural que Jerry Garcia y Bob Weir, que estuvieron inmersos en el revival de la música folk americana de finales de los 50 y principios de los 60, estuvieran abiertos a las guitarras eléctricas. Pero la música de Dead era también distinta en esnecia de la de grupos como Dylan o los Spoonful, en parte porque su socio musical Phil Lesh procedía de un entorno de escuela clásica y electrónica, mientras que Ron "Pigpen" McKernan era un profundo amante incondicional del blues y el batería Bill Kreutzmann procedía del jazz. Escuchando su primer LP (The Grateful Dead, Warner Brothers, 1967), se percibe que fue grabado sólo unos años después de la moda de la "surfing music", en la cuál el sonido del rock de California se rezumaba.
La música primeriza de Grateful Dead (a mediados de los 60) fue parte del proceso del establecimiento de lo que fue la "música psicodélica", pero la suya era en esencia una versión "callejera" de ésta. Esto era natural, puesto que tocaban en fiestas psicodélicas, eventos en parques al aire libre, y fiestas privadas en Haight-Ashbury. Dead no tendían a encajar su música en un estilo determinado como el pop, rock, blues, folk rock o country/western. Melodías individuales de entre su repertorio podrían identificarse bajo uno de estos sellos estilísticos, pero en conjunto su música se inspiró en todos estos géneros y más, con frecuencia mezclando varios de éstos. A menudo (tanto en directo como en grabaciones) Dead dejaban lugar a escapadas musicales exploratorias, espaciales -una forma de psicodelia que estaría a medio camino entre extraña y exóticamente bella. Muchos entendidos creen que el auténtico espíritu de Grateful Dead no solía quedar bien captado en estudio.
Las grabaciones más antiguas reflejaban el repertorio en directo de Dead --jams instrumentales largas con solos de guitarra de Garcia, ejemplificadas perfectamente en "Dark Star"-- pero en ausencia de la energía de las actuaciones, no obtuvieron muchas ventas. El álbum en directo Live/Dead de 1969 capturó más de su esencia, pero el éxito comercial no les llegó hasta Workingman's Dead y American Beauty, ambos publicados en 1970. Estas grabaciones ofrecían más respaldo acústico y estructuras de canciones tradicionales.

