ALUCINANTE


En 1943, el químico Albert Hoffman descubrió los efectos del LSD. En Woodstock del 69, la advertencia era: “Cuidado con los ácidos marrones”. Dos años después, los cartones estaban pintados con las caras de Mickey, el gato Félix y Lenin. Si bien resulta casi imposible documentar buena parte de las planchas dibujadas por motivos obvios (son ilegales y la mayoría de los consumidores no recuerdan demasiado), Radar hizo un esfuerzo por reconstruir la historia artística del papel secante, cuyo coleccionista más famoso es, oh casualidad, argentino.

Por Alfredo García

“El viernes pasado, 16 de abril de 1943, me vi obligado a interrumpir mi trabajo en el laboratorio a mitad de la tarde. Tuve que volver a casa agobiado por una extraña inquietud y un persistente mareo. Me acosté con la sensación nada desagradable de estar intoxicado y con la imaginación extremadamente estimulada. Con los ojos cerrados (ya que la luz del día me parecía demasiado brillante) y en un estado de ensoñación, pude observar un torrente de figuras calidoscópicas de todos los colores tomando formas fantásticas. Luego de dos horas, ese estado se desvaneció”.
Aquella tarde de abril de 1943, el químico Albert Hoffman disfrutó del primer viaje de LSD 25 de la historia: unas pequeñas partículas cristalizadas de la sustancia sintetizada originalmente en 1938 (y archivada por no encontrarle utilidad alguna) tomaron contacto con su piel durante un estudio. En experimentos con el germen del centeno Hoffman ya había logrado remedios como la hydergina (utilizado en geriatría hasta hoy en día), y antes había trabajado con los laboratorios suizos Sandoz en la síntesis de drogas para problemas cardíacos. Pero como él bien sabe (y tal como lo relata en su autobiografía LSD My Problem Child), la historia lo recordará como el hombre que descubrió los efectos alucinógenos del LSD 25, o ácido lisérgico.
A partir de ese primer trip accidental, Hoffman decidió experimentar en serio ingiriendo una pequeña dosis ante testigos que pudieran documentar sus sensaciones. Como los efectos del ácido comenzaron a hacer efecto recién volvía del laboratorio a su casa, andando en bicicleta junto a su asistente, este modesto medio de transporte quedó inmortalizado como un icono de la cultura psicodélica. Con el paso de los años, el LSD 25 fue primero adoptado como una de las sustancias favoritas de la generación del flower power, para ser después declarado ilegal por los gobiernos de todo el mundo, medida que obligó a los laboratorios Sandoz a dejar de fabricarlo, dejando el negocio en manos de los laboratorios clandestinos que alimentan la fructífera industria del narcotráfico. También con los años, las ascéticas gotitas o tabletas incoloras de la droga descubierta por Hoffman adoptaron la forma de cartoncitos de papel secante ilustrados con dibujos de todo tipo. Uno de los dibujos que se han venido repitiendo con más frecuencia a través de las décadas es justamente el de un señor alucinado andando en bicicleta. Y uno de los ácidos más populares en todo el mundo durante las fiestas de fin de milenio fue un cartoncito con una bicicleta de colores y el año que se festejaba, el 2000.
Es difícil saber con exactitud en qué momento los fabricantes de una sustancia ilegal como el LSD 25 tuvieron la curiosa idea de cambiar el packaging de su producto introduciendo ilustraciones de distinto tipo, pero diversas fuentes dedicadas a registrar los ácidos en boga a lo largo de las décadas concuerdan en que entre 1971 y 1973 las dosis lisérgicas dejaron de ser simples gotas en terrones de azúcar u olvidables tabletas de un color liso para empezar a incluir dibujos infantiles, leyendas, logotipos y hasta el rostro de Lenin. El recordado “cuidado con los ácidos marrones” del festival de Woodstock de 1969 había quedado demodé: ahora había que tener cuidado con el gato Félix, la silueta de una mujer desnuda o algún motivo oriental como el Yin-Yang.
Sería un error tratar de entender desde un ángulo racional un asunto relacionado justamente a la ruptura con la lógica racionalista. Sin embargo, que los motivos orientales figuren entre los más utilizados por los anónimos dibujantes para ácido parece revelar la intención de influir de un modo pseudo-espiritual en el consumidor del cartoncito bañado en poción mágica (este chiste no es gratuito, ya que en los 80 aparecieron en Europa cartoncitos de LSD ilustrados con la figura del druida de Astérix, el fabricante de la famosa poción mágica de los galos). Así, mezcla de marketing mercantilista y auténtica expresión de deseo para el audazexperimentador de viajes lisérgicos, desde hace años que el cartoncito no se vende liso, sino que incluye un lema o dibujo que guiará la exploración psicodélica del mejor modo posible. Siguiendo esta teoría, la misma sustancia aplicada a un dibujito alegre y naïf (Betty Boop, el gato Félix) no provocaría el mismo efecto que el de una dosis idéntica del mismo ácido bañando un cartoncito con la cara de un héroe más violento (el Capitán América, Superman o Popeye, el famoso adicto a la espinaca).
En cierto sentido, los dibujos de los cartones de ácido lisérgico pueden ser considerados como una especie de arte interactivo de primer orden. Si hasta ahora no se conocen tesis realmente serias sobre el por qué de los dibujos de LSD, quizá se deba a que todo lo relacionado a estas planchas de papel secante sea tan ilegal como la sustancia descubierta por Hoffman en 1938. Encima, a esta clandestinidad se agrega el habitual mal estado neuronal de los expertos en LSD 25, que difícilmente se hayan preocupado por documentar cada tipo de ácido que ingirieron en los últimos 30 años.
Por eso, cualquier investigación sobre el tema choca contra límites difíciles de superar. Es una tarea titánica tratar de documentar algo que siempre se movió en las sombras. Para colmo, la mayoría de los dibujos fueron tragados por ansiosos experimentadores de la cultura lisérgica, es decir, viejos hippies que no pueden ser considerados como los testigos más confiables del mundo.
Curiosamente el testigo más confiable parece ser un argentino de origen inglés: Mark McCloud, quien fue entrevistado por la revista inglesa Loaded, donde lo describen como una suerte de genio paranoico que colecciona todos los cartoncitos posibles. Según McCloud, el FBI, la CIA y Scotland Yard trata de arrestarlo por todos los medios desde hace años, pero no le pueden hacer nada debido a que todos los cartoncitos de su colección han sido cuidadosamente desactivados, “al ser expuestos a rayos ultravioletas”, eliminando cualquier efecto lisérgico. “Lo que pasa es que la CIA quiere guardar el mejor LSD para sus agentes, ya que ellos siguen investigando el potencial telepático que puede derivarse del ácido”, explicó McCloud a un periodista no demasiado convencido de las posibilidades paranormales de esta sustancia.
Según McCloud, casi cualquier ícono de la cultura pop moderna y de la civilización occidental ha tenido su propio ácido. “De Jesús a Alicia en el País de las Maravillas, todo tipo de personajes han formado parte de este arte revolucionario”. El coleccionista, ex profesor de arte, comenzó a interesarse por el ácido desde muy joven, en los tiempos en que esta droga era legal. “Ya que no se puede combatir la prohibición del LSD, lo mejor es destacar su parte artística”, explicó McCloud en la entrevista (que puede ser encontrada, igual que docenas de artículos sobre el fenómeno lisérgico, a través de Sputnik.com, el patriarca de todos los sites sobre drogas legales e ilegales, desde la nicotina al peyote). La última noticia registrada sobre McCloud y su museo de blotter art (“arte de los secantes”) es que hacia 1997 su colección estaba expuesta en la Rita Dean Gallery ubicada al 548 de la Quinta Avenida de San Diego, California, hasta donde la intelligentzia artística de la Costa Este había concurrido para dictaminar la importancia de una exposición que “explica ese folklore moderno llamado psicodelia”.
Otro folklore moderno, el de las leyendas urbanas, también habla de las ilustraciones del LSD. Desde 1980, cada tanto aparecen notas en la TV y la prensa escrita sobre planchas de LSD cubiertas de ilustraciones infantiles que presuntamente intentarían provocar adicción en niños de corta edad. Este mito se conoce como el de “los tatuajes de LSD Blue Star”, y figura en libros sobre leyendas urbanas junto a otros cuentos del tipo “huevos de araña en caramelos yummy” y “cocodrilos albinos en las cloacas”. La verdad detrás de este mito es simplemente que muchos de los cartoncitos cargados con LSD tienen figuras de comics como Bart Simpson o Superman. En 1980,por ejemplo, el departamento de policía de Nueva Jersey envió una circular alertando sobre la existencia de unas estampillas con la figura del aprendiz de brujo que interpretaba el ratón Mickey en la película Fantasía “destinadas a volver adictos a los niños”. El miedo colectivo quedó en la nada al demostrarse que las estampillas existían, pero estaban destinadas a proveer de LSD a viciosos experimentadores mayores de edad. En una seguidilla de artículos demistificadores, el New York Times explicó este fenómeno, lo que no evitó que cada tanto reaparezca el fantasma de la adicción infantil al ácido. El gran difusor del LSD, Timothy Leary, lo explicó así: “El ácido lisérgico es una sustancia capaz de provocar demencia y alucinaciones en personas que nunca la consumieron”.
Que se sepa, nunca aparecieron cartoncitos de LSD con dibujos relacionados a la cultura argentina. Equivalentes de Popeye o Superman podrían ser Patoruzú o Isidoro Cañones, pero dentro de lo limitada que resulta una encuesta local sobre el tema, no hay señales de que alguien haya hecho algo por el estilo. Probablemente esto no se deba a la falta de imaginación de nuestros narcos, sino a la inexistencia de una industria vernácula dedicada al LSD (que sí fue utilizado por psiquiatras argentinos de avanzada en los años ‘60, cuando la droga aún no había sido prohibida).
Según recuerdan algunos veteranos de estas aventuras mentales, los primeros ácidos que llegaron al país con fines recreativos y no psiquiátricos eran gotitas o micropuntos (un punto negro en un plástico). Recién a mediados de los ‘70 aparecieron cartoncitos ilustrados con el protagonista del comic underground Mr. Natural y el eterno Popeye.
La creciente popularidad del éxtasis surgida en los ‘80 (que puede ser considerado como un pariente más liviano del ácido, y que en general es una pastilla sin dibujos ni diseños artísticos) parece no haber terminado con la inventiva de los incansables fabricantes de LSD. Uno de los diseños más curiosos aparecidos a fines de los ‘90 fue el llamado The Beavis & Butthead Psychodelic Experience, junto a la ya mencionada bicicleta del 2000.
Aunque en su libro LSD My Problem Child Albert Hoffman asegura que jamás imaginó ni aprobó el uso masivo de la droga con fines recreativos (hoy, para colmo, sólo conseguible sin la exactitud química lograda en los laboratorios suizos que la fabricaban en sus años de legalidad), con los años adoptó una actitud más contemporizante. Quizá por eso una de las piezas más cotizadas en la colección de blotter art de Mark McCloud es una serie de cartones con el rostro de Hoffman autografiada por el mismísimo padre del LSD 25.
El químico suizo Albert Hofmann, descubridor del LSD, falleció el martes a los 102 años en su domicilio de Burg (cantón de Basilea), informó el ayuntamiento de esa localidad

Los Ángeles - El batería estadounidense Buddy Miles, que colaboró durante su carrera con Jimi Hendrix y Carlos Santana, murió el martes en Austin (Texas), a los 60 años, informó hoy el portal especializado Billboard.

Se desconoce la causa de la muerte, pero según indican publicaciones especializadas, Miles sufría de problemas coronarios.

Miles fue uno de los primeros artistas en fusionar el rock psicodélico con el soul, el blues y el jazz.

Comenzó a tocar a los 12 años en la banda de jazz de su padre, The BeBops, en las zonas cercanas a su natal Omaha (Nebraska), y tras una actuación en Brooklyn (Nueva York), el guitarrista Michael Bloomfield le propuso formar una nueva banda.

De ahí surgieron Electric Flag y aunque el grupo solo editó un disco, Miles no se vino abajo, inició otra aventura como The Buddy Miles Express y grabó "Expressway to Your Skull", producido por Hendrix, en 1969.

Las colaboraciones entre ambos continuaron. Miles tocó la batería en "Electric Ladyland" de Hendrix y éste volvió a producir otro trabajo de Miles, "Electric Church". Juntos fundaron Band of Gypsys, junto a Billy Cox, después de que Hendrix deshiciera The Jimi Hendrix Experience.

Sólo publicaron un álbum y fue en vivo, grabado en Nueva York.

Tras la muerte de Hendrix en 1970, Miles retomó con éxito el proyecto de The Buddy Miles Express, gracias sobre todo al éxito del disco "Them Changes", que se mantuvo en las listas de éxito durante 74 semanas.

Sus temas más populares fueron "Them Changes", una versión del clásico de Neil Young "Down By the River" y "Rockin´ and Rollin´ on the Streets of Hollywood."

En 1974, Miles grabó un disco en directo desde Hawai con Santana que se convirtió en un éxito de ventas. Tras aquello, colaboró con Stevie Wonder, David Bowie o Bootsy Collins.

Pasó tiempo en la cárcel a finales de la década de 1970 y comienzos de 1980 por cargos relacionados con las drogas, pero volvió a la primera plana en 1986 como la voz de los exitosos California Raisins, una banda de personajes animados muy popular en EE.UU.

Miles produjo y cantó en los tres discos que publicaron.

En 1994 volvió a trabajar con Santana y creó una nueva versión de The Buddy Miles Express. Durante los últimos años de su vida, Miles se dedicó a mantener intacto el espíritu de Hendrix, a través de actos promocionales y participaciones en tributos en su memoria.

En el momento de su muerte, trabajaba en tres proyectos musicales y estaba involucrado en actividades destinadas a recaudar dinero para las víctimas de huracanes en EE.UU.

Le sobrevive su pareja Sherrilae Chambers.
Una lastima pro va a volver a juntarse dos masters...