La diferencia entre Grateful Dead y otras bandas es su relación con su público [...] Grateful Dead no eran sólo los músicos, también el público era Grateful Dead afirma Dennis McNally, autor de A long strange trip: the inside history of The Grateful Dead.
Grateful Dead nace en 1965 de la mano de Jerry García, quien ya había participado en proyectos musicales como Mother McCree's Up town Jug Champions y The Warlocks. García tomó el nombre del libro de los muertos, un conjunto de textos relativos a la vida después de la muerte que se introducía en el interior de los sarcófagos egipcios, en el que aparece la frase In the land of the night the Ship of the Sun is draw by the Grateful Dead. Los Grateful Dead fueron precursores de las actuales raves con sus famosas Acid Test, grandes concentraciones de personas que acudían a ver un espectáculo no sólo musical, sino de luces, colorido y otros efectos visuales que se solían acompañar con ácido lisérgico (LSD) produciendo unos viajes psiconáuticos que todavía recuerdan quienes vivieron esas fiestas.
Pero no era el ácido el principal punto de unión: los conciertos eran constantes y la capacidad del grupo para generar ambientes, para transmitir un estilo de vida, dio pie a la aparición de los Deadheads, nombre de sus fans y sinónimo de la contracultura californiana. El grupo sabía mimarlos creando canciones improvisadas en sus conciertos, algunas de estas canciones duraban más de 30 minutos. En 1974, crearon la revista Dead Relix, posteriormente pasó a llamarse Relix, cuya principal misión era poner en contacto a los Deadheads para que intercambiasen cintas de actuaciones. Los Grateful Dead siempre pensaron que su música era libre y podía ser libremente intercambiada por sus seguidores. Esta defensa de la libertad del conocimiento dio lugar a la creación de la fundación Rex. Era, de alguna manera, el primer P2P musical. Analógico y casero, pero abría un cambio cultural importante: la música comenzaba a organizarse también como una enredadera. Pero los Grateful Dead, no sólo serán precusores de las redes de intercambio e, incluso de las raves. Las primeras comunidades virtuales, organizadas sobre BBSs, serán terreno deadhead. Entre ellas la más famosa de todas: The Well.
Sin embargo no sería hasta 1990 cuando la cultura deadhead daría su fruto más duradero. John Perry Barlow, letrista de Grateful Dead desde 1970, fundaba la Electronic Frontier Foundation (la Fundación Fronteras Electrónicas), la EFF, la primera organización de derechos civiles en el ciberespacio. La primera organización política de la enredadera electrónica.
La historia épica fue glosada en un famoso libro electrónico por Bruce Sterling, el padre del ciberpunk. Todo empezó cuando un hacker, que firmaba como NuPrometheus, robó una parte esencial del código fuente del Color QuickDraw de Apple y esta firma, junto a otras como AT&T, Bellcore o US West puso una denuncia a la FBI. Los federales respondieron con Sun Devil la primera operación de acoso a hackers y crackers en gran escala, que tuvo lugar entre el 7 y 8 de mayo de 1990.
Barlow era un asiduo de The Well (The Whole Earth 'Lectronic Link, Enlace 'Lectrónico -sic- de Toda la Tierra), una BBS de The Point Foundation, una fundación creada por el millonario libertario Steward Brand (creador de la Hackers Conference y ubicada en San Francisco, que hospedaba cientos de foros de los más variados temas: política, religión, drogas, espiritualidad... Por su activismo en The Well, su condición de rockero, el desconocimiento del FBI y las ganas de algunas empresas de encontrar cabezas de turco, Barlow, como una treintena de personas más, fue investigado en la operación Sun Devil.
Colaborando con el FBI, proclamando su inocencia, explicándoles las maravillas de la red y de The Well descubrió que todos los hackers y gran parte de The Well eran objetivos de la cacería gubernamental. Si un rockero era investigado, a saber qué podían hacer con otros hackers... y de qué se les va a acusar. Barlow escribió todas sus experiencias con el FBI y sus dudas, conclusiones y miedos en The Well. El post tuvo una rápida difusión en el mundillo alternativo electrónico, abriendo un debate al que se pronto se uniría Mitch Kapor, el mítico creador del Lotus 1,2,3 y famoso deadhead. En junio ambos se reunirían en el rancho de Barlow en Wyoming, el estado donde éste había sido candidato por el ala libertaria del Partido Republicano para escribir Crime & Puzzlement (Crimen y Confusión). Un manifiesto que anuncia la intención de crear una fundación que defienda los derechos civiles de la red. Obviamente, Barlow publicó el manifiesto en The Well y gran parte de los wellbeings, los asiduos a The Well, lo leyeron. El mundillo deadhead, californiano y libertario, se ponía en marcha fustigado por la incesante agitación de Barlow.
Mitch Kapor era un personaje destacado de la contracultura tecnológica. Influido por el misticismo oriental, había pasado varios años en India y Nepal, miembro del proyecto Long Now Foundation, una organización que pretendía alterar nuestra percepción del tiempo hacia una concepción a medio camino entre la del hackerismo y la de los gurus del yoga. A la vuelta de sus viajes y como primer contacto con la programación había escribito Lotus 1-2-3. Poco después fundaba Lotus Development Corp., la empresa que revolucionó la informática en los 80 con el concepto de groupware, programas que permitían a grupos de personas trabajar juntas usando máquinas distintas conectadas en red. Los primeros programas comerciales en utilizar criptografía asimétrica. Kapor, que hoy se dedica a la filantropía, la inversión en proyectos de red y a desarrollar personalmente software libre, era el más típico brote californiano de la enredadera.
Poco después, Kapor y Barlow se reunieron con más personas interesadas en crear la fundación en San Francisco. Entre ellos estaban Stewart Brand, John Gilmore, Jaron Lanier, Chuck Blanchard y Nat Goldhaber. Todos ellos representaban el espíritu hacker y contracultural del San Francisco de los albores del ciberpunk. Gilmore no sólo es uno de los periodistas tecnológicos más conocidos, también fue el creador de Cypherpunks, el primer grupo organizado para defender la libertad de uso del cifrado y fue uno de los fundadores de los grupos de noticias alt.*. Jaron Lanier y Blanchard son dos grandes de la realidad virtual. De hecho fue Lanier quien, en 1982, acuñó el término realidad virtual y quien creó el primer guante interactivo. Goldhaber es un empresario tecnológico de primera hornada californiana (fundador de Cybergold y otras). Todos rama y raiz de la enredadera electrónica. En ese encuentro decidieron que el nombre de la fundación sería Fronteras Electrónicas. Un nombre nada inocente que recogía la tradición de la conquista del Oeste (el mito libertario americano del país sin estado), ironizaba sobre la nueva frontera de Kennedy y al tiempo definía el mundo creado por las comunicaciones telemáticas como un territorio, un espacio de relación todavía libre de la ingerencia estatal: el ciberespacio, termino tomado del novelista ciberpunk William Gibson que Barlow haría parte del lenguaje común.
Este espíritu libertario, ciberpunk, enfrentado a la expansión del estado y el poder de las corporaciones y los monopolios en el nuevo mundo, no ha dejado de informar la historia de la Fundación. Tras defender a los pioneros del ciberespacio y también a intrusistas de los abusos de las nuevas fuerzas del orden del ciberespacio, la EFF pone e marcha 1997 la campaña Blue Ribbon (el famoso lazo azul) por la libertad de expresión en la red. También ha defendido a hackers como Dmitry Sklyarov o Jon Johansen. Skyarov impartió una conferencia en la que explicaba cómo romper las trampas que Adobe imponía a sus e-Books para que no pudiesen distribuirse. Adobe, en lugar de arreglar su software, criminalizó a Dmitry Sklyarov. Johansen, es el creador del DecCSS, un programa que permite ver DVDs bajo GNU-Linux decodificando la encritación que hacía privativo el uso del estándard a las firmas asociadas a sus creadores. Un primer asalto a la todopoderosa RIAA que pronto se vería enfrentada también en su intento de ilegalizar los programas P2P. Fronteras Electrónicas es hoy el principal agente público a favor de la libre distribución del arte (música, literatura...) como ya hiciese The Rex Foundation en su momento.
En 1996, en Davos, en los días del Foro Económico Mundial, cuando se reunían los representantes de los grandes gobiernos y empresas del mundo, Barlow hizo pública su famosa Declaración de independencia del ciberespacio. Comenzaba diciendo: Gobiernos del Mundo Industrial, vosotros, cansados gigantes de carne y acero, vengo del Ciberespacio, el nuevo hogar de la Mente. En nombre del futuro, os pido en el pasado que nos dejéis en paz. No sois bienvenidos entre nosotros. No ejercéis ninguna soberanía sobre el lugar donde nos reunimos. No hemos elegido ningún gobierno, ni pretendemos tenerlo, así que me dirijo a vosotros sin mas autoridad que aquella con la que la libertad siempre habla.. La enredadera tomaba su primera voz política global.