FUENTE

Un joven luthier canadiense ha dado una vida diferente al sonido original del blues realizando guitarras a partir de cajas de puros, creaciones artesanales sorprendentes que se venden fácilmente en internet. ‘Hacen falta entre seis y ocho semanas para obtener una de mis guitarras’, explica Lenny Piroth-Robert, con unas gafas negras y una camiseta de The Ramones.
En la pared de su taller, en una zona industrial del norte de Montreal, presiden la estancia viejas guitarras como unas célebres Gibson. En el suelo se apilan las cajas de puros. Además de esculpir la madera, le pone a las cajas el mango y las cuerdas. Después de todo, Jimi Hendrix hizo su debut a los cinco años de edad en una cigar box guitar que se fabricó.
En sus inicios, Lenny Piroth-Robert, pintor, se transformaba por las noches en luthier para ‘relajarse’. ‘Cuando comencé, hacía cinco, seis guitarras al mes que vendía en el sitio de eBay. Luego, la revista Playboy escribió un artículo sobre mis creaciones. Cuando se publicó el texto, me vi obligado a hacer mi propio sitio web’, dice tocando una de las guitarras, de sonido cálido y amplio.
El artículo de la revista, publicado el verano pasado, propulsó las ventas de sus famosas Daddy Mojo. ‘Tras la publicación en Playboy, hice 150 guitarras solo. Trabajaba siete días por semana’, explica Lenny Piroth-Robert, de una treintena de años. Tuvo que pedir la ayuda de un amigo para responder a la demanda, que viene ‘en un 95% de Estados Unidos’. ‘El propietario de una gran tienda de puros en Estados Unidos se hacía cortar el pelo en el barbero, ojeaba Playboy y me llamó con su teléfono móvil para decirme que tenía 300 cajas de puros en su almacén y no sabía qué hacer con ellas’, dice divertido.
Hoy, fabricantes estadounidenses y una manufacturera de República Dominicana le envían cajas de cedro y caoba. Objetos inesperados, ovnis musicales: sus guitarras han recibido la garantía de la prensa especializada, ya que la revista Guitar One le ha otorgado un premio por su sonoridad y grandes bluesmen tienen hoy día su Daddy Mojo.

Algunos Modelos...








FUENTE

PARTE I


PARTE II


Lanzado en el 68, es un tema rock de diecisiete minutos de Iron Butterfly, incluido dentro del álbum del mismo título, ocupando enteramente la segunda cara de éste. La letra es simple, y se escucha sólo al principio y al final.

Una historia ampliamente repetida dice que el título de la canción era originalmente In The Garden Of Eden («En el Jardín del Edén»), pero durante el proceso de ensayo y grabación el cantante Doug Ingle transformó las palabras en la frase sin sentido del título mientras estaba bajo la influencia del LSD y el alcohol. La verdad (de acuerdo con las anotaciones en la recopilación en CD de «lo mejor de») es que el batería Ron Bushy estaba escuchando el tema a través de unos cascos, y simplemente no pudo oír correctamente; simplemente tergiversó lo que contestó Doug Ingle cuando Ron le preguntó por el título de la canción.

La canción incluye un memorable riff de guitarra y bajo, y sostiene este riff durante más o menos toda la duración del tema. El riff es usado como base para los largos solos de órgano y guitarra, que son interrumpidos a la mitad por un largo solo de batería, uno de los primeros solos en una grabación de rock, y probablemente uno de los más famosos en este género.

La canción es importante en la historia del rock porque, junto con Blue Cheer y Steppenwolf, marcó el punto en el cual la musica psicodelica produjo heavy metal. En los siguientes 70s artistas de heavy metal y progresivo como Deep Purple y Led Zeppelin le debieron mucho de su sonido, y más incluso de sus actuaciones en directo, a esta grabación.

Daniel Edlen es un artista que tiene una forma muy original de presentar su arte...`pinta retratos de artistas en sus vinilos...la verdad me gusto mucho aqui le dejo algunos y su pagina para que se den una vuelta...
VINYL ART

1. "Alguien que nunca ha cometido errores nunca trató de hacer algo nuevo." - En otras palabras, la mayoría de las personas nunca prueba cosas nuevas por temer a fracasar. El fracaso no es algo a que temer. Por lo general los perdedores aprenden mas de ganar que los mismos ganadores. Nuestros errores nos dan oportunidad de aprender y crecer.

2. "La educación es lo que sobra después que a uno se le olvida lo que aprendió en la escuela." Es decir, la educación es lo que uno aprende sobre la marcha de la vida, y no los simples detalles que uno memoriza en un momento determinado.

3. "Soy lo suficiente artista como para dibujar de mi imaginación". La imaginación es mas importante que el conocimiento. El conocimiento es limitado. La imaginación envuelve al mundo."

4. "El secreto de la creatividad es saber esconder tus fuentes." - En el contexto en donde Einstein dijo esto quiso decir que aunque somos influenciados por otras grandes personas, en el momento de subir a un escenario debemos dejar atrás a esas personas y convertirnos en un individuo único y original, que aprende diferentes valores de diferentes personas.

5. "El valor de un hombre debe medirse por lo que da y no por lo que recibe". No trates de convertirte en un hombre de éxito sino en un hombre de valores."

6. "Existen dos maneras de vivir: Puedes vivir como si nada es un milagro, o puedes vivir como si todo es un milagro." - Con esto quiso decir que cuando nada es un milagro que tu obtienes el poder de hacer lo que sea sin límites. Y cuando todo es un milagro, te detienes a apreciar hasta la mas pequeña de todas las cosas bellas del mundo. El pensar de ambas maneras te dará un vida productiva y feliz.

7. "Cuando me examino a mí mismo y mis métodos de pensar, llego a la conclusión que el don de la fantasía ha significado mas para mí que cualquier otro talento para pensar positivo y abstractamente." - Es decir, el soñar sobre todas las cosas que puedes lograr en la vida es la clave para una vida llena de positivismo. Deja que tu imaginación te lleve por todo tipo de senderos y crea al mundo en el que desearías vivir.

8. "Para ser un miembro inmaculado de un rebaño de ovejas, uno debe, sobre todas las cosas, primero ser una oveja." - Con esto quiso decir que si deseas ser un empresario exitoso, debes empezar tu propio negocio inmediatamente. El solo desear serlo, mientras le tienes miedo a las consecuencias no va a ayudar. Lo mismo aplica para todo: Para ganar un partido uno debe primero y ante todo que jugar el partido.

9. "Debes aprender las reglas del juego. Y después debes jugar mejor que todo el mundo." - En otras palabras, haz el mejor trabajo posible que puedas, como si tu vida dependiera de ello, y después que no tengas contra quien competir, solo te tendrás a ti mismo contra quien competir. En ese momento, mejora lo mejor que hayas logrado.

10. "Lo importante de todo es nunca dejar de hacerte preguntas. La curiosidad tiene su propia razón de existir." - Con esto Einstein quiso decir que las personas inteligentes preguntan. No dejes de hacer preguntas a ti mismo y a otros para encontrar soluciones, pues esto te ayudará obtener conocimientos y analizar tu crecimiento en todos los caminos de la vida.

FUENTE

El 27 club o también forever 27 es el nobre de un grupo de genios de la musica que murieron a los 27 años de diferentes causas como drogas o asesinatos...el club lo forma janis joplin, jim morrison, jimi hendrix, brian jones todos ellos murieron entre el 69 y 71 y entre las muertes de morrison, hendrix y joplin fueron en un periodo de 10 meses y kurt cobain que murio en el 94...

Un articulo que me encontre y me gustaria compartirlo esta muy bueno...

Desde tiempos inmemoriales existe un arte visionario que ha encontrado inspiración en las sustancias psicotrópicas. Sin embargo hasta el siglo XX no puede empezar a hablarse de una pintura visionaria enteramente profana o separada de unas raices culturales milenarias. En las primeras décadas del pasado siglo nos encontramos al ocultista y ocasional pintor Aleister Crowley produciendo obras bajo el influjo de la mescalina o la heroina. Afirmará de sus coloristas y naiffs acuarelas que son manifestaciones de lo oculto. También algunos expresionistas alemanes usaron drogas, como Ernst Ludwing Kirchner, que llegó a producir incluso grabados en madera en pleno viaje con morfina. En Francia, algunos artistas del grupo cercano al surrealismo, Le grand jeu, también buscaron inspiración en los estados alterados de conciencia.
A mediados de siglo varios pintores hacen de esta relación algo sistemático, como por ejemplo hiciera Henri Micheaux con sus dibujos y escritos inspirados en el peyote y el LSD.
Sin embargo, será un artista austríaco, Ernst Fush, el que verdaderamente abriera el camino de lo que con el tiempo se definió como arte psicodélico. Fush pintó sus visiones inducidas por el peyote con un detallismo y colorido inéditos hasta el momento, como si de transcripciónes fotográficas se tratara. En un principio éstas serían como visiones de luz pura semejantes a formaciones cristalinas, obras que el pintor llegó a identificar con manifestaciones angélicas.
Estas visiones se fueron vertiendo extensamente mediante un manierismo alucinado propio del Bosco, en pinturas, grabados y dibujos de una finura extraordinaria. Posteriormente, ya en decadencia, aunque sin dejar de juguetear con el misticismo, su obra fué adquiriendo un tono kitch muy cercano al del último Dalí -del que era amigo-.
Su poderosa obra, sobretodo de su primera etapa, caló hondo y muchos artistas siguieron la estela marcada por éste definiendo, desde finales de los 60, el psicodelismo en el arte a veces con mayor y otras con menor acierto: Mati klarwein, Michael Bowen, Bill Martin, Susan Seddon Boulet, Joseph Parker, Robert Venosa, H.R.Giger, Alex Grey, etc.
Como en la pintura, la influencia de las drogas psicotrópica fué filtrándose -sobretodo a medida que éstas iban sintentizándose en los laboratorios- en el resto de la cultura. Como ya sabemos a mediados de los 60 le llegó el turno a la música. La experimentación con marihuana y posteriormente con LSD de gente tan influyente como Dylan o los Beatles solo fué un componente más –aunque crucial- en un movimiento amplio que cubrió todo occidente. De una u otra forma mucha gente ya experimentaba en muchos sitios diferentes. Mientras los Beatles tramaban un disco tan innovador como “Rubber soul”, al otro lado del atlántico Jerry Garcia y sus nacientes Grateful Dead ya eran unos veteranos trippers que empezaban a incorporar sus experiencias en sus conciertos.

La música que surgió alrededor de la experimentación con drogas intentaba expresar mediante sonidos -cada vez más electrificados- el estado de ánimo producido por éstas. Así, sea como fuere, entre 1964 y 1966 prendió rapidamente la mecha de lo que se vino a llamar el rock psicodélico, principalmente en grupos folks, garageros o beats que cambiaron drasticamente su estilo hacia derroteros nunca explorados. La música se fué volviendo así más agresiva y sofisticada, la temática de sus letras más libres y personales, se comenzó a experimentar en la producción -aunque con trucos que ahora pueden considerarse ingénuos-, se asumieron nuevas influencias -música oriental, jazz, etc.
Toda esta época se ve ahora como una verdadera explosión de creatividad que duró hasta mediados de los 70, una creatividad en su mayor parte alentada por el consumo de drogas. De la noche a la mañana, como una rempentina mutación dentro de la cultura establecida, había nacido una nueva forma de concebir la música, de hacerla y de escucharla, pues el cambio en los músicos era paralelo al de su público.
Toda esta gran transformación, que se produjo en elcontexto de la gran búsqueda de una nueva forma de vida, hizo que confluyeran la música y el arte de inspiración psicodélica. En retrospectiva es difícil saber que pesaba más, si el despertar de los movimientos culturales, sociales y políticos, la liberación moral generalizada, la fuerte incidencia de las drogas o un auge de la economía que permitio durante una temporada que miles de jóvenes se desentendieran “impunemente” del trabajo y las obligaciones propias de la sociedad de su momento. Seguramente todo a la vez e indivisiblemente.
Pero si hay que hacer honor a la verdad, al menos en el caso que nos ocupa de la relación de rock y arte psicodélico, hay que decir que la imagen se puso claramente al servicio de la música. Si bien la música podía pretender transmitir algo de los efectos de la droga -cosa complicada- las imágenes usadas -portadas de discos, logotipos, promoción, etc- intentaban transmitir más bien la propia cualidad eléctrica y ácida de esta nueva música. Ya de por si, el rock y todos los estilos que promovió: la psidodelia en todas sus formas, el progresivo, el hard y blues rock, etc., se caracterizó desde un principio por la suma importancia del color. Tal y como si se pretendiera romper de golpe con un pasado gris, numeros grupos tenían el color como referencia para sus nombres: Deep purple, King Crimson, Pink Fairies, Pink floyd, Purple image, Golden Dawn, Red Crayola, etc. Así pues, podemos decir que de alguna manera, el rock de los 60 y primeros 70, era una música predispuesta a ser visualizada, óptima para ser vertida y simbolizada en imágenes de fuerte colorido.
Aunque, como ya hemos visto, durante los 60 había surgido un arte ya concebido como psicodélico, esta alianza entre la nueva música y la imagen se dió sobretodo a través de la amplia subcultura que rodeaba el comic undeground y que, a la par, también había hecho su aparición desde mediados de los 60. Era un tipo de comic igualmente tocado por lo lisérgico y radicalmente irreverente con los tópicos al uso de un medio que por esa época ya era tradicional. El comix -tal y como se empezó llamar-, fué, de por si, un importante medio de expresión y difusión de los cambios culturales y sociales que se pretendía impulsar desde los movimientos alternativos. La desvergonzada “perversión” de las estructuras convencionales de los comic books -considerados como lectura para niños- y su instauración como importante icono cultural, demostraba el talante de esta nueva cultura: desenfadada, provocadora e irreverente.
Los artistas que se encargaron de crearlos cobraron repentina notoriedad y fueron una referencia imprescindible para todo el movimiento: Robert Crumb, Gilbert Sheldon, Spain, Robert Willians, etc. Así pues, con alguna excepción -la famosa portada de Mati Klerwein para “Abraxas” de Santana, por ejemplo- las imagénes más relacionadas con el rock psicodélico fué obra de dibujantes e ilustradores fuertemente influidos por la estética de los comix –o que de hecho eran autores de comix, como ocurrió con Crumb o Sheldon-. Es el caso de Roger Dean, que adquiriera fama en el Reino Unido ilustrando las portadas de muchos grupos de hard rock y progresivo - Uriah Heep, Budgie, Yes, Magna Carta, etc-, Su estética, tan propia de la ciencia-ficción o el género fantástico, parecía sacada de un tebeo. Todos estos artistas aplicaron esta estética en muchísimas portadas de discos y, sobretodo, en la cartelería de locales para conciertos, especialmente los californianos, lo que que terminó por imponerse al resto del movimiento, ya sea al uno como al otro lado del Atlántico.
Así, la cartelería musical también vivió así su pequeña revolución. A diferencia de la publicidad propia de los 50 y principios de los 60 -una fotografía del protagonista y una leyenda con una correcta tipografía a modo informativo- los carteles anunciantes de locales como el Matrix o el Fillmore Auditorum mostraban en 1966 un aspecto lleno de sofistificación. En cierta medida la estética fué tomada, además de los comix, de la cartelería modernista del siglo XX -ver imagen a la derecha-, aunque llevada a sus extremos, del surrealismo, así como de la obra gráfica de Escher.
Lo estético se anteponía a la información y en algunas ocasiones lo que se anunciaba era indescifrable. Primaba la intención de deslumbrar la mirada con formas que se identificaran con la cultura psicodélica: collages con fotografías antiguas y coloreadas, diseños complicados en diferentes planos, dibujos simétricos, absurdos o sacados de los comix, que la mayoría de las veces poco tenían que ver con los grupos anunciados. La tipografía, sinuosa y fantástica, jugaba con el diseño de la imagen en el cartel, fundiéndose en muchos casos y siendo ella misma lo más psicodélico del conjunto o incluso siendo la verdadera protagonista. Pero en general, los carteles servían para transmitir, más que nada, la cualidad enérgica de la eléctricidad que salía por los altavoces, éstos eran psicodélicos al mismo nivel que lo era la propia música que anunciaban, que a la vez era casi tan alteradora de la mente como las mismas drogas que la habían inspirado. Los carteles, en su efervescencia y colorido, serían por un tiempo inseparables de la ropa chillona de los músicos o el publico y los light shows en los conciertos.
Con el paso del tiempo, de forma paralela que en la música, esta estética entró en el mero cliché. Una vez apaciguada la primera ola de cratividad la “imagen psicodélica” había caido en la más burda comercialidad y era aplicada en todo lo imaginable: moda, publicidad, televisión, etc. Aunque quedó latente su supervivencia en los ámbitos underground -con cierto resurgir a finales de los 80 con el revival del garage y el rock psicodélico- es evidente que se perdió esa primera frescura tan difícil de emular.