Jerry García
Jerry García, fundador de una de las más queridas y transcendentales bandas del rock, se nos fue un 9 de agosto de 1995 a los 53 años. Un ataque al corazón calló para siempre su voz y su guitarra. Imágenes inolvidables las de Jerry en algunas secuencias de la película que capturó el Festival de Woodstock. Junto a Bob Weir en la guitarra rítmica, Ron “Pigpen” McKernan en órgano y harmónica, Phil Lesh en el bajo y Bill Kreutzmann en la batería, formó un grupo sólido, contundente, con estilo y sobre todo original: Grateful Dead
García, nacido el 1 de agosto de 1942 en San Francisco, California y bautizado como Jerome John García, era hijo del director de una Big Band en los años 30 y había servido en la Armada en 1959.McKernan había estado con García en un grupo llamado The Zodiacs, el cual también incluyó al futuro baterista Kreutzmann, Weir cuyo nombre verdadero era Robert Hall, Tom Stone, Robert Hunter, Marshall Leicester, David Parker y Bob Matthews, todos veteranos de varios grupos de folk, bluegrass y blues del norte de California, incluyendo The Wildwood Boys, the Blackmountain Boys and The Hart Valley Drifters. Se juntaron en Palo Alto, con el nombre de Mother McCree’s Uptown Jug Champions (NdeR: ¡qué nombrecitos!). Matthews y Parker permanecerían como parte de la “familia” Grateful Dead como sonidista y contador respectivamente.
En abril de 1965 se producen algunos cambios y el grupo resurge con el nombre de Warlocks (nombre tomado de una oración egipcia que García descubrió en un diccionario) con García, McKernan y Weir, junto a Kreutzmann y el bajista Dana Morgan Jr. Tocan temas de Rolling Stones y números del Rhythm & Blues en bares del área de la bahía. Recién en noviembre de ese año el grupo es rebautizado como The Grateful Dead (habían considerado el nombre The Emergency Crew). Su primera tocada fue junto a Jefferson Airplane y The Mothers of Invention en la noche de apertura del legendario local Fillmore de Bill Graham, sede de San Francisco (también abrió uno en Nueva York, por eso lo de Fillmore East y Fillmore West).
Kent Kesey, autor de la famosa novela One Flew over the cuckoo’s nest (traducida como “Atrapado sin salida” y llevada al cine con mucho éxito con la brillante actuación que consagró al gran Jack Nicholson), fue quien inició a los integrantes de la banda en el desconocido y peligroso mundo del ácido, pues, como investigador, realizó una serie de experimentos públicos con el entonces legal alucinógeno LSD.
La experiencia transformó profundamente la música del grupo, cambiándolos al uso de altísimo volumen. Sus seguidores, de fanáticos de R&B, pasaron a ser miembros de la nueva cultura de la droga. Los Grateful Dead encontraron un benefactor financiero en el químico Owsley Stanley, un fabricante al por mayor de LSD, quien les diseñó el mejor sistema de amplificación jamás construido. El diseñador del sonido Rick Griffin también se involucró con la banda.
Los años siguientes fueron de intensa búsqueda y cambios permanentes que con el correr del tiempo los transformaron en uno de los grupos trascendentales en la historia del rock… hasta llegar al trágico 9 de agosto de 1995, día en el que Jerry García es hallado muerto en su habitación del centro de tratamiento antidrogas Serenity Knolls en California.
García es declarado muerto a las 4.23 a.m. luego de que una enfermera y un paramédico fallaran en su intento por reanimarlo con el CPR (resucitador). El reporte del forense indicó que García probablemente usó heroína el día anterior a su deceso, aunque la causa oficial de fallecimiento es un ataque al corazón causado por endurecimiento de las arterias. El alcalde de San Francisco de ese entonces, Frank Jordan, ordenó poner las banderas a media asta y la bandera de la banda se instaló temporalmente en el municipio. Bob Dylan dijo entonces: “No hay manera de reparar la pérdida. Solo nos queda un profundo dolor”.
Entre 1990 y 1995 Grateful Dead había ganado 226.4 millones de dólares por concepto de venta de entradas para sus conciertos, y la corporación de la banda llegó a 50 millones de dólares al año. Descansa en paz, Jerry.

SE REPITE LA HISTORIA?

2007-09-19T16:00:00.000-06:00

"Cuidado con el líder que hace sonar los tambores de guerra con el fin de lanzar a la ciudadanía al fervor patriótico,
pues el patriotismo es en realidad una espada de doble filo. Hace que hierva la sangre, así como cierra la mente.
Y cuando los tambores de la guerra hayan alcanzado su tono más alto, y la sangre hierva con odio y la mente se haya
cerrado, el líder no necesitará apoderarse de los derechos de la ciudadanía. Más bien, la ciudadanía, llena de miedo
y cegada de patriotismo renunciará a todos sus derechos ofreciéndolos con alegria. ¿Cómo lo sé? Porque es lo que yo
he hecho. Y yo soy César".

Shakespeare

fuente http://www.mundoimg.com/imagenes/otros/51651_mundoimg__ceasar.gif

2007-09-15T20:50:00.000-06:00

"Estos Norteamericanos son tan, pero tan capitalistas... que algun dia ...nos van a vender la soga para que los ahorquemos" LENIN

BIG BROTHER IS WATCHING YOU!

2007-09-15T20:26:00.000-06:00

Un video interesante y hasta escalofriante...google is watching you...

http://masterplanthemovie.com/

2007-09-09T07:27:00.000-06:00

“De todas las suposiciones absurdas de la humanidad, nada supera las criticas a los hábitos de los pobres hechas por quienes tienen buena casa, buen abrigo y buen alimento”. Herman Melville

2007-09-08T22:15:00.000-06:00

“Los animales salvajes nunca matan por deporte. el hombre es el único para quien la tortura y la muerte del projimo son divertidas en sí mismas”. James Anthony Froude

2007-09-08T22:09:00.000-06:00

“Vive como si fueras a morir mañana, aprende como si fueras a vivir para siempre”.
Gandhi

THE SEVERED GARDEN AN AMERICAN PRAYER

2007-09-08T16:14:00.000-06:00

Wow I'm sick of doubt
Live in the light of certain
South
Cruel Bindings
The servants have the power
dog-men & their mean women
pulling poor blankets over our sailors
I'm sick of dour faces
Staring at me from the T.V. Tower.
I want roses in my garden bower, dig?
Royal babies, rubies
must now replace aborted
Strangers in the mud
These mutants, blood-meal
For the plant that's plowed

They are waiting to take us
into The Severed Garden

Do you know how pale and wanton thrillful
comes death on a strange hour unannounced,
unplanned for like scaring over-friendly
guest you've Brought to bed
Death makes angels of us all
& gives us wings
where we once had shoulders
smooth as raven's claws
No more money, no more fancy dress
This other kingdom seems by far the best
Until it's other jaw reveals incest
I will not go
Prefer a Feast of Friends
To the Giant Family

MORRISON IMPROVISANDO UNA ODA A NIETZSCHE

2007-09-08T16:00:00.000-06:00

CHARLES MANSON

2007-09-08T15:52:00.000-06:00

Habiendo pasado la mayor parte de su vida tras las rejas, Charles Milles Manson (12/11/1934, Cincinnati, Ohio-EEUU) es uno de los criminales más controvertidos e interesantes de la historia reciente americana.