Mentes de Acido

UNAS BUENAS PIEZAS DE LENNON...


WORKING CALSS HERO

As soon as your born they make you feel small,
By giving you no time instead of it all,
Till the pain is so big you feel nothing at all,

A working class hero is something to be,
A working class hero is something to be.

They hurt you at home and they hit you at school,
They hate you if you’re clever and they despise a fool,
Till you’re so fucking crazy you can’t follow their rules,

A working class hero is something to be,
A working class hero is something to be.

When they’ve tortured and scared you for twenty odd years,
Then they expect you to pick a career,
When you can’t really function you’re so full of fear,

A working class hero is something to be,
A working class hero is something to be.

Keep you doped with religion and sex and TV,
And you think you’re so clever and classless and free,
But you’re still fucking peasents as far as I can see,

A working class hero is something to be,
A working class hero is something to be.

There’s room at the top they are telling you still,
But first you must learn how to smile as you kill,
If you want to be like the folks on the hill,

A working class hero is something to be.
A working class hero is something to be.

If you want to be a hero well just follow me,
If you want to be a hero well just follow me.

IMAGINE

GOD

Para donde vamos...

Nació el 19 DE ENERO DEL 43 en Port Arthur, localidad industrial de tEXAS. Los padres de Janis habían querido que fuera maestra. Su padre, Seth, trabajaba en una refinería. Su madre, Doroty, había destacado cantando en su instituto.

Janis, en el primer año de instituto, se tiñó el pelo de naranja y se unió a una pandilla de jóvenes radicales por lo que se convirtió en una marginada por sus compañeros de clase, siendo durante esta étapa una persona muy impopular. Rechazaba el racismo y se le acusaba de "amiga de los negros". A los 16 años comenzó a manifestar su amor por la música. Frecuentaba los bares de Louisiana, donde escuchaba música negra. Comenzó a cantar a los 17 años.

Grabó su primer disco cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas; luego comenzó a cantar de forma habitual en bares. En el 63, la ciudad de Samn Francisco conoció el talento de Janis Joplin. Fue en este periodo cuando comenzó el contacto con la droga. Se sumió en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos. Anunció entonces a su familia que volvería a sus estudios universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San Francisco, conocido como J. P., pero el enlace no tuvo lugar. J. P. la abandonó y esto marcaría aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento de soledad.

Luego de este suceso, volvió a la música. Regresó a San Francisco empujada por el éxito. Se unió a la banda "Big Brother and the Holding Company", logrando una combinación perfecta y con la que grabaría el emblemático álbum Cheap Thrills. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Obtuvo buenas críticas, cada vez más centradas en ella y menos en el grupo. Esto reforzaba su autoestima y su carrera. Pronto pasó a ser conocida en el resto de USA.

Actuó con su banda en el Festival de Monterey del 67, junto con grandes estrellas, como Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, The Who entre otros...y entonces aspiraba "a ser algo más que la reina de los hippies". Actuó dos veces en el festival, porque la primera vez no había sido filmada. Para la segunda actuación, cambió su ropa hippie por un traje dorado...

A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossmael. Joplin eclipsaba a los Big Brother. Durante la gira por todo el país, comenzó a consumir heroína, para huir del agobio de la fama. Decía: "nada que siente tan bien puede ser malo". "Sólo quiero algo de paz".

En la primavera del 68, se trasladaron a N.Y para grabar su primer disco. No congeniaba en el grupo pero aquella combinación de música repetitiva, de estilo `sicodelico de los 60s con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa. El disco salió en agosto del 68. Se vendieron más de un millón de copias en el primer mes. Las críticas fueron muy buenas para Joplin, aunque no tanto para el grupo.

Albert Grossmael le propuso un cambio de grupo. "Cosmic Blues Band" sonaba bien distinto. Su sonido era excesivo, con trompetas, coros, etc. No funcionó. Recibió muy malas críticas. La revista Roling Stone la denominó la "Judy Garland del rock".

Comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida, de sus sentimientos. Decía que "hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola..." Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína. Sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.

Quiso entonces volver a su pueblo, Port Arthur, como estrella del rock públicamente. Sus padres aprovecharon para marcharse. No fue bien recibida. Y este fracaso fue magnificado en los medios de comunicación. Fue un desafío que se volvió contra ella. Poco después, su madre le diría "ojalá no hubieras nacido".

En septiembre del 70, se trasladó a L.A a grabar "Pearl" con su nuevo grupo. El 4 de octubre del 70 había sido un buen día de grabación. Se fue de copas y se emborrachó. A la 1:40, según el forense, murió por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas después.

Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común sólo es del 2%). Las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix o la de Jim Morrison.

A las seis semanas de su muerte, salió el disco "Pearl", que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema "Mercedes Benz" a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción "Buried Alive in the Blues" sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla.

El cuerpo de Janis Joplin fue incinerado en Westwood, California, y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico. Dejó en testamento 600 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje.

Ayer hace 40 años se fue de este mundo un gran hombre un revolucionario, un soñador que soñaba con un mundo muy diferente del que vivimos hoy en dia...Ernesto el Che Guevara..aqui una pequeña biografia...hasta la victoria siempre...

Revolucionario iberoamericano (Rosario, Argentina, 1928 - Higueras, Bolivia, 1967). Ernesto Che Guevara nació en una familia acomodada de Argentina, en donde estudió Medicina. Su militancia izquierdista le llevó a participar en la oposición contra Perón; desde 1953 viajó por Perú, Ecuador, Venezuela y Guatemala, descubriendo la miseria dominante entre las masas de Iberoamérica y la omnipresencia del imperialismo norteamericano en la región, y participando en múltiples movimientos contestatarios, experiencias que le inclinaron definitivamente a la ideología marxista.

En 1955 Ernesto Che Guevara conoció en México a Fidel Castro y a su hermano Raúl, que preparaban una expedición revolucionaria a Cuba. Guevara trabó amistad con los Castro, se unió al grupo como médico y desembarcó con ellos en Cuba en 1956. Instalada la guerrilla en Sierra Maestra, Guevara se convirtió en lugarteniente de Castro y mandó una de las dos columnas que salieron de las montañas orientales hacia el Oeste para conquistar la isla. Participó en la decisiva batalla por la toma de Santa Clara (1958) y finalmente entró en La Habana en 1959, poniendo fin a la dictadura de Batista.

El nuevo régimen revolucionario concedió a Guevara la nacionalidad cubana y le nombró jefe de la Milicia y director del Instituto de Reforma Agraria (1959), luego presidente del Banco Nacional y ministro de Economía (1960) y, finalmente, ministro de Industria (1961). Buscando un camino para la independencia real de Cuba, se esforzó por la industrialización del país, ligándolo a la ayuda de la Unión Soviética, una vez fracasado el intento de invasión de la isla por Estados Unidos y clarificado el carácter socialista de la revolución cubana (1961). En aquellos años, Guevara representó a Cuba en varios foros internacionales, en los que denunció frontalmente el imperialismo norteamericano.

Su inquietud de revolucionario profesional, sin embargo, le hizo abandonar Cuba en secreto en 1965 y marchar al Congo, donde luchó en apoyo del movimiento revolucionario en marcha, convencido de que sólo la acción insurreccional armada era eficaz contra el imperialismo. Relevado ya de sus cargos en el Estado cubano, el Che Guevara volvió a Iberoamérica en 1966 para lanzar una revolución que esperaba fuera de ámbito continental: valorando la posición estratégica de Bolivia, eligió aquel país como centro de operaciones para instalar una guerrilla que pudiera irradiar su influencia hacia Argentina, Chile, Perú, Brasil y Paraguay.

Al frente de un pequeño grupo intentó poner en práctica su teoría, según la cual no era necesario esperar a que las condiciones sociales produjeran una insurrección popular, sino que podía ser la propia acción armada la que creara las condiciones para que se desencadenara un movimiento revolucionario (Guerra de guerrillas, 1960; Recuerdos de la guerra revolucionaria, 1963).

Sin embargo, su acción no prendió en las masas bolivianas; por el contrario, aislado en una región selvática en donde padeció la agudización de su dolencia asmática, fue delatado por campesinos locales y cayó en una emboscada del ejército boliviano en la región de Valle Grande, donde fue herido y apresado.

Dado que el Che se había convertido en un símbolo para los jóvenes de todo el mundo, los militares bolivianos, aconsejados por la CIA, quisieron destruir el mito revolucionario, asesinándole para después exponer su cadáver, fotografiarse con él y enterrarlo en secreto. Se salvó, sin embargo, su Diario de campaña, publicado en 1967.

En 1997 los restos del Che Guevara fueron localizados, exhumados y trasladados a Cuba, donde fueron enterrados con todos los honores por el régimen de Fidel Castro.

Escritos

Por motivo de la proxima reunion de un concirto les dejo la bio de Led Zeppelin...

Se los "acusa" de haber inventado el Heavy Metal, quizás no en su forma más degradada, pero si en actitud, acordes y apariencia.

No es un "metal" puro porque a ellos les sonaba bien, seguramente por la influencia de Cream y los Yardbirds de donde venía Jimmy Page, el guitarrista de la agrupación.

Efectivamente, Led Zeppelin tuvo sus raíces en lo que quedó de los Yardbirds. Jimmy Page intentó rescatar la banda disuelta por Jeff Beck y la rebautizó como los Nuevos Yardbirds, pero en 1968 ya habían desaparecido. Entonces Page decidió concretar un sueño: una banda que tocara blues psicodélico. Para ello convocó a su amigo el bajista John Paul Jones con quien ya había tocado en proyectos de Donovan, Herman's Hermits y Petula Clark.

Page recibió noticia sobre un nuevo cantante de blues de Birmingham de quien se decía tenía un gran potencial. Entonces viajó para verlo en escena. “Su rango vocal era increíble”, recuerda Page. “Pensé, ¡un momento! Aquí hay algo raro, a él nadie lo conoce” se ríe. “No podía entenderlo. Pensé que debía ser alguien raro o algo así. Entonces se acercó donde estaba y pude ver que era una buena persona. Sigo sin entender porque para entonces no había destacado...”

En la casa de Page empezaron a escuchar toda la música que les gustaba, desde Buddy Guy hasta Muddy Waters y Elvis. Entonces Page salió con una idea descabellada. Puso a sonar “Babe I'm Gonna Leave You” de Joan Baez y le dijo a Robert Plant que quería tocar ese tipo de canciones “pero pesado, con mucha luz y sombra.”

Las cosas rápidamente tomaron forma en la mente de Plant quien le sugirió a Page el nombre de su amigo y compañero de grupo John Bonham para la batería. La primera reunión del grupo fue en una sala muy pequeña debajo de una venta de discos en Londres.

En el primer ensayo, explota el más puro y desenfrenado rock. Acabando la primera canción ( Train Kept a Rolling ), los cuatro se miraron uno al otro y dijeron: "es eso lo que vamos a hacer, y va a funcionar."

Estando el grupo formado y con algunos números ensayados, el próximo paso era contratar el empresario que cuidase de los intereses extramusicales, y la persona escogida fue Peter Grant, cuya única experiencia era con el grupo Combo, que más tarde se llamaría The Animals.

No les faltaba más nada a los New Yardbirds que se fueron de excursión a Escandinavia a terminar con algunos compromisos adquiridos anteriormente por la banda. De regreso en Londres, Jimmy decidió dar otro nombre al grupo. El nombre vino de una charla entre Jimmy Page, Keith Moon, baterista de The Who y un chofer. Moon tenía ganas de dejar The Who y se sentó con Page a buscar el nombre para la banda que formarían juntos: Led Zeppelin.

Al final del 68, Led Zeppelin, encontraba algunas dificultades para imponerse como nombre de respeto en el rock inglés. Por donde pasaban eran bien recibidos por el público, pero no conseguían sensibilizar a la prensa.

Después de algunos contactos inútiles para conseguir grabar, pues Peter Grant no tenía una referencia contundente para mostrar a los ejecutivos de las disqueras, apareció Dusty Springfield, una veterana catante, que le dio su aval a estos jóvenes casi desconocidos, diciendo que los conocía y eran realmente muy buenos. Con esa ayuda, Led Zeppelin firmaba su contrato con la grabadora americana Atlantic, valiendo también para Inglaterra.