Hasta los 8 años vive con una tía suya, religiosa y fanática, que adoctrina al joven Charlie en la ‘fe’. Hasta la fecha, su madre biológica había estado recluída en prisión por robo y agresión y al salir de la cárcel, alcoholizada, se hace cargo de su hijo viviendo de ciudad en ciudad. Tras independizarse de su madre (atracando una tienda consigue reunir el suficiente dinero como para poder escapar del ‘dulce hogar’) y con apenas 14 años es detenido por primera vez. A partir de entonces sus entradas y salidas de los centros penitenciarios es constante y al cumplir la mayoría de edad ya arrastra diversas condenas por violación (a un compañero), agresiones y fugas. En 1955 se casa con una enfermera de 17 años y con ella tiene sus primeras relaciones heterosexuales, dando como fruto un vástago. Tres años más tarde se divorcian y en 1959 se casa con una prostituta para evitar que la mujer declare en su contra en otro juicio. De este matrimonio nace su segundo hijo pero Manson no puede evitar ir a parar a la cárcel. Allí empieza a interesarse por la cultura oriental, el budismo, y la Iglesia de la Cienciología. También en este periodo aprende a tocar la guitarra de la mano de Alvin Karpis, un presidiario y compinche de la banda de Ma Barker.

En 1967 sale de la cárcel, donde ha estado encerrado desde 1960, y se traslada a la Coste Este atraído por el estilo de vida hippy. Conduciendo un viejo autobús, Manson se recorre todas las comunas jipis que se encuentra por el camino reclutando jovencitas que a la postre pasarían a formar parte de la Familia Manson. En verano de 1968 se cruza en su camino Dennis Wilson (Beach Boys), quien había recogido en un par de ocasiones a dos chicas del ‘clan’ haciendo autostop. Finalmente, Dennis invita a las jovenes a pasar la velada con él y a la mañana siguiente la Familia Manson al completo ya se había instalado en la mansión que el batería de los Beach Boys tenía en Sunset Boulevard. Receloso al principio, Dennis termina congeniando con Charles Manson e incluso se siente atraído por su música. Es más, los Beach Boys llegaron a grabar un tema de Manson para su disco 20/20. La canción, Cease to Exist, sería rebautizada como Never learn not to Love, aunque el tema original aparecería años más tarde en el disco de Manson ‘Lie: the love and terror Cult’. Dennis Wilson hace todo lo que está en su mano para ayudar, musicalmente, a Manson y lo lleva a estudios de grabación, le presenta a gente de la industria,… pero el resultado de esas grabaciones no convencen a nadie. Las composiciones del ‘folksinger’ son demasiado oscuras para la ‘era de acuario’. Manson comienza a dar muestras de su personalidad violenta y tras dejar en números rojos al ‘beach boy’, éste decide abandonar su propia casa dejando allí a la ‘familia’. Sin un protector que les suministre efectivo y unas chicas con demasiado poco pecho para ejercer de strippers, la familia Manson se dedica a pequeños hurtos y atracos y vuelven a la carretera. Finalmente se instalan en un rancho donde el arrendatario se cobra en carne (de las jovencitas) el alquiler de la vivienda.

Es aquí donde Charles Manson comienza a elaborar su macabro plan de dominación mundial, al que él llama Helter Skelter. El clan al completo pasan las horas encerrados en la casa tomando LSD y escuchando el White Album de los Beatles (de ahí lo de Helter Skelter) y haciendo ‘trabajitos’ para subsistir. Sin embargo, para los planes que Manson está dando forma necesitan mucho más dinero (armas, coches de huída,…) y deciden recurrir a un viejo conocido, el profesor Gary Hinman que recientemente había recibido una suculenta herencia. El 25 de Julio de 1969, tres miembros del clan se presentan en casa de Hinman para sacarle todo el dinero, pero éste se niega… una llamada a ‘papá’ Manson y con una orden suya Hinman es cadáver.
De acuerdo con las lecciones impartidas a sus discípulos, éstos escriben en la escena del crimen ‘political piggie’ (de nuevo el White Album) y dibujan en las paredes con la propia sangre de Hinman una especie de garra al más puro estilo de los ‘panteras negras’.

El plan de Manson en sí, además de inverosímil y fantasioso, es racista. En su maltrecha cocorota dan vueltas un cúmulo de ideas que en una mente perturbada como la suya pueden hacer estragos… mezcla el Apocalipsis, Nietsche, nazismo, y el White Album de los Beatles. Su idea de dominación parte de una supuesta guerra entre la comunidad negra y la blanca aprovechando los recientes alborotos raciales. [Hay que recordar que a finales de los sesenta los problemas raciales estaban al orden del día y gran parte de la comunidad blanca americana era completamente reacia a otorgarles a los negros los mismos derechos civiles que ellos mismos poseían.] Cuando esto ocurriera, la familia habría huído a un refugio seguro, en el desierto, donde encontrarían árboles con todos los frutos imaginables y rios de vino y miel. Al terminar la guerra, que ganarían por goleada los niggers, la familia Manson regresaría al mundo para enseñarles a esos patanes como se debían hacer las cosas. Para Manson los negros eran seres inferiores intelectualmente así que necesitarían de su sabiduría para gobernar el mundo

Sin embargo no son tan listos como se creen. El 6 de Agosto la policía detiene a Bobby Beausoleil, del clan, por el asesinato de Hinman. Las pruebas que lo involucran no son otras sino las marcas de sangre en forma de garra en la pared y sus huellas dactilares. Manson, que desconoce cuales son las pruebas que inculpan a Beausoleil, planea otro asesinato para exculpar al sospechoso y de paso continuar con el Helter Skelter… la madrugada del 9 de Agosto miembros del clan se presentan en 10.050 de Cielo Drive y asesinan a Sharon Tate (actriz y esposa de Roman Polanski, e inquilina de la casa), el matrimonio Folger/Frykowski (amigos de Polanski y Tate que estaban pasando una temporada allí), y Jay Sebring (famoso peluquero de estrellas, Jim Morrison entre otros). Steve Parent, un joven que había acudido al lugar para venderle un equipo de música al encargado de la finca, William Garretson (único superviviente de la masacre y primer sospechoso), tambien fue hallado muerto en el interior de su vehículo a las puertas de la finca. Al parecer, se topó con la familia cuando estos se disponían a entrar en el lugar y Garretson se salvó por los pelos ya que vivía en una casita apartada y pasó toda la noche probando su nuevo equipo de música completamente ajeno a lo que estaba sucediendo a unos pocos metros de allí. [Nos ahorraremos los detalles más escabrosos de los asesinatos. Quien quiera más información podrá encontrarla sin ninguna dificultad en internet, así como las fotos tomadas a los cadáveres en el mismo escenario del crimen.]
La mañana del 10 de Agosto, fueron descubiertos los cuerpos sin vida del matrimonio LaBianca en su casa en el 3.301 de Waverly Drive con demasiadas similitudes con los anteriores asesinatos.
La policía sabe de la conexión entre Bobby Beausoleil y el clan Manson y el 16 de Agosto hace una redada en el rancho donde se aloja la familia, sin demasiada fortuna. En Octubre vuelven a intentarlo y esta vez se llevan detenidos a varios miembros del clan, Charles incluido, por robo, estafa y falsificación. En esta ocasión hay más suerte y tomando declaración a Kitty Lutesinger ésta cuenta como su novio Bobby y Susan Atkins habían asesinado a Gary Hinman. Susan confirma lo declarado por Kitty y es enviada a un centro de reclusión preventiva en Los Angeles. Susan , o Sadie Mae (otra vez el White Album) como la llamaba Charles Manson, cuenta a sus compañeras de celda con orgullo como asesinaron a Sharon Tate y compañia, dando detalles también de los asesinatos de los LaBianca e involucrando a todos los participantes de los macabros sucesos, dejando bien claro quien era el que estaba detrás de todo aquello.

El 15 de Junio de 1970 dio comienzo los juicios contra Charles Manson y cuatro miembros del clan. El jurado condenó a pena de muerte a Susan Atkins, Charles Watson, Leslie Van Houten y Patricia Krenwickel como asesinos materiales en los casos Tate-LaBianca, y Charles Manson no correría mejor suerte como inspirador e inductor principal. Años más tarde el estado de California abolió la pena capital y hoy en día Manson cumple cadena perputa en una prisión de alta seguridad.

Al conocer la sentencia, Manson declaró: ‘Señor y Señora América, estáis equivocados. Yo no soy el Rey de los judíosni soy el jefe de un nuevo culto hippy. Yo soy exactamente lo que me habéis hecho y el perro loco, el demonio asesino, el malvado leproso, no es más que el reflejo de vuestra propia sociedad. Independientemente del resultado de esta absurda locura a la que vosotros llamáis un juicio justo o una justicia cristiana quiero que sepáis esto: en los ojos de mi mente, mis pensamientos incendian vuestras ciudades’.

WILLIAM BLAKE

2007-09-08T15:11:00.000-06:00

William Blakle fue poeta y grabador, nació en el año 1757 en Londres, donde vivió casi toda su vida en el seno de una familia acomodada, falleció en 1827. A los diez años empezo a estudiar dibujo en una escuela de arte industrial y realizó después su aprendizaje en el taller del grabador James Basire. Más tarde, estudió en la Real Academia, donde su estilo chocó con el rigor academicista, defendido por su presidente, sir Joshua Reynolds. Su principal actividad fue la ilustración, lo hizo por ejemplo para la Divina Comedia de Dante, pero sobre todo se dedicó a ilustrar sus propios escritos.
Blake fue una personalidad compleja, a menudo tenía visiones, e imágenes apocalípticas del mundo, personajes, ante sus ojos aparecía el futuro, el final de la caída que a sus ojos estaba sufriendo la humanidad.
Inconformista de su mundo y su época. Sabemos que fue un exponente de la poesía surrealist , y sin embargo intentaré dar a conocer uno menos conocido; el de su pintura.
Blake no se consideraba a sí mismo un artista, sino más bien un artesano, en ningún momento dudó a la hora de ganarse la vida con su arte. En 1787 se estableció en colaboración con su esposa Catherine como empresario independiente, diseñador y grabador, buscaba un medio barato de combinar la imagen y el texto en la misma lámina y la solución la encontró escribiendo directamente en la lámina, eliminando así las letras de imprenta.

“Entonces –dijo él-, mandaré grabar todos mis escritos en lugar de imprimirlos, y en una plancha de mejor calidad con mejor acabado, todo en tres volúmenes, los venderé a cien libras el ejemplar. Me imprimirán dos mil”. “Entonces, quien no los tenga es porque es un loco ignorante y no merecerá vivir”.
En su obra establece su oposición a la tiranía de los despóticos monarcas de la época, y tras sus héroes aristócratas (Lafayette o el duque de Borgoña) está la voz del pueblo. La imagen que representa la caída de estos gobernantes es Nabucodonosor, un monstruo que no puede caminar erguido, con garras y literalmente vuelto del revés, la imagen va acompañada de la leyenda “una misma ley para el león y el buey es opresión”.
"Nabucodonosor" & "Newton" demuestra su oposición a la "visión simplista" del materialismo científico.