Su primer disco se grabó en Olympic Studios y fue la primera vez en que Robert Plant cantó dentro de un estudio con las condiciones apropiadas. Según recuerda el cantante “cuando terminaba de catar entraba a la cabina para escucharme, era tan pesado, tenía tanto poder que era devastador. Tenía mucho trabajo por hacer con mi voz en ese entonces, pero el entusiasmo y lo maravilloso de trabajar con la guitarra de Jimmy... era demasiado. Todas esas cosas, pedazo a pedazo, se fueron convirtiendo en una especie de marca para nosotros. Terminamos el disco en tres semanas. Jimmy invirtió todo el dinero de los Yardbirds, que no era mucho, en nuestra primera gira. Nuestro personal de gira era una persona, pero aún así nos fuimos...”

Su primera presentación en Inglaterra fue el 15 de octubre de 1968 en la Unviersidad de Surrey donde aparecieron con el nombre de Led Zeppelin y apoyados por el baterista de Who, Keith Moon. En esta presentación Jimmy Page interpretó su solo de guitarra usando un arco de violín, idea sugerida por el padre de David McCallum, el protagonista de la serie televisiva “El Hombre de UNCLE”.

Su primer disco fue editado en 1969, llamado también Led Zeppelin . Fue producido en tres semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre del '68, y tuvo un éxito inmenso con la crítica y el público, lo que serviría de preludio al que ha sido una de las mayores influencias del rock posterior, su segundo disco: Led Zeppelin II , con el que la banda se consagró definitivamente. El LP llegó al número 1 en las listas británica y estadounidense destronando a Abbey Road de los Beatles y permaneciendo allí durante siete semanas.

Led Zeppellin II fue un disco que se escribió prácticamente en la carretera mientras la banda se forjaba un nombre en Estados Unidos. En Inglaterra el estilo blusero de la banda apenas pegaba, Peter Grant vio la oportunidad del otro lado del Atlántico cuando el grupo de Jeff Beck canceló una gira norteamericana junto a Vanilla Fudge.

Grant llamó a los promotores de la gira y los convenció de meter al Zeppelin en el avión que cruzaría el mar. Luego Grant convenció a los miembros de la banda de dejar el calor de sus hogares en Navidad para embarcarse en una gira que los llevaría a Los Ángeles a presentarse en “Wisky A-Go-Go”

“Lo importante”, recuerda Plant, “era que Peter nos dijo que sino rompíamos en San Francisco, tendríamos que regresar a casa. Era el lugar considerado esencial, la crema de todo el movimiento. Era la prueba de ácido, olvidate del Kool-Aid, y si no éramos convincentes se notaría enseguida. Yo dije ‘he cantado durante años, estaré feliz de cantar en cualquier lado'. Pero él tenía los ojos puestos en algo que yo ni siquiera me imaginaba.”

Led Zeppelin compartiría el escenario con Taj Mahal, Contry Joe y Fish. Cuando llegaron se dieron cuenta que los promovieron como grupo de apertura. En ese momento se dieron cuenta que tenían dos opciones: lo hacían o desaparecían. Led Zeppelin subió a la tarima con la sangre en el ojo. Jimmy Page sentía que algo estaba pasando con la audiencia. “Se sentía como un vacío y nosotros habíamos llegado para llenarlo”. “Primero esta fila, después aquella... era como un tornado que se fue llevando todo”.

Para cuando llegaron a Nueva York eran un número por derecho propio. Su gira en Estados Unidos se repitió tres veces en 1969.

El éxito de Led Zeppelin II se debió a que el grupo se había amalgamado y que en “Whole Lotta Love” Plant había encontrado su voz y Jimmy Page su poder como guitarrista.

Ninguno de los integrantes recuerda como surgió el riff de guitarra de “Whole Lotta Love”. John Paul Jones dice que fue durante una improvisación de “Dazed and Confused”. Por su parte Robert Plant afirma que “sin importar de dónde haya venido, todo se debió a ese riff. Cualquier reconocimiento debe ir a Jimmy y sus riffs.”

Led Zeppelin III tenía influencias de Sunset Strip, los Byrds, Buffalo Springfield y Moby Grape. Junto a la pasión del grupo por el blues el resultado realmente redefinió qué era el rock duro. El resultado fue su peor venta en años, aunque sus presentaciones en vivo eran cada vez más importantes.

Los conciertos de la banda eran realmente impresionantes. Cada vez que se interpretaba “Dazed and Confused” por casi 45 minutos la gente se volvía loca. Algo similar pasaba con el solo de batería de Bonham en “Moby Dick”.

Tras su tercer disco, Led Zeppelin III , algunos acusaron al grupo de no ser más que un conjunto de virtuosos unidos bajo un mismo nombre, lo que provocó que su cuarto trabajo, en su edición original, no tuviera título ni nada que permitiera identificarle, a excepción de cuatro extraños símbolos, uno para cada miembro de la banda. Era el año 1971 . Este álbum, llamado comúnmente Led Zeppelin IV , fue el LP más vendido de la banda (actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA), y destaca su éxito más grande “ Stairway To Heaven .”

Led Zeppelin IV entró a las tiendas en silencio en 1971. Un disco maduro pero con la dureza musical de sus predecesores. Era un estilo musical impresionante para una banda que seguía siendo un trío con un cantante.

Bonham y Jones se sentían más confiados en sus habilidades. Bonham interrumpió el trabajo en una canción para meter la base musical de “Keep A-Knockin'” de Little Richard, en tanto Jones trajo una idea inspirado en Muddy Waters.

“Quería que intentáramos un blues eléctrico con una parte fuerte para el bajo” recuerda Jones. “Pero no podía ser muy simple. Quería que girara sobre sí misma. Se la mostré a los muchachos y empezamos a trabajar en ella. Luchamos con el giro hasta que Bonham resolvió el problema contando hasta cuatro, como si no existiera gira. Ese era el secreto. Igualmente, la habíamos puesto el nombre por un perro que andaba dando vueltas por el estudio. El perro no tenía nombre, así que le pusimos a la canción ‘Black Dog'”.

El punto alto del disco era “Escalera al Cielo”. La canción que ha sonado más veces en la radio norteamericana. El tema empezó como muchas canciones de Led Zeppelin en una cinta grabada en el estudio de Jimmy Page. El primero en oírla fue John Paul Jones. “Bonzo (Bonham) y Robert se habían dado un descanso, mientras que yo me quedé trabajando en el asunto. Jones y yo empezamos a ensayarla juntos y luego la ensamblamos con batería y todo. Robert estaba sentado al lado de la chimenea y creo que para ese momento tendría el 80% de la letra en su cabeza.”

“Sí” dice Plant, “me senté al lado de Page mientras tocaba. Se hizo muy rápido. Tomó un poco de trabajo pero fue muy fluido.”

En 1973 salió a la venta “Houses of the Holy” en el que se experimentaba aún más que en los discos anteriores. Melodías poderosas, pistas más largas, más sintetizador y orquestación de órgano. Con “ The Song Remains the Same ", " No Quarter " y " D'yer Mak'er " el grupo empezó a expandir nuevamente las fronteras de la música rock. Su gira de 1973 en los Estados Unidos volvió a batir marcas de asistencia cuando se congregaron 56 800 personas en su concierto de Tampa en Florida. Tres conciertos con entradas agotadas en el Madison Square Garden de Nueva York fueron filmados en celuloide para producir un especial cinematográfico que nunca se completó.