Blake también pone de manifiesto su simpatía por el judío y el negro, crea imágenes en pro de la abolición de la esclavitud, e insta a las razas oprimidas a romper los límites impuestos y los estereotipos. Su poema El negrito junto con Negro’s complaint de Cowper y The wrongs of Africa de Roscoe, contribuyó a las primeras campañas contra la esclavitud. Asimismo aprovecha la retórica abolicionista para hablar de otras formas de sometimiento como la esclavitud mental, la femenina o la prostitución.

El padre de Blake tenía una tienda de estampas y grabados, lo que condiciona de modo indiscubible su formación a la vez que le aporta importantes conocimientos artísticos. Se cree que los Blake pertenecieron a una secta religiosa radical denominada Dissenters. La madre de Blake, Catherine Wright, y su primer marido habían pertenecido a la Iglesia de Moravia, y algunos críticos advierten ciertos ecos moravianos en la poesía de Blake. La también Biblia fue una influencia temprana y profunda en Blake, y seguiría siendo una fuente de inspiración crucial durante toda su vida.
Blake crea un arte restringido. En su producción la mitología y la religión son una constante, le obsesiona el Antiguo Testamento. Observando sus obras nos sumergimos en un universo de lo desconocido, en un mar religioso-místico del que no conocemos Dios ni Verdad. El enigma y la fantasía nos poseen.

La pintura de Blake, basada en visiones fantásticas de rico simbolismo, tiene cierta influencia de Miguel Ángel, por la musculatura de sus figuras y los escorzos a los que las somete. Aplicó su arte pictórico para ilustrar tanto composiciones propias como ajenas: el Paraíso perdido de Milton (una de sus obras favoritas), o Las noches, de Edward Young. La relación que hay entre los poemas y las ilustraciones es compleja y exige imaginación por parte del lector, ya que se basa no tanto en el tema del poema en sí como en la sensación que este transmite.

Influencia en la cultura popular...
Además de múltiples influencias a escritores y artistas, el rol de Blake como escritor de canciones y como exponente del libertinaje en el imaginativo sexual, lo ubicó como una influencia única dentro de la cultura popular, especialmente desde los años 60. Se han escrito y adaptado escritos de William por artistas musicales que van desde U2, VanMorrison, Jah Wobble, Tangerine Dream, hasta Bruce Dickinson Kathleen Yearwood, Bob Dylan, Jim Morrison, Heroes del Silencio, etc.

2007-09-03T16:46:00.000-06:00

En ese tiempo estábamos todos colgados en ácido. Terminábamos discutiendo con los árboles, pero lo peor es que a menudo ganaban ellos la discusión... Lemmy

2007-09-01T18:29:00.000-06:00

"Digamos que estaba probando los límites de la realidad. Tenía curiosidad por ver qué pasaría. Eso era todo: simple curiosidad." Jim Morrison

SPACE ODYSSEY TRIP

2007-08-31T08:39:00.000-06:00

THE UNBEARABLE HEAVINESS OF INDUSTRY

2007-08-30T13:55:00.000-06:00

"Industry provides the impetus for social development .The industrial stablishments upon which modern civilization is built-such as steel-making,imposes a heavy toll on those who take part in the process.These people form the very basis of an enormous infrastructure;yet,they are also seen as outcasts having to endure pain,physical or mental,in this great industrial age.
In this country,the road to full industrialization is gradually but surely unveiling itself.There was a time when people on this road felt great pride.Now a market economy pervades,and so does a sense of loss and frustration for the labourers.
We do not know how we become unaware of the unbearable heaviness of industry and industrialization.What wealth can they create,what a wonderful world-we tell ourselves.What we do not see is this:In many of the industrial sectors,what people have been doing is not only physically demanding.Fumes and dust are but physical proof of the hardship.One may be surprised to notice the absence of machinery where it should play a role.When labour is a source of pride,material return is less of a concern for the labourers.When this pride wears out in the course of time and as money sneaks in to be a standard measure,the glory is lost and survival instincts take over.
The Chinese industrial labour force is poised on the banks of the mainstream.Victimized by the institutionalized work pace and norm,living in an ever-fixed social space,these people find it hard to fit in.
While our vision is blurred by the drastic social changes brought about largely as a result of industrial development,there is a need for us to wake up to the heaviness of labour and survival that has been haunting us for so long..."

The unbearable heavinees of industry es una serie de fotos del fotografo chino Zhouhaiy
muestra la parte mas cruda de la industrializacion en China que ayuda a que las grandes corporaciones ganen dinero a costa de los pobres chino que trabajan en pesimas condiciones y que por necesidad no hacen nada al respecto...como dicen "la necesidad tiene cara de perro"...
Algunas fotos...