Un año después crearon su propio sello grabador llamado Swan Song. El nombre vino de una de las cinco canciones que nunca salieron en alguno de sus discos.

1975 vio el lanzamiento de “Physical Graffiti” un doble álbum en el que se incluyó una colección de canciones altamente complejas como “Ten Years Gone”, la acústica “Black Country Woman” o las excéntricas “Tramped Under Foot” y “Kasmir”. La salida del disco provocó que todo el catálogo de Led Zeppelin volviera a entrar dentro de los 200 discos más populares en Estados Unidos.

La gira de conciertos que le siguió incluyó 5 noches abarrotadas en el Earls Courts de Londres. Era el momento cumbre de la banda, nadie en la música era tan grande como ellos.

Si la fama del grupo era impresionante en el escenario y en las ondas de la radio, lo mismo pasaba con lo que ocurría detrás de bambalinas. Led Zeppelin viajaba en su propio Jet, alquilaban porciones enteras de los hoteles y se convirtieron en sujeto de las historias más raras sobre lo que sucedía en esos espacios. Habitaciones semidestruidas y visitantes nocturnas eran el denominador común.

En 1976 el grupo tomó un descanso de las giras y empezó a producir “Fantasy” con segmentos filmados en los conciertos de “The Song Remains The Same”. Durante ese período Robert Plant y su esposa tuvieron un accidente de tránsito en Grecia en el que él resultó con solo una fractura en su muñeca, mientras que su esposa solo sobrevivió gracias un vuelo a tiempo a Londres donde una transfusión de sangre apenas le salvó la vida.

Con la opción de las giras definitivamente fuera de la agenda el grupo se concentró en grabar “Presence”. El LP alcanzó la categoría de platino, pero representó un cambio importante en el estilo musical de Led Zeppelin. Ahora su música era menos compleja y los arreglos musicales pesados daban paso solos de guitarra. El punto alto del disco fue “Achiles Last Stand” en el que la batería de Boham tomaba altura acompañada por las descargas de guitarra de Page.

El disco recibió críticas mixtas. Mientras unos sonreían frente a un estilo más simple, otros lamentaban la pérdida del lado más creativo y artístico del grupo, y lo atribuían directamente a los excesos en los que vivía el grupo. Fue en 1976 cuando Page empezó a usar heroína, lo que gradualmente empezó a interferir en las presentaciones del grupo y en las grabaciones.

A finales de 1976 se empezó a exhibir el filme del concierto “The Song Remains The Same” y se puso a la venta la banda de sonido en un doble LP. A pesar de la fecha de lanzamiento, el pietaje de la película era de 1973 de las presentaciones en el Madison Square Garden. El disco no es necesariamente el mejor disco en vivo que se haya producido, pero fue el único que produjo la banda hasta el posterior lanzamiento de las Sesiones en la BBC de 1997 y “How The West Was Won” de 2003.

En 1977 el Zeppelin partió de nuevo hacia los Estados Unidos. Antes de su llegada las entradas estaban agotadas en Chicago, Los Ángeles, Nueva York, Seattle y Cleveland. Sin embargo, la gira debió ser cancelada. Primero la muerte del hijo de Robert Plant, Karac obligó al cantante a volver a casa inmediatamente y por otra parte una parte importante del equipo de apoyo del grupo fue arrestado (incluido Peter Grant) cuando molieron a patadas a uno de los integrantes del Staff organizador del concierto.

En el verano siguiente se fueron a grabar a Suecia, al estudio propiedad de ABBA. “In Through The Door” sirvió para que John Paul Jones y John Bonham se lucieran en “Carouselmabra” y “Fool in the Rain”. También se incluyó la balada que Plant le dedica a su hijo “All My Love”.

Luego de una década de grabar e ir de gira por el mundo el grupo es considerado como un dinosaurio por algunos, sobre todo porque el gusto popular se había ido hacia el disco o al punk. Aún así el grupo tenía una base de seguidores amplia y el disco llegó sin complicaciones al número uno en Estados Unidos y el Reino Unido.

Los dos veranos siguientes prometían mucho para el grupo. El de 1979 empezó con dos conciertos en Copenhage y siguió con otro frente a 150 mil personas en el festival de Knebworth. Luego vendría la gira por Estados Unidos.

Sin embargo, la gira norteamericana de 1980 no pudo ser. El 25 de setiembre de 1980 justo antes de empezar la gira, el baterista John Bonham murió asfixiado luego de haber bebido alcohol durante un día completo. Durante dos meses los restantes integrantes del grupo se debatieron entre si seguir o deshacer Led Zeppelin. La decisión la anunciaron en diciembre de ese año: El Zeppelin regresaría al hangar para no volver a salir.

Dos años después de la muerte de Bonham el grupo sacó a la venta “Coda”, una colección de tomas inéditas de discos anteriores. Durante los siguientes años un chorro constante de discos con sus grandes éxitos ha mantenido a la banda en las listas, pero su música sigue sonando por mérito propio.

Después de “Coda” aparecieron cantidades de rumores de que la banda volvería. En realidad era más el deseo de la gente que el de los integrantes del grupo. Sin embargo, y para sorpresa de propios y extraños en 1985 Led Zeppelin apareció en el concierto Live Aid. Jones, Plant y Page interpretaron " Rock and Roll ", "Whole Lotta Love" y "Stairway to Heaven" con Tony Thompson y Phil Collins en la batería.

Cuando en 2004 salió a la venta el DVD del evento los integrantes de la banda prohibieron el uso de sus imágenes.

Sin embargo, la actuación los dejó con ganas de más y empezaron a considerar seriamente incluir a Tony Thompson en la batería, pero un serio accidente de tránsito en el que se vio involucrado el baterista los hizo desistir del proyecto.

Otras reuniones incluyeron la aparición de 1988 para el 40 aniversario del sello Atlantic ó apariciones de Plant y Page en conciertos o especiales de MTV. En 1995 el grupo fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de Estados Unidos por los entonces miembros Aerosmith. En el momento de recibir el premio John Paul Jones dijo: “Gracias, mis amigos, por recordar finalmente mi número telefónico.” El texto iba directo a los otros dos miembros del grupo que lo excluyeron del especial de MTV y los conciertos subsiguientes.

La prensa británica reportó en 2002 que Plant y Jones se habían reconciliado y nuevamente aparecieron los rumores de una nueva reunión, que rápidamente fue desmentida por Page.

En 2005 Led Zeppelin recibió el Grammy por su obra de vida, el único Grammy que la banda recibió. Ese mismo año un censo llevado a cabo por una radio británica determinó que “Escalera al Cielo” era la canción más solicitada.

“Miro hacia atrás y me río” dice hoy Robert Plant. “Tenía solamente 19 años cuando me bajé del avión. Es como tener a un niño y ser parte de él. La respuesta a todo eso es madurar, desarrollo y balance. Mucho de esos años era como estar en medio de un patrón de costura que no había sido terminado. No había instrucciones y las páginas se reescribían todos los días.”

http://www.radiodos.com/paginas/archivo/artistas/led_zeppelin.php

El 18 de Septiembre de 1970 fue de los dias mas tristes de la historia de la música en general...la muerte de Jimi Hendrix...un dios de la guitarra...osea elmartes se celebro el 37 aniversario de su muerte..."el dia mas triste de tu vida aunque no hubieras nacido...."
Por eso les dejo tres diskitos...