La fuente y ahí se pueden ver las galerías
http://www.zhouhai.com/

DIOS DE LA GUITARRA

2007-08-29T00:15:00.000-06:00

Jimi Hendrix pasó como una ráfaga, breve pero incendiaria, que hizo arder al rock and roll en una de sus etapas más locas y creativas a mediado y a fine de los 60. Su virtuosismo, potencia y originalidad para tocar la guitarra marcaron para siempre la historia de este instrumento. En el rock hubo un antes y un después de Hendrix.Su nombre era James Marshall Hendrix nació en Seattle, Estados Unidos, el 27 de noviembre de 1942....el papa gran amante del blues y del gospel, acercó al pequeño Jimi a la música al regalarle una vetusta guitarra de segunda mano y haciéndole escuchar discos de legendarios blueseros como Roberto Johnson, BB King y Muddy Waters...estas influencias generarían en el zurdo y novato guitarrista una fascinación por ese género que no lo abandonaría nunca además que nunca estudio música ... Hendrix aprendió a tocar a los 11 años de edad y en el 59 compro su primer guitarra eléctrica...
Con la intención de conocer nuevos horizontes, Hendrix se alistó en el ejército, donde integró el cuerpo de paracaidistas durante un par de años. A su regreso a la vida civil, decidió dedicarse tiempo completo a la música y comenzó a tocar en algunas bandas de poca monta. En poco tiempo, sus extraordinarias condiciones llamaron la atención de reconocidos músicos de comienzos de los 60, como Little Richard, Sam Cooke, King Curtis y B.B. King, quienes lo convocaron para que integrara sus bandas. Haciendo giras con estas figuras fue que Hendrix adquirió su experiencia y madurez, a la vez que se nutrió de lo mejor del soul, rythym 'n blues y el gospel.
Sin embargo, no tardó en sentirse incómodo y limitado en su rol de guitarrista a sueldo de estrellas, y salió en busca de un proyecto propio. Formó una banda y salió a tocar por los escenarios del circuito under norteamericano. En uno de sus shows se encontraba entre la audiencia Chas Chandler, bajista de The Animals, quien quedó boquiabierto ante los increíbles sonidos que ese muchachito negro le arrancaba a su instrumento. Chandler le propuso ser su manager y llevarlo a Londres, donde el rythym ‘n blues estaba en su apogeo gracias a los Rolling Stones, los Yardbirds y los Bluesbrakers. La única condición que puso Hendrix fue poder conocer a Eric Clapton.
Del otro lado del Atlántico llegaría la verdadera explosión en su carrera. Allí formó en 1966 The Jimi Hendrix Experiencie, junto con el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell. Este power trío crearía un estilo único que habría de influir a varias generaciones de músicos.
Al año siguiente, lanzó su primer disco, Are You Experienced?, que tuvo una inmediata y resonante repercusión. A partir de ese momento, todo sería un desborde de música, éxitos y excesos. La crítica y el público enloquecían con ese joven negro vestido con colores chillones que en sus presentaciones en vivo tocaba la guitarra con los dientes. Incluso grandes guitarristas como Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page quedaron maravillados ante su inagotable talento. Luego vinieron Axis: Bold as Love (1967) y Electric Ladyland (1968). Y la lista de éxitos era interminable. Temas como Foxy Lady, Pruple Haze, Voodo Chile y su versión de All Along the Watchtower, de Bob Dylan, se convirtieron en clásicos imbatibles. Para ese momento, Hendrix ya se había empapado con la suntuosidad de la psicodelia y el pop, que determinaron muchas de sus composiciones. También fueron memorables algunas de sus actuaciones, como la del festival de Monterrey, donde, en estado de éxtasis, destrozó a golpes su guitarra y le prendió fuego. O en el mítico Woodstock, donde conmovió con su estridente versión del Himno estadounidense, en el que simulaba con su guitarra los estallidos de un bombardeo. Pero las interminables y desgastantes giras, sumadas a las presiones de la compañía discográfica para que generara un éxito tras otro, comenzaron a afectarlo, y buscó refugio en las drogas para poder soportar su vertiginoso ritmo de vida.
Al mismo tiempo, siempre inquieto, intentó experimentar nuevos sonidos y a alejarse de su anterior estilo. Esto generó tensiones y desacuerdos dentro de la banda, que finalmente se disolvió en junio de 1969. Luego formó dos grupos, primero Gypsies Sons y luego "Rainbows". En ellos permaneció Mitchell en la batería y se sumó su amigo Billy Cox en el bajo, más otros músicos. Más tarde vendría el frustrado proyecto de Band of Gypsies, que se disolvió a poco de nacer. Entonces, empezó entonces a trabajar en su próximo doble álbum First Rays Of The New Rising Sun. Quedaría inconcluso... Pero en la madrugada del 18 de setiembre del 70, Jimi Hendrix ingirió una mezcla de somniferos y alcohol y murió al parecer por aspiración de vómito. Años después, luego de investigaciones, se supo que, en realidad, el músico no había muerto en el momento y con su propio jugo gástrico. Si no que en realidad, cuando lo llevaban en la camilla, James Marshall quería voltear la cabeza para poder devolver en el suelo y el camillero colocó su cabeza fuera de la camilla causando así su atragantamiento y fallecimiento. Existen diferentes versiones sobre su muerte, aunque no están probadas oficialmente. El legado musical deHendrix ha sido trascendental para el desarrollo de la música rock, influyendo a muchos artistas en sus creaciones...

AKI UNA DE LAS GRANDES PRESENTACIONES DE HENDRIX
WILD THING EN MONTERREY UNA PRESENTACION CLASICA...

WHITE RABBIT

2007-08-28T22:50:00.000-06:00

White Rabbit es una pieza de los Jefferson Airplane y de mis preferidas del disco Surrealistic Pillow q ya sta en un post pasado que fue uno de los discos que marcó el verano del amor del 67 en San Francisco est pieza llego a ser 4 en las listas de ventas y esta en la lista de las 500 mejores piezas de la historia que hizo la Rollis Stone Magazine...es la numero 478. Fue escrita por Grace Slick...y describe las similitudes que hay entre Alicia y el Pais de las maravillas de Lewis Carrol y el LSD, con el cual había experimentado: así, menciona al personaje que da título a la canción, la oruga que fuma, la persecución del conejo blanco, comer hongos para hacer cambiar de opinion, el cambio de tamaño producido por comer confites y beber o la Reina Roja. Esta idea no es nueva, ya que dentro del rock psicodelico había una corriente por esta época que afirmaba que Lewis Carrol intentó en su obra describir los efectos de las drogas alucinógenas en las personas de forma metafórica, describiendo cómo una niña se introduce en un mundo mágico.Como ella misma explicó , este libro, entre otros, era una forma de mostrar a los padres que había que ser tolerantes con las drogas, ya que ayudan entre otras cosas a mejorar la visión que tenemos del mundo y de la realidad, haciéndonos ver cosas que de otra forma no veríamos o no llegaríamos a comprender. Además, durante la década de los 60s el consumo de drogas era un requisito para la pertenencia a un grupo....Por su referencia implícita a las drogas (era una de las primeras canciones que se atrevía a mencionarlas, aunque de forma oscura) llegó a ser censurada en la radio gringa.

Aqui esta la letra de White Rabbit:

One pill makes you larger
And one pill makes you small
And the ones that mother gives you
Don't do anything at all
Go ask Alice
When she's ten feet tall

And if you go chasing rabbits
And you know you're going to fall
Tell 'em a hookah smoking caterpillar
Has given you the call
Recall Alice
When she was just small

When men on the chessboard
Get up and tell you where to go
And you've just had some kind of mushroom
And your mind is moving low
Go ask Alice
I think she'll know

When logic and proportion
Have fallen sloppy dead
And the White Knight is talking backwards
And the Red Queen's "off with her head!"
Remember what the dormouse said:
"KEEP YOUR HEAD
FEED your head"

La pieza en video....
Esta en caricatura donde va representado graficamente la pieza..MUY BUENO...

2007-08-28T21:49:00.000-06:00

"Some doctor told me I had six months to live and I went to their funeral."
Keith Richards

2007-08-28T21:40:00.000-06:00

"Sería posible describir todo científicamente, pero no tendría ningún sentido; carecería de significado el que usted describiera a la sinfonía de Beethoven como una variación de la presión de la onda auditiva"
Albert Einstein

2007-08-28T21:22:00.000-06:00

... Y es por eso que me gusta tanto la poesía: porque es tan eterna. Mientras haya gente, se podrá recordar palabras y combinaciones de palabras. Nada puede sobrevivir a un holocausto salvo la poesía y las canciones. Nadie puede recordar una novela completa. Nadie puede describir un filme, una escultura, una pintura. Pero en tanto y en cuanto haya seres humanos, las canciones y las poesías pueden continuar...

Jim Morrison

2007-08-28T16:56:00.001-06:00

"Los monos son demasiado buenos para que el hombre pueda descender de ellos..." Friedrich Nietzsche

STRANGE DAYS

2007-08-28T15:26:00.000-06:00

Strange days el segundo disco de los Doors para mi un discazo...sigue la linea del debut "The Doors"...por lo que lei en el librito de la reedicion de el disco debut tenian suficiente material para hacer un dico doble..pero por que las grabaciones se hacian en vinilo no se podia hacer y estas obras se fueron publicando hasta el tercer disco segun Bruce Botnick....con un sonido psicodelico, bluesesco, para mi de los meores disco de su discografia
Aki uas reseñas q hizo yamil y me parecio interezante...""Strange days", grabada con ecos, es uno de sus mejores viajes en toda la discografía. "You're lost little girl" es una obra maestra lenta, algo dulce sin llegar a empalagar el oido. "Love me two times", blues genial al mejor estilo Doors. "Unhappy girl", experimental, con cintas al revés y voz sobregrabada. "Horse latitudes" es un poema catárquico con un infierno de fondo. "Moonlight drive" como su nombre lo dice, es un viaje a la luna, con una guitarra sobregrabada. "People are strange" es casi un himno a la paranoia. "My eyes have seen you", pareciera una segunda parte de "Unhappy girl", con trémolo en la guitarra. "I can't see your face in my mind" es un viaje smooth y alucinógeno... como una invitación. "When the music's over" (turn out the light...), el mejor y más largo tema del disco, podría haber sido compuesto 30 años después y seguiría vigente: Guitarras estridentes bien trabajadas, gritos repentinos, órgano eclesiástico y citas a Cristo (Save us, Jesus), frases célebres (We want the world and we want it now) y delirios psicodélicos (I want to hear the scream of the butterfly)" ....

STRANGE DAYS

WHEN THE MUSIC'S OVER

STRANGE PEOPLE

MOONLIGTH DRIVE

PIEZAS DEL DISCO
01.-Strange Days
02.-You're Lost Little Girl
03.-Love Me Two Times
04.-Unhappy Girl
05.-Horse Latitudes
06.-Moonlight Drive
07.-People Are Strange
08.-My Eyes Have Seen You
09.-I Can't See Your Face in My Mind
10.-When the Music's Over
Lo pueden oir aki.....

http://www.zshare.net/download/32744105e30223/

2007-08-27T11:29:00.001-06:00

"Thank god i just don`t care" Lou Reed

DREAMMACHINE VIDEOS

2007-08-26T16:41:00.000-06:00

Estuve buscando por mas información de la dreammachine de la que les comente en un post pasado y les dejo unos vídeos para que vean como funciona.....
En YouTube me encontré este video de lo que seria una dream machine virtual por decirlo de una forma...
IMPORTANTE LEER ANTES DE VER EL VIDEO:
Segur lo que encontré y lo que dice el vídeo en sus instrucciones es muy peligroso para epilépticos o personas sensibles a mareos y desmayos al igual que paa personas menores de edad, ademas dicen que la dreammachine puede causar adicición, aunque muchos lo niegan. Los que experiementen con este vídeo serán responsables de sus propios resultados y no me hago responsanle de los posibles daños que puedan resultar de observacion.
Si lo quieren ver igual aqui estan las instrucciones de uso...

1. Ejecutar el vídeo en pantalla completa con las ventanas cerradas, sin salvapantallas y con el brillo al máximo. El reproductor de Youtube.com tiene un botón en la barra derecha inferior que te permitirá visionarlo a pantalla completa.
2. Ejecútalo en una habitación oscura y sin distracciones. Puede usarse música ambiental.
3. MIRAR CON LOS OJOS CERRADOS.
4. Mirar en estado relajado, respirando lentamente.
5. Mantén tus ojos cerrados y tu mente abierta (la estimulación Alpha puede tardar varios minutos para empezar).
6. Para interrumpir la experiencia simplemente abre los ojos y levántate.
Los resultados dependen de cada persona y pueden cambiar dependiendo de cada kien y se dice que se puede experimentar algo a los 5 minutos de uso...

En este otro vemos como queda la que se hizo en casa...

Otro link de interez
http://www.noah.org/science/dreamachine/